1.1. Определение и теория авангардизма.
Авангардизм (от фр. avant-garde - впереди идущий) -термин, обозначающий течения в искусстве XX в., которые, порывая с реалистической традицией, усматривают в ломке установившихся эстетических принципов, способов построения художественной формы осн. путь к достижению искусством своего назначения.
Авангард возник в 1910-1920 г. 20 ХХ в.в период краха буржуазной идеологии. Творческая природа авангардизма, как считают некоторые искусствоведы, во многом связана с динамикой научно-технического прогресса, решительно изменившего облик и ритмы современного мира, с развитием отвлеченного мышления, обусловившего тяготение к искусству ассоциативных структур. Для авангардизма характерно отрицание традиционного искусства, стремление создать новое в экспериментальных формах и путях творчества. Авангардизм является крайним выражением более широкого направления как модернизм. Авангардисты в своих работах стремились выразить свои эмоции, чувства и видение мира. Яркими представителями авангарда были С. Малевич, В. Кандинский, В. Татлин, А. Матисс, П. Пикассо, Ж. Брак, М. Эрнст, Р.Маргритт, П. Сезанн, Сальвадор Дали.
1.2. Авангардизм как стадия развития искусства.
В современном искусствоведении до сих пор не утихают споры о том, какова природа искусства, как возникло искусство и как оно развивается. До сих пор невыясненными остаются глубинные вопросы потребности человека в искусстве. Искусство существует в самых разных формах, для него характерна изменчивость и непредсказуемость дальнейшего развития.
Художник, как правило, не может отвлечь свой творческий процесс от воздействия всего того, что уже было создано до него, и создать произведение, где отсутствовало бы влияние каких-либо традиций и школ. Тот, кто пытается оторваться от влияния извне, все равно попадает под него, хочет он того или нет. Однако, несмотря на всяческие влияния и давления художник может и должен создавать то, что еще не было создано до него. Исходя из этого следует, что наиболее актуальным вопросом теории искусства является проблема развития современного искусства.
Современное искусство, даже если его девизом является «движение вперед», иногда старается скрывать свою основу, построенную на традициях и влиянии классических форм или, наоборот, уже на ставших «традиционными» авангардных формах, повторяя авангардные приемы минувших десятилетий и столетий. Главнаязадача авангарда – производить шок, скандал, без этого авангардное искусство невозможно. Авангард не мыслим без эпатажа, который стал естественной составляющей современной культуры и уже не воспринимается так остро, как он воспринимался ранее.
Прорыв к новому и принципиально не похожему ни на что невозможен сам по себе без длительной подготовки к нему. Однако, прорыв бывает, но для того, чтобы этот прорыв произошел, необходима длительная подготовка или в процессе развития искусства, или в других символических формах культуры, таких как наука или религия. Так некоторые процессы в развитии той или иной символической формы несут латентный характер и не всегда постороннему наблюдателю те или иные «скачки» кажутся логичным следствием из ряда предшествовавших факторов, если рассматривать их строго в пределах отдельно взятой символической формы.
2.Авангардизм.Художники.
2.1. Кандинский.
Василий Васильевич Кандинский - русский живописец, график и теоретик изобразительного искусства, один из основоположников абстракционизма.
В начале 10-х гг. ясно определилось главное направление творческих поисков Кандинского: он хотел сосредоточить все средства живописи на передаче сложной системы чувств и ощущений, которые живут в потаённых глубинах души художника и не зависят от материального мира. Кандинский разделил все абстрактные произведения на три группы: импрессию, импровизацию и композицию. Кандинский в основном работал с композициями, в которых не было прямых связей с реальностью. Он использовал цветовые пятна и линии, которые образовывали стихию движения. Многие композиции не имели названий – только номера (из 10 работ сохранилось лишь 7).
Большое влияние на художника всегда оказывала музыка, так как именно она вдохновляла и заставляла работать воображение. Кандинский говорил, что мир является гармоничным целым, в котором человеческие эмоции могли быть вызваны различными образами. Художник через рисование и черчение имитировал течение и глубину музыкального произведения, окрашенность отражала тему глубокого созерцания.
Творчество Василия Кандинского имеет глубокий философский смысл. Все предметное является неким «экраном», через который подлинная действительность остается невидимой. Подлинная действительность для него целиком сосредоточена во внутреннем мире. Кандинский стремился запечатлеть в своих картинах именно символы, суть, а не просто вещь или предмет. Обращает на себя внимание особая устремленность к целостности и форме. На месте исчезнувшего предмета в творчестве художника появляется структура восприятия феноменальности мира — идея, число, точка, линия, звук, цвет — некий мыслительный конструкт, открывающий новые возможности перед современным искусством и современным зрителем.
«Искусство не воспроизводит видимое, но делает видимым то, что не всегда таковым является». (с) ПаульКлее. Именно с таким посылом начинает писать свои картины Кандинский после 1911 года. Одно из самых значимых и масштабных произведений художника, написанное в 1913 году, – «Композиция VII». На данной картине изображены различные цветовые фрагменты, которые имеют ломанную геометрическую форму. Элементы в центре переданы более темными оттенками и более нежным цветом показаны формы по периметру картины. Из-за такого контраста темного и светлого, необычной формы элементов у каждого зрителя создаются свои впечатления и ощущения от картины.Композиции Кандинского – это сочетание несочетаемого, поиск гармонии в хаосе. В композициях Кандинского расположение фигур и использование определенных цветов абсолютно сознательны.
|
«Импровизации» - это плод интуиции, бессознательного, выражающие процессы внутреннего характера, то есть реакция художника на окружающий мир. Кандинский в своих импровизациях связывал абстракцию с реальностью, показывал свои бессознательные эмоции. На картине «Импровизация 19» показаны две группы фигур, которые напоминают скопление людей. Силуэт в правой части холста отличается от силуэта в левой части более жирной обводкой. Фон холста выполнен в основном в синем цвете, также присутствует желтый и красный цвета. На первый взгляд очевидно, что изображено на картине, но есть и другой смысл картины. Силуэт в правой части холста так же можно принять за схематичное изображение животного, подобное изображению мамонта из грота Шове во Франции. На обоих изображениях животное показано в примитивной форме лишь в общем виде, благодаря отдельным деталям и фрагментам (лапам и бивню), передающим сходство с реальным живым существом. Фигура мамонта расположена напротив группы людей слева. Белые силуэты, расположенные чуть позади основных напоминают тень, но в если рассматривать картину в другом смысле, то белыми силуэтами являются древние люди. Их фигуры небольшие, они слева, образ мамонта справа, он могуч. Между размерами этих фрагментов возникает напряжение, воплощающееся также и в выборе цветовой палитры фона между ними, напоминающее своими красочными оттенками и кладкой мазков глубину океана и одновременно твердость льдов возрастом в миллионы лет. Тем самым Кандинский хотел создать непосредственную связь между зрителем и древними культурными корнями.
|
2.2.Малевич.
Казимир Малевич - российский и советский художник-авангардист польского происхождения, педагог, теоретик искусства, философ. Основоположник супрематизма — одного из наиболее ранних проявлений абстрактного искусствановейшего времени.В 1911-14 экспонировал свои работы на выставках объединения, участвовал в вечерах-диспутах.
Первые картины Казимира Малевича были созданы под влиянием французских импрессионистов, также работал в стиле фовизма и футуризма. Малевич был первым художником 20 в., который в своих произведениях полностью отказался от изобразительности, даже от изобразительности раздробленной, которая до этого существовала в футуризме и кубизме.Малевич оформил ряд изданий русских футуристов.
Работал Малевич в основном в стиле супрематизма. Первая выставка супрематизма состоялась в Санкт-Петербурге, в декабре 1915 года, и состояла из тридцати пяти абстрактных произведений Малевича, включивших в себя изображение множества треугольников, прямоугольников и кругов, исполненных в ярких красках. Основным произведением стал знаменитый «Черный квадрат» на белом фоне, который помог приобрести Малевичу его статус и влияние.
Основу супрематизма составляет понятие «беспредметности». Супрематизм Малевича имел три ступени – черную, цветную и белую. Черный этап имел три формы – квадрат, круг и крест. Цветной период начинался также с квадрата- его красный цвет служил, по мысли Малевича, знаком цветности вообще. Малевич утверждал, что беспредметное искусство является «чистым искусством», в котором содержатся истинное выражение ощущений и некий «абсолютный неизменный элемент».
Самые знаменитые картины Малевича:
«Чёрный супрематический квадрат» - 1915 г., «Красный квадрат» - 1915 г.
«Чёрный круг» - 1923 г., «Супрематическая композиция» - 1916 г.
«Скачет красная конница» - 1928—1932 г., «Зимний пейзаж» - 1930 г.
«Точильщик» - 1913 г., «Жница» - 1912 г.
«Черный супрематический квадрат» - одна из самых знаменитых картин Казимира Малевича. На самом деле «Черный квадрат» вовсе не черный и совсем не квадратный: ни одна из сторон четырехугольника не параллельна ни одной другой его стороне и ни одной из сторон квадратной рамки, которой обрамлена картина. Темный цвет квадрата – результат смешения различных красок, среди которых не было черной.
Казимир Малевич говорил, что картина создана им под воздействием бессознательного, некоего «космического сознания». Однако, если выйти за рамки традиционного восприятия, то можно понять, что это вовсе не черный квадрат, а разноцветный куб.
Картина знаменовала собой явный переход к осознанию роли формализма в изобразительном искусстве. Формализм — это отказ от буквального содержания в угоду художественной форме. Художник, рисуя картину, мыслит не столько понятиями «контекст» и «содержание», сколько «баланс», «перспектива», «динамическое напряжение». То, что признал Малевич и не признали его современники, является фактическим для современных художников и «просто квадратом» для всех остальных.
|
Эта картина Казимира Малевича очень долгое время была одним и единственным полотном из абстрактных работ мастера написанной в 1928-1932 годах. На картине художник изобразил события, связанные с Октябрьской революцией.
Картина четко поделена на три равнозначных части. Это земля, скачущие красные конники и небо. В этой работе Малевич максимально точно передал так называемое золотое сечение. Землю и небосвод разделяет четкая линия горизонта, деля картину в идеальной пропорции 0,618 (земля: небо = небо: картина = 0,618). На момент написания картины такая точность была очень редка, потому ряд критиков использовал полотно в качестве примера для подражания. Конница показана как три отдельные группы, в каждой из которых по четыре всадника. Центр картины смещен влево и вниз. Основные цвета – синий, зеленый, красный и черный. Пространство перед конницей почти в 2 раза больше чем позади, что создает динамику и интенсивное движение.
Картина Малевича «Скачет красная конница» выступает очень энергетически заряженной и выразительной. Она характерна для нашего художника-мыслителя: с одной стороны с философским подходом, а с другой математическим, благодаря идеальному золотому сечению. Все образы просты и улавливаются без всякого анализа всеми зрителями, стоит только внимательно присмотреться к этому произведению искусства.
|
|
2.3. Татлин
Владимир Татлин — русский и советский живописец, график, дизайнер и художник театра.Владимир Татлин был самородком - почти без серьезной школы. В начале творческого пути Татлин прошел через увлечение импрессионизмом (работы "Гвоздика", "Цветы пижмы", "Огород"), однако уже с 1910-х годов он создавал картины и рисунки в примитивистской и футуристической манере ("Продавец рыб" (1911),"Натурщица" (1913), "Портрет артиста" (1914).
С 1908-1910 годы Татлин очень много работал с обнаженной натурой и создал большое количество картин натурщиц. В своих работах он стремился к обобщенности и почти знаковой выразительности изображения, поэтому фигуру описывал обобщенно.
Знакомство с Пикассо побудило его создавать трёхмерные композиции - контррельефы, названные критиками того времени "станковой архитектурой". Объемные абстракции он создавал из железа и дерева, с использованием стекла, штукатурки, обоев, фрагментов готовых вещей и отчасти обработанные живописными средствами. Он так же делал эскизы и зарисовки печей, посуды, одежды. По его задумкам были спроектированы детский поильник из фарфора, заварной чайник, комбинированный набор посуды из металла, так же были и работы в области одежды.
Знаменитые работы Василия Татлина:
«Угловой контррельеф» - 1915 г.
«Матрос. Автопортрет» - 1911 г.
«Башня. Модель памятника III Интернационалу» - 1919-20 г.
«Натурщица» - 1913 г.
«Трамвай В» - 1915 г.
Ломаная геометрия рисунка, лишенные пластики формы – основные черты творчества гения русского авангарда Владимира Татлина. Его «Натурщица» 1913 года является олицетворением наследия Пикассо и ярким примером кубизма.
На картине изображена обнаженная женщина, которая скромно расположилась на покрытом красной материей кубе. Лица натурщицы мы не видим. Татлин создает женский образ с помощью грубой манеры письма, граничащей с примитивизмом. Все части женского тела прописаны схематично, что дает зрителю обобщенный образ натурщицы. Натурщица безэмоциональна. Скучая, с отрешенным безрадостным видом она ожидает завершения работы художника.
Скупость эмоций модели и грубая техника исполнения с легкой кисти художника разбавляется использованием чистого насыщенного цвета. Отличающий работы Татлина триколор – «лазурный – охристый - красный» - обнаруживает себя и на этом полотне. Застывшие яркими пятнами, эти краски заставляют забыть об истинном смысле картины и отвлекают зрителя от изображенной здесь женщины. Не она – главное действующее лицо работы, а цвет – яркий и простой, но при этом невероятно смелый и предельно ясный.
|
Владимир Татлин с 1913 года предпринимает свои первые революционные попытки создания эскизов на стыке двух родственных областей искусства: скульптуры и живописи. Результатом художественных экспериментов стали «контррельефы». Готовые живописные построения своим появлением знаменовали для дизайнера новый резкий виток в творческой деятельности. Ранее он занимался фигуративной живописью и был известен, прежде всего, как художник театра.
Присущий началу XX века кубизм в трудах живописцев трансформировался у Татлина в рельефные композиции из металлических конструкций, деревянных плоскостей, стекла и штукатурки. Невиданные ранее сочетания в работах создали особый эстетический эффект. Конструктивизм был для дизайнера новым способом видеть окружающий мир: пластический, пространственный, скульптурный.
Татлина интересовали такие свойства материалов, как фактура и текстура, он выявлял художественные возможности сочетания различных материалов, считал необходимым совпадение внутренних свойств материала и конструкции, в которой этот материал используется.
Контррельеф не имеет названия, это заставляет думать о том, что Владимир Евграфович оставил возможность зрителю - поразмышлять и подумать, над значением подобного собрания жестяных геометрических предметов.
|