Зарубежное искусство.
1.Стиль классицизм в европейской культуре, его сущность и основные этапы развития
Классицизм - художественный стиль в европейском искусстве XVII – первой трети XIX вв.
Характерные черты:
1.обращение к формам античного искусства как к идеальному эстетическому эталону
2. продолжает традиции Возрождения (преклонение перед античными идеалами гармонии и меры, вера в мощь человеческого разума), но в то же время является его антитезой, так как нет ренессансной гармонии, единства чувства и мир больше не воспринимается как гармоническое целое
3. в основе эстетики классицизма лежат принципы рационализма(исходящие из философии Декарта), которые обусловили взгляд на художественное произведение как на плод разума и логики, торжествующих над хаосом и текучестью чувственно воспринимаемой жизни.
4. Эстетической ценностью в классицизме обладает лишь непреходящее, неподвластное времени. 5.Придается огромное значение общественно- воспитательной функции искусства
6. новые этические нормы, формирующие образ его героев: стойкость перед жестокостью судьбы и превратностями бытия, подчинение личного общему, страстей - долгу, разуму, верховным интересам общества, законам мироздания.
7.эстетика классицизма нормативна, требует жесткой регламентации художественных правил, строгой иерархии жанров - от "высоких" (исторический, мифологический, религиозный) до "низких", или "малых" (пейзаж, портрет, натюрморт); каждый жанр имел строгие содержательные границы и чёткие формальные признаки.
Этапы:
1. Предпосылки классицизма наметились уже во второй половине XVI в. в Италии – например, в архитектурной теории и практике Палладио, в эстетических нормативах академистов болонской школы.в
2. классицизм XVII в. (особенности: 1)классицизм, развивавлся в острополемическом взаимодействии с барокко, 2) лишь во французской художественной культуре сложился в целостную стилевую систему.
Ансамбль Версаля (Château de Versailles,1661-1708 гг.)
В рамках французской художественной культуры преимущественно формировался и классицизм XVIII в., ставший общеевропейским стилем.
3. классицизм XVIII - начала XIX вв. (последний в зарубежном искусствознании часто именуется неоклассицизмом(в рамках которого сформировался ампир как последний большой этап классицизма)
Неоклассицизм проявил себя прежде всего в архитектуре, в попытках решить грандиозные задачи идеального города, что уже видно в градостроительных проектах Клода Никола Леду. Замыслы Леду были утопичными (проект ансамбля города Шо, 1771—1773).
Особенности арх-ры классицизма: симметричность здания по центральной оси, вытянутость по горизонтали, ордерная система, четкость и геометрическая правильность объемов и планировки, выделяющиеся на глади стен портики, колонны, статуи, рельефы
Более рационально мыслил Жак Анж Габриэль с его оформлением площади Людовика XV (площади Согласия), открытой к парку Тюильри и на Сену и связанной с широкими зелеными массивами Елисейских полей; с его решением Малого Трианона
4.Неоклассицизм начала нового столетия называют ампиром, стилем империи. Стиль ампир — монументальный, репрезентативный в экстерьере, изысканно-роскошный во внутреннем убранстве, использующий древнеримские архитектурные формы и орнаменты(например трофеи и доспехи), сочетание насыщенных красных, зеленых цветов, золота.
В живописи классицистические тенденции проявляются наиболее ярко.
Особенности классицистической картины: плановость, кулисность, основное действие разворачивается на переднем плане, присутствие руины(героический пейзаж), обнаженная натура, исторические сюжеты и сюжеты их античной мифологии
В преддверии Великой французской революции в живописи Франции появляется Жак Луи Давид (1748—1825). В его творчестве античные традиции, эстетика классицизма слились с политической борьбой, с политикой революции, это и дало новую фазу классицизма во французской культуре, так сказать, «революционный классицизм».
Пример: картина «Клятва Горациев» (1784—1785),
«Клятва в зале для игры в мяч)(1790—1791), задумав создать образ народа в едином революционном порыве, которую, однако, успевает выполнить только в рисунке,
«Смерть Марата» (1793)
Его последующий путь — это путь от первого художника республики до придворного живописца империи:
Наполеон на Сен-Бернарском перевале», 1801;
«Коронация», 1805—1807
Давид явился создателем огромной школы учеников. Из его мастерской вышел великий художник
Жан Огюст Доменик Энгр (1780— 1867).
Именно Энгру предстало превратить давидовский классицизм в академическое искусство, с которым вступили в противоборство романтики.
«Послы Агамемнона у Ахилла», портрет художника Франсуа Мариуса Гране, «Источник»
Скульптура эпохи классицизма отличается строгостью и сдержанностью, слаженностью форм, спокойностью поз, когда даже движение не нарушает формальной замкнутости (Этьен Морис Фальконе(памятник петру 1, грозящий амур),. Гудон Жан-Антуан»Вольтер»).
Среди скульпторов можно назвать Антонио Канову(персей с головой медузы, Наполеон Бонапарт), Жан Батиста Пигаля(Меркурий, завязывающий сандалию), Жан Антуана Гудона(Портрет Вольтера, портрет Екатерины 2)
Классицизм — последний великий стиль, присущий и архитектуре, и живописи, и пластике. Очень скоро по всей Европе начинается распад этого единства. В архитектуре с середины века воцаряется эклектика. В живописи и скульптуре наряду с классицизмом, который все более приобретает черты академической схемы, с 20-х годов XIX в. рождается сильное романтическое направление; с 40-х годов усилиями барбизонцев и таких мастеров, как Курбе и Домье, развивается реализм, поддержанный настроениями, связанными с общим подъемом пролетарского движения.
2.Романтизм - новое идейное и художественное направление в культуре ХIХ в.
Романтизм(франц. romantisme) - это идейное и художественное направление, которое возникает в начале XIX в Европе и продолжается до 40-х годов XIX века.
Характерные черты:
1.Зародившился в качестве реакции на рационализм и механицизм эстетики классицизма и философии Просвещения,
2. Непосредственной причиной, вызвавшей появление романтизма, была Великая французская буржуазная революция, ломка старого миропорядка. Романтизм возник после французской буржуазной революции и опирался на философию Гегеля, Фихты и Шеренга, в основе которых лежали идеалистические взгляды, и их разлад с социальной действительностью
3.противопоставил утилитаризму и нивелированию личности устремленность к безграничной свободе и бесконечному, жажду совершенства и обновления, пафос личной и гражданской независимости.
4. Романтики восприняли идею свободы личности, выдвинутую революцией, но в то же время они осознали беззащитность человека в обществе. Т.е. главный конфликт – личности и общества
5. для мироощущения многих романтиков характерны смятения и растерянность перед окружающим миром, трагизм судьбы личности.
6. Романтизм во многом отрицал реальность, и поэтому в произведениях присутствовала идея двоемирия. противопоставление прекрасного вымысла объективной реальности
7. с романтизма начинает появляться настоящий психологизм. Основной задачей романтизма было изображение внутреннего мира, душевной жизни, а это можно было делать и на материале историй, мистики и т.д.
Романтизм оставил целую эпоху в мировой художественной культуре, его представителями были: в литературе В. Скотт, Дж. Байрон, В. Гюгои др.; в изобразительном искусстве Э. Делакруа, Т. Жерико, Дж. Констебл, У. Тернер, Гойя, О. Кипренский и др.; в музыке Ф. Шуберт, Р. Вагнер, Г. Берлиоз, Н. Паганини, Ф. Лист, Ф. Шопен и др.
Живопись:
Теодор Жерико (1791—1824) —мастер героических монументальных форм, который соединил в своем творчестве и классицистические черты, и черты самого романтизма, и реалистическое начало, оказавшее огромное влияние на искусство реализма середины XIX в. Жерико несомненно явился провозвестником и даже первым представителем романтизма.
«Офицер конных егерей императорской гвардии, идущий в атаку». «Раненый кирасир, покидающий поле боя» (1814), «плот медузы» 1819. Через пять лет после смерти Жерико именно к этой картине был применен термин «романтизм».
Художник, ставший вождем романтизма, был Эжен Делакруа (1798—1863).
«Данте и Вергилий», 1822,«Хиосская резня», «Свобода на баррикадах»
«Алжирские женщины в своих покоях» (1834) и «Еврейская свадьба в Марокко» (около 1841).
Делакруа – художник-колорист. Цветом и контрастами, а также экспрессивным мазком он прежде всего создает определенное настроение.
В искусстве Испании самый яркий представитель романтизма начала 19 в. - Франсиско Гойя.
На его творчество оказало влияние антифеодальное движения в Испании и события Французской революции. В его произведениях мы находим глубокие философские обобщения и глубину анализа духовной сущности человека. Его живопись живая и экспрессивная с интенсивным использованием цвета.
Тема народа, восстающего против насилия звучит в эмоционально-напряженном полотне "Расстрел повстанцев в ночь на 3 мая 1808 года" (В этом произведении напряженный образный строй достигается сложностью композиционного решения, резким контрастом красок и цветовых рефлексов, красочностью теней.) и в цикле офортов "Ужасы войны".
Из других произведений можно назвать одетую и обнаженную мах, цикл офортов Гойи "Капричос", которые явились своеобразным метафорическим и гротескным зеркалом жизни Испании в XVIII веке, изображением ее пороков и достоинств.
Из скульптурных произведений романтического направления нужно отметить в первую очередь «Марсельезу» Франсуа Рюда (1784—1855) — рельеф на арке площади де Голля в исполненный в 1833—1836 гг.
3.Реализм как творческий процесс и метод художественной культуры европейских стран ХIХ в.
Как направление реализм складывается в 30-е гг. 19 в. Реализм возник как реакция на романтическое искусство. Разочарование в революции – толчок к возникновению нового метода. Правдивость деталей и показ типических характеров, действующих в типических обстоятельствах, - главный принцип реализма.
Характерные черты:
1.Критерий художественности – верность актуальной социальной действительности.
2. Искусство как познание и анализ.
3. Типизация характеров и обстоятельств как способ художественного воссоздания мира. Характерен процесс дегероизации, подчеркивается обыденность, повседневность.
4. Расширение предмета изображения (отмена «запретных тем» и одновременно сужение тематического диапазона в пользу социальной тематики).
5.Основные темы: конфликт героя и социальной среды, социализация личности.
6.Жанры (социально-психологический и семейно-бытовой роман, пейзаж, бытовая картина, социальный портрет, реалистическая опера).
7. Реалисты, как и романисты, критикуют действительность, но критика основана на анализе, на научном подходе. Прагматика реализма: критическое и воспитательное задание.
8. Реализм на первый план выдвигает идею понимания действительности, отвергает двоемирие. Человек не может быть противопоставлен действительности (как у романтиков).
9. Реалисты предлагают этический идеал, новую концепцию истории – актуальность, злободневность
Реалистическое направление в живописи Франции укрепило свои позиции в середине XIXв. после революции 1848 г. Во французской живописи реализм заявил о себе ранее всего в пейзаже с так называемой барбизонской школы(Руссо, Милле, Добиньи и др)
Ж.Ф. Милле (1814-1875) в своих эпически монументальных и полных жизненной правды картинах показал французское крестьянство, его труд, его моральную силу («Сборщицы колосьев», «Анжелюс»),
Гюстав Курбе (1819-1877) в «Дробильщиках камня» и «Вязальщицах» показал спокойное и уверенное достоинство трудового народа, а в «Похоронах Орнане» - значительность повседневной жизни. Произведения Курбе отличаются статичностью форм, насыщенностью тонального колорита. Он первый употребил слово «реализм» применительно к живописи.
Милле и Курбе стали предшественниками импрессионизма.
Произведения Эдуарда Мане (1832 - 1883) посвящены Парижу. Он один из блестящих колористов мирового искусства. В его картинах передана правдивая характеристика всевозможных обитателей Парижа («Завтрак в мастерской», «Чтение», «В лодке», «Нина», «Бар в Фоли-Бержер»)
Расцвет английской живописи приходится в XIXв. на первую треть столетия. Связан он с развитием блестящей пейзажной живописи.
Одним из наиболее самобытных художников своего времени был Уильям Тернер (1775-1851). Смелые по колористическим и свето-воздушным исканиям, с искаженной масштабностью объектов, его картины являются как бы предшественниками импрессионизма («Дождь, пар и скорость», последний рейс корабля Разящий).
Глубоко реалистичным было искусство Джона Констебля (1776-1837), одного из величайших английских художников. Он впервые ввел в обиход живописцев XIXв. этюды. Лучшие его работы - «Телега для сена, переезжающая брод», «Прыгающая лошадь», «Хлебное поле» и др. Дж. Констебль сыграл важнейшую роль в развитии европейской пленэрной живописи.
Новый герой и новые темы породят и критическое отношение к существующим порядкам, в искусстве будет положено начало тому, что уже в литературе сформировалось как критический реализм. Во Франции критический реализм сложится в 40—50-х годах, в России — в 60-х.
4.Импрессионизм как последнее цельное художественное течение во Франции ХIХ в.
Импрессионизм(от impression – впечатление), направление в искусстве последней трети 19 – начала 20 века, мастера которого, фиксируя свои мимолетные впечатления, стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости.
Собственно история импрессионизма охватывает всего 12 лет: с первой выставки в 1874 г. по последнюю, восьмую, в 1886 г.
В 1863 г. художники, не принятые официальным жюри на очередную выставку, устроили свой «Салон отверженных», на котором и был представлен ставший знаменитым «Завтрак на траве» Эдуарда Мане. Менее всего желавший стать ниспровергателем основ официального искусства, следовавший классическим традициям, Мане вместе с тем был встречен глубоко враждебно официальными академическими кругами.
Мане становится центральной фигурой всей прогрессивной художественной интеллигенции Парижа. В 1867 г. он устраивает собственную выставку. К нему присоединяются такие молодые художники, как Базиль, Писсарро, Сезанн, Клод Моне, Ренуар, Дега и Берта Моризо.
Их единство было основано на несогласии с официальным искусством, желании найти новые, свежие формы, но каждый из них шел своим путем. Для этого они разложили цвет на весь спектр, стараясь писать чистым цветом, не смешивая его на палитре и используя оптическое восприятие глаза, сливающего на определенном расстоянии отдельные мазки в общий живописный образ. Они хотели быть максимально приближенными к тому, как тот или иной предмет видит человек в натуре на пленэре, а человек видит его всегда во всем сложном взаимодействии со световоздушной средой. Импрессионизм окончательно вывел живопись на пленэр, ибо барбизонцы, создавая этюды на воздухе, завершали картины в мастерской.
Общим, пожалуй, было понимание локального цвета как чистой условности, поиск передачи световой среды, воздуха, окутывающего предметы.
После первой выставки этих художников в фотографическом ателье Надара с легкой руки критика, воспользовавшегося названием одного пейзажа К. Моне — «Impression. Soleil levant» («Впечатление. Восходящее солнце», 1872), их назвали импрессионистами. Первая выставка, как и последующие, завершилась провалом.
В будущем состав экспонентов немного менялся, но всегда оставались Моне, Ренуар, Сислей, Писсарро, Б. Моризо. Истинным вождем постепенно становился Клод Моне
Клод Моне (1840—1926). Именно в его творчестве воплотилась основная проблема импрессионизма — проблема света и воздуха. Мир Моне с его предметами, растворяемыми в световоздушной среде, постепенно лишается материальности и превращается в гармонию цветовых пятен. Моне десятки раз пишет один и тот же мотив, ибо его интересуют эффекты освещения различного времени суток или разных времен года в сочетании с изображаемым предметом. Так появляются его знаменитые «Стога», «Руанский собор». Он первый изгнал из своей палитры черный цвет, считая, что такого нет в природе и что даже тени в действительности цветные.
Огюст Ренуар (1841—1919)—мастер импрессионистического портрета и мнгофигурных композицийВ его живописной технике также есть своеобразие: он широко употребляет лессировки.Его образы построены на гармонии чистых, мажорных, радостных, красочных сочетаний
(. Мулен де ла Галетт», 1876; «Зонтики», 1879,«Бал в Буживале», 1883).
В образах нет психологической глубины, человек воспринимается художником как часть природы («Мадам Моне», 1872; «Девушка с веером», около 1881, портрет Жанны Самари, 1877
Эдгар Дега (1834—1917). Тематика картин Дега - изображение будней театра, в основном балета, и ипподрома перемежается с изображением женщины за туалетом и сцен труда — прачек, гладильщиц, модисток. Многие работы выполнены пастелью.(«Урок танцев», 1874, «Проездка скаковых лошадей», 1880, «У фотографа», «Танцовщицы на репетиции», «Голубые танцовщицы», 1897, «Гладильщицы», 1882, «Прачки», 1876—1878, «Абсент»,
Импрессионистический метод был доведен до своего логического конца в творчестве таких художников, как Жорж Сера (1859— 1891) и Поль Синьяк (1863—1935). Они пытались создать научную теорию цвета, приложить к искусству научные открытия в области оптики, писали точечными мазками,не смешанными на палитре. Отсюда и название этого последнего этапа импрессионизма —дивизионизм (от слова division — разделение), или пуантилизм (от франц. point —точка). Но в самих пейзажах Синьяка много непосредственного, лирического чувства («Песчаный берег моря», 1890).
5.Постимпрессионизм
Художники, которых в истории искусства именуют постимпрессионистами — Сезанн, Ван Гог и Гоген,—не были объединены ни общей программой, ни общим методом. Они начали работать параллельно с импрессионистами и испытали их влияние. В действительности же каждый из них представляет собой яркую творческую индивидуальность, каждый оставил свой собственный след в искусстве.
Поль Сезанн (1839—1906) начал творческий путь вместе с импрессионистами, участвовал в их первой выставке 1874 г. Сезанна называли единственным импрессионистом, который отказался от импрессионизма, сохранив его технику, чтобы исследовать пространство и восстановить формы в картине, т. е. пластическую материальность живописи и устойчивую композицию.
Но Сезанн не был импрессионистом. Прежде всего Сезанн не дематериализует форму. Мир, природа, человек утверждаются им во всей цельности и крепости (по терминологии самого художника это «реализация натуры»). У Сезанна нет картин сложного содержания: портреты близких людей, друзей и множество автопортретов, пейзажи («Берега Марны», 1888), натюрморты («Натюрморт с корзиной фруктов», 1888—1890), портреты-типы («Курильщик», 1895—1900), редко сюжетные изображения («Игроки в карты», 1890—1892) —во всех случаях это не этюд, а законченное произведение, картина.
Наиболее сильная сторона таланта Сезанна — колорит. Он все видит как проявление живописной стихии. Сущность сезанновских исканий — в передаче цветом неизменной вечной реальности, выявлении геометрической структуры природных форм. Сезанн говорил: «Все в природе лепится в форме шара, конуса, цилиндра; надо учиться писать на этих простых фигурах, и, если вы научитесь владеть этими формами, вы сделаете все, что захотите.
Винсент Ван Гог (1853—1890), художника, воплотившего душевную смятенность современного человека. Он начал заниматься живописью еще в Бельгии, когда был миссионером в «черной стране» бельгийских шахтеров — Боринаже («Едоки картофеля», 1885). Ранние его работы имеют определенные черты старой голландской традиции. Уже в Париже под влиянием импрессионистов техника Ван Гога становится более свободной, смелой, палитра высветляется («Пейзаж в Овере после дождя», 1890). Вскоре он переезжает в Прованс, в город Арль, где вместе с Гогеном Ван Гог начинает лихорадочно работать («Красные виноградники в Арле», 1888). Но будучи человеком душевнобольным, он обостренно воспринимает все жизненные конфликты и кончает жизнь самоубийством.
Творчество Ван Гога охватывает около десятилетия, причем наиболее важны последние пять лет. Тревожно, повышенно-эмоционально Ван Гог воспринимает не только людей, но и пейзаж, и мертвую природу. Под его кистью любое изображение полно подлинного драматизма. Его колорит насыщенный, мазки лепят форму, движение и часто резко рельефные.
Ван Гог в большинстве случаев писал с натуры, но в натуру он привносит свой сложнейший комплекс идей и чувств, обостренную чувствительность к уродствам и дисгармонии жизни, («Прогулка заключенных», 1890; «Автопортрет с перевязанным ухом», 1889).
Поль Гоген (1848—1903). Как и Ван Гог, он довольно поздно стал заниматься живописью систематически. Ему было более 30 лет, когда, оставив службу в банке, он целиком посвятил себя искусству (1883). Гоген вырабатывает свою живописную манеру. Его главная задача — передавать не видимость предметов, максимально приближенно к оптическому восприятию человеческого глаза, а их сущность, идею, используя образ как знак, символ. В этом уже было принципиальное отличие постимпрессионистов от их предшественников импрессионистов.
Гоген бежит от европейской буржуазной цивилизации в экзотические страны, на Таити, живет среди полинезийских племен, сохранивших, по его мнению, безмятежный покой, первозданную чистоту и цельность, присущие детству человечества.
Гогена в истории искусства обычно связывают с направлением символизма и того распространившегося в конце XIX — начале XX в. течения, которое получило название примитивизма. Стремясь приблизиться к художественным традициям туземного искусства, Гоген намеренно пришел к примитивизации формы. Он пользуется предельно упрощенным рисунком, формы изображаемых им предметов нарочито плоскостны, краски чистые и яркие, композиции носят орнаментальный характер. «Женщина, держащая плод» (1893) («А, ты ревнуешь?», 1892). Плоскостность, орнаментальность, яркость красочных пятен — декоративность искусства Гогена позволили назвать его стиль ковровым.
Сезанн, Ван Гог, Гоген имели огромное влияние на все последующее развитие художественной культуры новейшего времени.
6.Направления в европейской архитектуре ХХ в.
Двадцатый век ознаменовался интенсивной урбанизацией в связи с индустриализацией, резким увеличением численности городского населения за счет лиц с малыми доходами, что потребовало строительства многоквартирных домов с дешевыми квартирами. Появляется потребность в формировании новых типов зданий (универмаги, банки, многоэтажные офисы, крытые спортивные сооружения и рынки, выставочные павильоны, промышленные объекты), использовании новых материалов.
(железобетона, стекла, чугуна, стали), Критерий «красоты» в архитектуре пересмотрен, в приоритете функциональность и целесообразность, железобетонные конструкции часто выносят на фасад здания.
В архитектуре XX в. выделяются следующие основные направления и стили:
Одно из первых направлений рубежа XIX—XX вв. модерн (Ар Нуво —в Бельгии, Сецессион —в Австрии, Югендстиль —в Германии, Либерти —в Италии и т. д.). Для модерна характерно выявление функционально-конструктивной основы здания, нарушение классических традиций ордерной архитектуры, ассиметрия, использование пластических возможностей «ковкости» (и отсюда широкое введение кривых линий) металла и особенностей железобетона, применение стекла и майолики. Все это несомненно привело к новому образу зданий, таких, как доходные дома, богатые особняки, банки, театры, вокзалы. Но в модерне было также много стилизаторского декоративизма с обилием кривых линий и нагромождением декоративных элементов, склонности к иррационализму (например, в творчестве Антонио Гауди, иногда доходящего до мистики: собор Ла Саграда Фамилиа, 1883—1926, Барселона).
Функционализм Рациональная архитектура (функционализм) родилась после первой мировой войны – когда появилась большая потребность в жилье. Главные ее принципы сводятся к следующему: формы здания зависит от его функционального назначения; расходы минимизированы;. В задачу архитектора входило рациональное проектирование с использованием прогрессивных технологий, которые должны четко просматриваться в строении. В результате главным стала демонстрация чистоты формы и цвета, а также новых материалов – стекла, стали, армированного бетона(железобетон). Предпочтение отдавалось кубическим и призматическим формам с плоскими крышами. Принцип симметрии был заменен на асимметрию.
Ведущие архитекторы функционализма:
В.Гропиус (здание Баухауза в Дессау) – глава Архитектурной школы Баухаус,
и Jle Корбюзье («пять принципов» Ле Корбюзье: дом на столбах, сад на плоской крыше, свободная планировка интерьера, горизонтально-протяженные окна, свободная композиция фасада).
в 1925 г.Ле Корбюзье представил проект реконструкции центра Парижа (так называемый «План Вуазен»), превращавший столицу Франции в комбинацию небоскребов в сочетании со свободными пространствами зелени и сложной сетью транспортных артерий
Людвиг Мис ван дер Роэ((с «легкой руки» которого весь мир наводнен зданиями с навесными стеклянными стенами и плоскими крышами типа отелей «Хилтон»)
В 20—30-е годы сложились две противоположные теории строительства — урбанистическая (Ле Корбюзье)и
дезурбанистическая: идеи строительства небольших городов-садов со свободной планировкой, общественным парком в центре города и размещенными в зелени административными и культурного назначения зданиями, с жилыми домами индивидуального плана, с не подлежащим застройке кольцом сельскохозяйственных территорий вокруг города-сада. Примером может служить комплекс Ла Мюетт в Дранси под Парижем (архитекторы Эжен Бодуэн и Марсель Лодса, 1930—1934)
Интернациональному стилю конструктивизма и функционализма как бы противостоит «органическая архитектура» Ф.-Л. Райта с ее идеей проникновения здания в природу, в пейзаж (или, наоборот, пейзажа в здание. «Дом у водопада» в Пенсильвании). Во имя «идеи непрерывности» Райт призывал к отказу от ордерных принципов: от пилястр, колонн, балок, карнизов, антаблементов. Стилизовать здание под ландшафт и природные формы.
В Германии наблюдается соединение функционализма с экспрессионизмом и органической архитектурой Ф. Л. Райта. Так работал в основном Ганс Шарун (Шароун). Напимер, В 1956—1960 гг. в одном из кварталов Штутгарта по его проекту построены два жилых дома («Ромео» и «Джульетта»). Арх-ра экспрессионизма ориентирована на форму, фантазию, нерациональность. Эрих Мендельсон(Башня Эйнштейна)
В современной архитектуре нет какого-либо одного ведущего направления. Наиболее распространенным типом построек общественного назначения в Западной Европе являются те (идущие от техницизма Л. Мис ван дер Роэ), художественный образ которых можно было бы определить как «стеклянный параллелепипед»: прямоугольный металлический каркас с навесными стеклянными стенами-ограждениями, не являющимися несущими опорами (контора фирмы Тиссен в Дюссельдорфе, архитекторы Г. Хентрик и Г. Петшнигг, 1957—1960).
Современная архитектура в своих поисках опирается на многие принципиальные решения функционализма, а также органической архитектуры.
Отечественное искусство.
1.Мифология и изобразительное искусство древних славян
Славянская мифология и религия формировались в процессе выделения древних славян из индоевропейской общности народов во II—I тысячелетии до н. э. и во взаимодействии с мифологией и религией соседних народов(скифы, сарматы, балты, финно-угры и др). Поэтому имеется значительный индоевропейский пласт. Предполагается, что к нему относятся образы бога грозы и боевой дружины (Перун), бога скота и потустороннего мира (Велес), элементы образов близнечного божества (Ярило и Ярилиха, Иван-да-марья) и божества Неба-Отца (Стрибог). Также индоевропейскими по сути являются такие образы, как Мать Сыра-Земля, связанная с ней богиня ткачества и прядения (Мокошь), солнечное божество (Дажьбог), и некоторые другие.
Есть крайне мало сведений о мифологии древних славян.. Это объясняется отсутствием собственной письменности.«Слово о полку Игореве» содержит немало мифологических данных, прежде всего ряд имён языческих богов, хоть и было создано уже в XII-XIII веках.. Русский народ, от князя до земледельца, в «Слове» называется внуками Дажьбога.
Много данных о Вселенной древних славян может дать «Збручский идол», который из-за этого порой называют даже «энциклопедией славянского язычества. Каждая из 4х его сторон разделена на три уровня — судя по всему, небесный, земной и подземный. На небесном уровне изображены божества, на земном — люди (двое мужчин и две женщины, как и божества), а в подземном — некое хтоническое существо, держащее на себе землю.
Известно также, что идол Перуна, поставленный в Киеве князем Владимиром, был деревянным, с серебряной головой и золотыми усами. Славяне поклонялись идолам в открытых святилищах (капищах).
Помимо идолов славяне (как и их соседи — балты и финно-угорские племена) поклонялись и священным камням-валунам.
Первобытная религия наложила отпечаток на их искусство.
Славяне выделывали статуэтки женщины с воздетыми руками, покровительницы рода, великой матери, и поклонялись этим идолам. Они изображали священное дерево и располагали по сторонам от него фигуры лошадей и других животных или птиц. Это должно было означать почитание «древа жизни». В этих изображениях сказалась первая попытка выразить свое представление о порядке мироздания. Многие из сказочных мотивов, вроде праматери, священных коней и жар-птицы, прочно вошли в народное сознание и были бережно сохранены в крестьянской вышивке и резьбе вплоть до наших дней, утратив сакральный смысл.
Древнейшее художественное творчество славян полнее всего выразилось в производстве украшений и предметов быта, особенно металлических изделий: колец, ожерелий, запястий, серег, нередко покрытых тонким узором черни и эмали.(Рязанский клад с ожерельями, колтами и пр.)
2.Принятие христианства на Руси и его влияние на развитие культуры
Став Великим князем, Владимир значительно расширил и упрочил Русь как государство всех восточных славян.
Киевский князь проводит международную политику по упрочнению Киевской Руси. Одной из самых значительных идеологических акций и было принятие христианства в его византийском варианте. Христианство укрепляло власть единого государства, делая правителя наместником бога на земле. В Византии церковь подчинялась императорам, ее глава избирался императором, поэтому церковь всецело поддерживала правителя. Это определило выбор государственной религии Владимиром. 988 г.
С XI по XIII в. постепенно увеличивается количество предметов с христианской символикой. Многие предметы христианского культа представляли собой подлинные произведения искусства. Они использовались духовенством, как в быту, так и при богослужении.
По мере христианизации общества появляется все больше дешевых и доступных широким слоям населения изделий с христианской символикой. Распространение получают литые привески-иконки и резные шиферные образки, на которые помещали изображения популярных в народе святых, кресты.
С христианством на Руси связано развитие иконописания и книжности. Иллюстрации и заставки к книгам дают представление об изобразительном искусстве и художественной культуре того времени.
Архитектура.
Если деревянная архитектура восходит в основном к Руси языческой, то архитектура каменная связана с Русью уже христианской.
Русь восприняла сооружение своих церквей по образу крестово-купольного храма греков: квадрат, расчлененный четырьмя столбами, составляет его основу; примыкающие к подкупольному пространству прямоугольные ячейки образуют архитектурный крест.
Если первые русские храмы, в том числе Десятинная церковь, в конце Х в. были выстроены греческими мастерами в строгом соответствии с византийскими традициями, то Софийский собор в Киеве отразил сочетание славянских и византийских традиций: на основу крестово-купольного храма были поставлены тринадцать глав нового храма. Эта ступенчатая пирамида Софийского собора воскресила стиль русского деревянного зодчества.
Искусство
Древнерусское искусство — живопись, резьба, музыка — с принятием христианства также пережило ощутимые перемены.
Церковное искусство подчинено высшей цели — воспеть христианского Бога, подвиги апостолов, святых, деятелей церкви. Если в языческом искусст-ве «плоть» торжествовала над «духом» и утверждалось все земное, олицетворяющее природу, церковное искусство воспевало победу «духа» над плотью, живопись, и музыка, и искусство ваяния создавались в основном по церковным канонам, где отсекалось все, что противоречило высшим христианским принципам. раз и навсегда установленным образом; художник становился лишь послушным исполнителем канонов, которые диктовала церковь.
Наряду с иконописью развивалась фресковая живопись мозаика. Фрески Софийского собора в Киеве, мозаики Михайловского Златоверхого монастыря.
Из новгородской школы живописи, которая сложилась позже киевской,известна фреска «ангел златые власы»12 в.
В начале XIII в. прославилась ярославская школа иконописи. Икона «Ярославская оранта» - богоматерь с воздетыми вверх руками.
Как и все средневековое искусство, церковная живопись имела прикладное значение и, будучи «Библией для неграмотных».
Устанавливался религиозный канон - набор приемов, норм художественно-образного творчества. Канон после принятия в 988 году Русью христианства был заимствован из Византии и в переработанном виде закрепился на русской культурной почве. Так, в соответствии с требованиями иконописного канона в образах Иисуса Христа и всего пантеона, святых на иконах подчеркивается их бесплотность, святость, божественность, отрешенность от земного. Облик неподвижных, статичных, плоскостных фигур библейских персонажей и святых символизирует вечное и неизменное. Пространство на иконах изображается всегда условно, с применением обратной перспективы.
Особую художественно-религиозную символическую роль в византийской живописи играл цвет. Например, пурпурный символизировал божественное и императорское достоинство; красный - пламенность, огонь (очищающий), кровь Христа, как напоминание его воплощения и грядущего спасения рода человеческого. Белый обозначал божественный свет, чистоту и святость. В противоположность белому черный цвет воспринимался как знак конца, смерти. Зеленый цвет символизировал юность, цветение, а синий и голубой - потусторонний (трансцендентный) мир.
Но, например, Андрей Рублев (ок. 1370 - ок.1430), не всегда следовал иконографическим традициям, как в построении композиций, так и в цветовых решениях икон. Например, в отличие от мрачноватых, темных по колориту икон Феофана Грека палитре Андрея Рублева присуща светлая гамма цветов. Как, например, в «Троице».
Постепенно формировалась, написанная специально для сопровождения религиозно-культовых обрядов, духовная музыка.
широкое распространение письменности началось с появлением на Руси христианства и созданием болгарскими миссионерами Кириллом и Мефодием славянского алфавита - кириллицы. Древнейшими дошедшими до нашего времени памят