Введение
За короткий срок граффити и стрит-арт успели пройти длинный путь от надписей на стенах до выставочных пространств. Рассматриваемые арт-практики появились в США, там же дебютировали как арт-объекты и получили в этом качестве признание. Различными путями граффити и стрит-арт попадают в европейские страны и в СССР. Стены городских строений и выставочные залы — два топоса, освоенных граффити и стрит-артом вслед за США в странах Европы и в России. Круг галерей, имевших дело с новыми арт-практиками, достаточно широк и включает в себя как малоизвестные, так и галереи с мировыми именами, например Гран-Пале в Париже, фонд современного искусства Cartier, Государственная Третьяковская галерея и др. Привычной стала продажа работ на торгах лучших аукционных домов: Sotheby’s, Philips, Artcurial и др.
Несмотря на то что первая выставка граффити прошла более сорока лет назад (1974 г.), теоретики искусства до сих пор не готовы рассматривать подобные работы как полноправную составляющую современного арт-мира, фундаментальные труды по истории искусства ХХ — начала XXI века не включают в свое содержание вехи развития граффити и стрит-арта. Сложившаяся на сегодняшний день теоретическая традиция относит эти практики преимущественно к разнообразным формам социальной активности (протест, самореализация, изменение санкционированной образности и публичного видения общественных пространств и др.), не связывая их с теми задачами, которые решает искусство. Налицо крайнее расхождение практики и теории искусства в отношении граффити и стрит-арта.
Граффити и стрит-арт в пространстве институций мира искусства
В конце 1960-х годов граффити в виде тэгов (простого начертания на стене имени фломастером или краской из баллончика) появляется во Флориде, но там оно не приобрело таких масштабов, которых достигло в Нью-Йорке. Именно образы Нью-Йорка, такие как статуя Свободы, скай-лайн Манхеттена, мосты и поезда метро, были заимствованы художниками Лондона, Сиднея и других городов. Эти образы «стали иконами, символизирующими неистощимый источник граффити» [19, с. 8]. В Нью-Йорке граффити стало частью субкультуры хип-хопа и отсюда начало свое шествие по миру. Оно превратилось в визуальное выражение хип-хопа, так же как брейк-данс стал его выражением в движении, а рэп — выражением этой субкультуры в слове. Мы полагаем ключевым фактором вхождения граффити и стрит-арта в мир искусства освоение райтерами (авторы граффити) пространства метрополитена. В начале 1970-х годов райтеры начали расписывать вагоны метро, курсирующие из одного района Нью-Йорка в другой [20]. Одни из первых исследователей граффити Г. Чалфент и Д. Пригофф отмечали: «Граффити как искусство начинает расцветать тогда, когда райтеры, захотевшие стать известными, спустились в подземку...» [19, с. 8].
Поезда в данной ситуации выполняли две функции:
1. Репрезентация работ райтеров широким слоям городского населения: поезда метро давали возможность резко увеличить количество просмотров, получить огромную потенциальную аудиторию. Поезда были ареной, на которой райтеры могли заявить о себе, так как расписанные поезда привлекали внимание каждого человека.
2. Коммуникации между райтерами разных районов Нью-Йорка, которая создала атмосферу соревнования: рисунок на поезде был своего рода посланием райтерам из другого района, которое заключалось в предложении посостязаться в мастерстве написания шрифтов. Соревновательный характер граффити привел к так называемой войне стилей, способствующей возрастанию художественного мастерства райтеров. Вследствие этого стали появляться стили: Topcat 126 создал Blockbaster, Phase 2 — Bubble letters, Dondy был одним из тех, кто способствовал появлению Wild Style. В 1974 году такие райтеры, как Tracy 168, Cliff 159 и Blade One, начали предпринимать попытки соединения надписи граффити с сюжетными картинами. В основном это достигалось с помощью введения персонажей, чаще всего из мультфильмов или комиксов [7].
Разные группы райтеров соревновались в искусстве и в количестве своих «кусков» (нарисованных работ). Чаще всего это происходило на определенных линиях метро. Самыми востребованные были четыре линии, которые проходили через Бронкс. Например, вторая и пятая линии метро известны тем, что там происходили безмолвные дуэли: Dondi вместе с Pose противостояли Dose и Chain [5].
В начале 1970-х годов под влиянием граффити зарождается стрит-арт, но в 1970-е и 1980-е годы то, что мы сегодня понимаем под стрит-артом, все еще называлось граффити. Сегодня граффити называют шрифты, а стрит-артом муралы (картины на стене), трафареты, стикеры, плакаты, инсталляции. Первыми представителями стрит-арта можно считать Рене Монкада, Чаза Бахоркеса, Кита Харинга.
Из-за роста популярности граффити, совершенствования его техники и развития творческой составляющей начали появляться идеи его легитимации. Для этой цели на протяжении нескольких десятилетий представители граффити и стрит-арта прибегали к разнообразным формам [6]. Начало заложил социолог Хьюго Мартинес, работавший в одном из городских колледжей Нью-Йорка. Он занялся легализацией творчества райтеров, организовав UGA — United Graffiti Artists (Союз художников граффити), где собрал самых талантливых и известных райтеров метрополитена. В 1974 году он представил их творчество в картинной галерее Razor. Она стала одной из первых галереей, демонстрировавших работы граффити-художников. Большой вклад в интеграцию новых арт-практик в пространство современного искусства внес Fashion Moda (1978–1993) — арт-центр и международная организация в мире искусства [19]. Центр Fashion Moda ориентировался на преодоление сложившихся стандартов в восприятии искусства, вводя в его пространство новые формы и имена. Действуя совместно с галереями Fun Gallery и Now Gallery, арт-центр помогал проложить дорогу в мир искусства граффити и стрит-арту. С их деятельностью связано начало переноса граффити с поездов на холсты. В первой половине 1980-х годов количество галерей, устраивавших выставки, неуклонно росло. Они экспонировали работы Джени Хольцер, Кита Харинга, Кики Смит, Джейн Диксон, Жана Мишель Баскиа и других художников. Это объясняется тем, что начало 1980-х годов оказалось переломной эпохой в истории нелегального граффити: власти метрополитена начали огромную кампанию против райтеров. Рисунки стали беспощадно уничтожаться. Большинство «кусков» жили не больше одного дня. Самих же уличных художников в депо ждали представители власти. В граффити-среде начало складываться впечатление, что для граффити наступил конец. Из-за жестких мер многие отказались от бомбинга (разрисовки поездов) и занялись легальным граффити. Большинство талантливых райтеров ушли во всевозможные студии.
Из Нью-Йорка граффити и стрит-арт перешли в Чикаго, Сан-Франциско и их окрестности, оттуда в Лондон, Париж, Вену, Окленд, Сидней и другие города. Первой в истории европейских стран галереей, организовавшей выставку граффити, была римская галерея «La Medusa», принадлежавшая арт-менеджеру Клаудио Бруни [19]. Галерист увидел работы нью-йоркских райтеров в метро. Особенно привлекли его внимание «куски», выполненные художниками Lee (Ли Киньонесом) и Fab 5 Freddy. Бруни нашел райтеров и организовал их первую выставку в 1979 году в Риме в своей галерее. В 1983–1984 годах арт-дилер из Амстердама Яки Корнблит организовывал выставки работ нью-йоркских райтеров в Роттердаме и Амстердаме. В середине 1980-х годов работы райтеров принимала венская галерея Grita Insam [19]. Работы Ли Киньонеса в 1983 году экспонировались на престижной выставке Documenta #7 в Касселе [14]. Череду примеров можно продолжать.
Не случайно первые выставки граффити в Европе — это выставки американских райтеров. В европейских странах в конце 1970-х — начале 1980-х годов еще не было мастеров такого уровня, который позволял бы экспонировать их работы на выставках. Это связано с тем, что сами по себе эти арт-практики в Европе не возникли, а были занесены сюда из США после того, как уже накопили определенный опыт функционирования в городском и выставочном пространстве. Начало распространения этих арт-практик в Европе коррелирует с началом поездок туда американских райтеров [19]. Если в США граффити сначала завоевали улицы и метрополитен и лишь потом галереи, то в Европе часто именно выставочные пространства являлись теми исходными точками, из которых граффити распространялось на улицы городов. Например, история граффити в Амстердаме связана с галеристом Яки Корнблитом, который привозил в Амстердам не только граффити-холсты, но и самих райтеров из Нью-Йорка. Во время этих выставок американские райтеры знакомились с местными и передавали им свой опыт, вместе разрисовывали стены каналов (когда стоял лед), моторизованный транспорт, парки, тоннели метро и др. Определяющую роль подобных контактов как организационного ресурса в развитии «девиантной карьеры» (Р. Лахманн) и арт-сферы граффити подробно рассмотрел Ричард Лахманн в статье «Граффити как карьера и идеология» [30].
Спрос на граффити в европейском мире искусства продолжился и в 1990-е годы. В 2000-х годах наблюдается новый всплеск популярности граффити и стрит-арта, который мы наблюдаем до сих пор. Работы райтеров продолжают выставляться в музеях и галереях. Например, во Франции в выставочном центре Гран-Пале в 2009 году прошла очередная выставка работ, которую посетили более 80 тыс. человек [11], за ней последовала выставка в фонде современного искусства Cartier и др.
Привычной стала продажа работ на торгах аукционных домов. Sotheby’s, Philips, Artcurial, Doyle и другие дома с некоторой периодичностью устраивают подобные торги. В очередном буклете, выпущенном аукционным домом Doyle (Нью-Йорк) в апреле 2013 года, представлены работы широкого круга художников, начальная цена работ варьируется от 400 долларов до 30 000 [35]. Суммы могут достигать семизначных цифр. Одна из самых дорогих работ, проданных на сегодняшний день, — картина Banksy «Keep It Spotless», за которую было заплачено 1 870 000 долларов на аукционе Sotheby’s в 2008 году.
Музейные выставки в России появляются в середине 2000-х годов. Пока они не столь многочисленны, как в США или Европе. Среди них проект «Граффомания» (Московский музей архитектуры им. Щусева, 2004), «Граффити: культура — субкультура — контркультура» (Библиотека иностранной литературы им. Рудомино, Москва, 2004), «Original Fake» (Московский центр искусства, 2005), «Метаморфозы граффити» (Дарвиновский музей, Москва, 2011), «Street-art: консервация» (галерея «Виктория», Самара, 2015), акция «Стрит-арт» (Государственная Третьяковская галерея, 2006) и др. В 2012 году в Санкт-Петербурге был открыт Музей стрит-арта. Первый аукцион работ граффити и стрит-арта состоялся совсем недавно — 15 апреля 2015 года при поддержке фонда RuArts. Полученные средства были направлены на учреждение грантов для художников [8].
Один из грантов получил известный московский художник стрит-арта Дмитрий Aske, который на выигранные средства на протяжении 2016 года проводит цикл образовательных лекций в галерее RuArts, знакомящих всех интересующихся историей и особенностями граффити и стрит-арта с этими арт-практиками. Для обеспечения максимально широкого охвата аудитории лекции транслируются в сети Periscope. В данный момент в России наблюдается активное продвижение знаний о граффити и стрит-арте, формирование культуры восприятия данных арт-практик. Ведущую роль в этих процессах играют сами художники. Особенно активно привлечением практиков к чтению лекций занимается Музей стрит-арта в Санкт-Петербурге.
Таким образом, основываясь на приведенном выше обзоре, можно заключить, что институции мира искусства, такие как галереи, музеи, аукционные дома, рассматривают граффити и стрит-арт как одну из составляющих современного мира искусства и включают их экспонирование и продажу в сферу своей профессиональной деятельности.
Мы полагаем, что обращение галерей и аукционных домов к рассматриваемым арт-практикам стало возможным в силу особенностей искусства постмодерна:
- стираются границы между искусством и повседневностью (традиции ready made, акционизма, хэппенинга являются тому доказательством);
- радикальный плюрализм современного искусства: обобщая высказывания критиков о современном искусстве, Б. Гройс пишет: «Невозможно... предъявить какое-либо произведение как абсолютно характерное... Единственный общий вывод о современном искусстве — это то, что обобщениям оно не поддается» [4, с. 7];
- типичными для искусства постмодерна являются предметы-парадоксы (Б. Гройс) [4] - это изображение и критика этого изображения одновременно. Они являют собой и произведение искусства, и нечто обыденное, что к сфере искусства изначально никакого отношения не имело. Классические примеры — фонтан Дюшана или черный квадрат Малевича;
- современная сфера искусства сильно ориентирована на рынок: современные институции, такие как галереи, аукционные дома, активно поддерживают эту ориентацию, постоянно ища новые ресурсы для развития арт-рынка. Авторитетные мнения галеристов и арт-агентов сыграли большую роль в вовлечении граффити и стрит-арта в сферу искусства через коммерциализацию.