Венская классическая школа.
Слово «классический» в переводе с латинского «сlassicus» значит «образцовый». Это направление возникло в искусстве Франции 17 столетия, которое в качестве нормы и образца выбрало Античность. Классицизм как стиль утведился в европейском искусстве 17-18 веков.[1] В основе эстетики классицизма лежало убеждение, что все в мире разумно, что на земле и в природе, и в жизни царит установленный свыше порядок – равновесие истины и красоты. В историю культуры это время вошло также под названием "Века Просвещения".
Музыкальный классицизм 18 века называют "венским классицизмом" и связывают с именами трёх композиторов, живших и творивших в Вене, столице Австрии - Йозефа Гайдна, Вольфганга Амадея Моцарта и Людвига ван Бетховена. В музыке венских классиков серьезный и глубокий замысел воплощен в естественной и понятной манере. Музыкальные темы излагаются и развиваются очень разумно и логично, но в этом нет никакой сухости, музыка наполнена искренним чувством. Это впечатление у слушателей складывается потому, что в произведениях классического стиля на первом плане всегда находится выразительная и красивая мелодия. Она сопровождается простой, ясной гармонией и развивается по законам классической формы, которые венские классики довели до совершенства.
Характерные черты классического стиля в музыке:
· Фактура – гомофонно-гармоническая (мелодия и аккомпанемент).
· Гармония – классическая мажоро-минорная система, которая основана на чередовании трех основных гармонических функций (Т – S – D – T).
· Форма – четкая, симметричная (классический период делится на равные части – 4 такта + 4 такта или 8 тактов + 8 тактов), строго организованная, подчиненная тонально-гармонической логике; наиболее характерные классические формы: сонатная, рондо, вариации, сложная трехчастная.
· Тематизм – тесно связан с песенными и танцевальными жанрами того времени, а также с оперой.
· Ведущие жанры – соната, симфония, струнный квартет.
«Отцом» классических музыкальных жанров называют Йозефа Гайдна (1732-1809). Именно в его творчестве закрепилось нормативное строение симфонии, сонаты, струнного квартета и классического сольного концерта – так называемый сонатно-симфонический цикл. В нем обычно три или четыре части.
Различие между сонатой, квартетом, симфонией и концертом зависит от состава исполнителей. Симфония – произведение для оркестра, предназначенное для звучания в большом помещении перед многочисленными слушателями. К симфонии близок концерт – произведение для солирующего инструмента с сопровождением оркестра. Соната и квартет – это камерные инструментальные жанры (слово «камерный» происходит от итальянского «camera» - «комната»; в 18-19 вв. произведения для нескольких инструментов часто исполнялись в домашней обстановке, т.е. понимались как «комнатная музыка»). Соната предназначена для одного или двух инструментов (солирующий – скрипка, флейта и др. – в сопровождении клавира или фортепиано), струнный квартет – для четырех струнных инструментов (две скрипки, альт и виолончель).
В чередовании частей сонатно-симфонического цикла постепенно раскрывается картина мира, каким его представляет композитор. Каждая часть при этом является по-своему важной в раскрытии общего замысла.
I часть – наиболее активная и сложная, наполнена событиями, контрастами, иногда – драматическими противоречиями. Она словно напоминает нам, как разнообразна жизнь, как стремительно ее течение. I часть, как правило, пишется в сонатной форме, которая лучше всего может раскрыть это сложное содержание.
В основе сонатной формы – два музыкальных образа, выраженные соответственно в главной и побочной партиях (сокращенно – ГП и ПП). Они представлены в трех основных разделах сонатной формы – экспозиции, разработке и репризе.
Иногда экспозиции может предшествовать медленное вступление. Оно может быть построено на самостоятельной теме или, привлекая внимание слушателей к началу произведения, содержать всего несколько торжественных аккордов.
Экспозиция (от латинского «изложение», «показ») знакомит нас с основными темами. Вначале звучит ГП в основной тональности, затем ПП в «побочной» тональности (в тональности доминанты, если произведение написано в мажоре, или в параллельной тональности, если основная – минорная). Контраст тональностей дополняет контраст образов и характеров: чаще всего ГП- активная, действенная, а ПП – более спокойная, лирическая. Между ГП и ПП находится связующий раздел (связующая партия или СП): это может быть и новая, самостоятельная тема. После ПП звучит небольшой заключительный раздел (заключительная партия или ЗП), который закрепляет тональность побочной партии; он может быть построен на интонациях уже знакомых тем (ГП или ПП) или на самостоятельной теме.
В классических сонатных allegro экспозиция обычно повторяется дважды, на что указывает знак репризы. Это можно объяснить желанием композитора закрепить в памяти слушателей основные темы-«персонажи», а также стремлением к общему равновесию формы.
Разработка – второй раздел сонатной формы. В нем темы экспозиции разрабатываются, развиваются. Если продолжать сравнение основных тем сонатной формы с героями-«персонажами», то в разработке их ждут «путешествия» и «приключения». Темы «путешествуют» по разным тональностям, голосам, звучат в изложении разных инструментов оркестра. Из тем вычленяются отдельные мотивы и фразы, они по-разному чередуются, сопоставляются. Для разработки характерна частая смена тональностей (главная тональность затрагивается редко и ненадолго), при этом темы и их элементы как бы по-новому освещаются, показываются с разных точек зрения. Развитие тем достигает значительной напряженности в кульминации. После этого начинается подготовка к возвращению в основную тональность, происходит поворт к репризе.
Реприза – третий раздел сонатной формы. Она начинается с возвращения ГП в основной тональности. СП в репризе отличается от СП экспозиции тем, что не уводит в новую тональность, а закрепляет главную. СП, ПП и ЗП в репризе звучат в главной тональности. Так реприза своей тональной устойчивостью уравновешивает неустойчивый характер разработки и придает форме классическую стройность.
Репризу иногда может дополнять заключительный раздел формы – кода (от латинского слова, означающего «хвост»).
II часть – медленная (Andante, Adagio, Largo). Она представляет область лирики и раскрывает перед нами мир внутренней жизни человека – его чувства, переживания, размышления, воспоминания. Часто в медленных частях симфонии композиторы обращаются к образам природы, как к источнику красоты и покоя. Форма медленных частей может быть самой разнообразной: трехчастная, вариационная, иногда сонатная, но без ярких контрастов и часто без разработки.
III часть – танцевальная (в симфониях Гайдна и Моцарта – Менуэт; у Бетховена – Скерцо). Для музыки этой части характерны: оживленный темп, размер ¾, связь с бытовыми танцевальными жанрами – не только придворным бальным менуэтом, но и его простонародным «родственником» - лендлером. Форма всегда очень ясная, четкая – трехчастная с контрастной серединой (Трио) и точной репризой (da capo).
IV часть – финал, итог всего цикла. Быстрый темп, активность, динамичность музыки финала напоминают о I части, что придает завершенность всему циклу. В финале симфонии все противоречия как бы растворяются в стремительном потоке общего движения. Излюбленная форма для финала – рондо, где основная тема многократно возвращается, настойчиво утверждая основную мысль. Возможно также использование сонатной формы или рондо-сонаты.
[1] У определения «классический» есть и другое, более широкое значение. «Классическими» (или «классикой») называют также произведения искусства, которые получили признание как образцовые, совершенные, непревзойденные – независимо от времени их создания.