Дизайн
Многие считают, что стилей в дизайне два современный и классический.
Стилей и периодики их возникновения множество и в каждом литературном источнике их периодика отличается. Крайне сложно точно определить, когда закончился один стиль и возник другой. Существует множество специалистов занимающихся всю жизнь изучением и описанием.
Романский стиль. В период влияния данного стиля на сердца людей многие из них жили религией и богом, конечно церковь влияла и на архитектуру и интерьер. Все было подчинено суровой действительности. Каменные здания в период междоусобиц играли роль крепостей.
Зубчатые галереи соединяли башни замка между собой; они были с разнообразными окнами.
Романские храмы поражают мощью. В них нет ничего неясного. Во всем ощущается предельная простота и мера.
К известным памятникам романского зодчества во Франции относят церковь Святого Петра и Святого Павла в монастыре Клюни (1088-1131), церковь Сен-Лазар в Отене (1112-1132) -по преданию, в этой бургундской церкви хранились останки воскрешенного Христом Лазаря, церковь Сен-Мадлен в Везде (1120-1150) — в ней, по преданию, хранились реликвии Святой Марии Магдалины; в Германии — собор в Борисе (1181-1234), собор в Шпейере (1030-1092-1106).
Готический стиль. (от итал. gotico, букв. — готский, от названия германского племени готов), художественный стиль, явившийся завершающим этапом в развитии средневекового искусства стран Западной Европы, Готика зародилась в Северной Франции (Иль-де-Франс) в середине 12 в. и достигла расцвета в 1-й половине 13 в.
Готика принесла в архитектуру и интерьеры потрясающие взор высокие помещения со стрельчатыми арками и ажурными кованными витражными окнами в форме розы.
|
|
Возрождение (франц. Renaissance, итал. Rinascimento) Эпоха в культурном и идейном развитии ряда стран Западной и Центральной Европы, а также некоторых стран Восточной Европы. Художники Раннего Возрождения в Италии создали пластически цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира. Систематически изучая натуру, они черпали мотивы из жизненной повседневности, наполняли традиционные религиозные сцены земным содержанием, обращались к сюжетам античности. Искусство Возрождения, главной темой которого стал человек-герой, постепенно распространилось по всей Италии.
Стили дизайна интерьера и архитектуры 17-19 веков можно разделить на следующие этапы: барокко, рококо, классицизм, ампир, эклектика, сецессион.
Барокко (итал. barocco через исп. bar- ruecco от португ. barroco - причудливый, неправильный, дурной, испорченный) - один из самых трудных и многозначных терминов истории искусства. Словом «барокко» называют ряд историко-региональных художественных стилей европейского искусства XVII- XVIII вв., последние, критические стадии развития других стилей, тенденцию беспокойного, романтического мироощущения, мышления в экспрессивных, неуравновешенных формах. Ярким представителем этого стиля является Микеланджело.
Рококо (франц. rococo), рокайль (от орнаментального мотива рокайль), получивший развитие в европейских пластических искусствах 1-й пол. 18 в.
Для рококо характерны камерные по духу галантные сцены, эротико-мифологические и пасторальные сюжеты, асимметричные композиции.
Классицизм Стиль, заимствующий все элементы декора и средства художественного выражения из культуры эпохи эллинизма. Стиль популярный и сегодня. Сквозь века передаются и цитируются элементы классического греческого декора.
|
|
Ампир Или "Стиль империи" (франц. Empire - империя от лат. imperium - командование, власть) - исторический художественный стиль, впервые сложившийся во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Хронологические рамки оригинального французского «Стиля Империи» узки, они ограничены, с одной стороны, концом правления Директории (1799; см. Директории стиль) или годом коронации Наполеона (1804), а с другой - началом реставрации Бурбонов (1814-1815). Строгий и ограниченный регламентом стиль был одновременно романтичен и пышен. Для Ампира характерны яркие, режущие глаз красный, синий, белый - цвета наполеоновского флага! Стены затягивались ярким шелком, в орнаментах — круги, овалы, ромбы, пышные бордюры из дубовых ветвей, наполеоновские пчелы и звезды из золотой и серебряной парчи на алом, малиновом, синем или зеленом фоне. Вполне объяснимо, почему в Сталинский период этот стиль снова распространился в России. Стиль, восхваляющий правителя, стал называться в России сталинским ампиром.
Эклектика (от греч. ekiektikos — способный выбирать, выбирающий) - соединение разнородных художественных элементов;\\ обычно имеет место в периоды упадка искусства. Этот стиль возникал и исчезал в периоды, когда надоедал установившийся в тот или иной период времени стиль. Стиль, открытый для экспериментов, стиль разрешающий смешивать. Смелые цитаты различных архитектурных стилей и периодов в искусстве. Смешение классики и барокко, барокко и рококо. Заимствование элементов из разных эпох изобретение своих уникальных элементов декора. Какие стили принес век минувший? Четко можно выделить несколько современных стилей:
|
|
Конструктивизм Направление в русском (СССР) искусстве 1920-х гг. (в архитектуре, оформительском и театрально-декорационном искусстве, плакате, искусстве книги, художественном конструировании, дизайне). Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу "конструирования" окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, её логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчёркнутый утилитаризм новых предметных форм. В архитектуре принципы конструктивизма были сформулированы в теоретических выступлениях А. А. Веснина и М. Я. Гинзбурга.
Где как не в СССР мог зародиться этот стиль? Четкая регламентированность и политика экономии, научный подход к архитектуре и потребностям человека и подарили миру данный стиль. Четкость линий, симметрия в плане, пересечение объемов, четкое деление на части вот основные характерные этому стилю черты.
Модернизм Модерн родился на рубеже веков в европейской архитектуре как движение за создание стиля своей эпохи. В 90-х годах прошлого века модерн определился как архитектурный стиль. Он явился средством преодоления эклектизма, овладевшего европейской архитектурой. Модерн преследовал цель создания нового универсального синтетического стиля. Великие мастера модерна в одном произведении соединяли в сказочном организме архитектуру, пластику, живопись, декоративно-прикладное искусство. Для модерна характерны силуэты и орнаменты, стилизующие в плавных, легко изгибающихся линиях формы растений и водяных раковин. Фасады отличались округлыми, иногда фантастически выгнутыми контурами проемов, использованием решеток из кованого металла и глазурованной керамики сдержанного по тону цвета: зеленого, лилового, розового, серого. В зодчестве распространились плакучие, мягкие, словно бы самообразующиеся формы, в декоративном творчестве - стелющийся по поверхности, разрастающийся, обволакивающий стилизованный орнамент. Ряд орнаментальных мотивов модерна был позаимствован из искусства Дальнего Востока, прежде всего Японии. Мотивы эти получили впоследствии большое распространение.
Постмодернизм Направление в архитектуре и искусстве развитых стран 2-й половины 70-х—начала 80-х гг. 20 в. Единого определения постмодернизма нет. Наиболее приемлемо определение постмодернизма как направления, противопоставившего себя модернизму и претендующего на его замену, что отличает постмодернизм от существующего одновременно с ним "неоавангардизма" или "позднего модернизма", последовательно развивающего модернистские концепции. При всём своём антиэлитаризме, постмодернизм, в сущности, консервативен. Постмодернизм пропагандирует "реалистичность", т. е. пассивное подчинение существующему социально-экономическому и культурному порядку общества.
Деконструктивизм В качестве источника данного стиля можно считать авангард. Формы меняются и разваливаются на глазах. Человек в этом стиле мал и беспомощен. Интерьер самостоятелен и уникален. Четкая стремительность линий, динамичность композиции, яркие цвета.
Хай-тек Хай-тек - эстетическое течение в архитектуре, сложившееся в 70-е гг. представляет собой современную модификацию техницизма, исповедующего радикальное обновление языка архитектуры под влиянием технического прогресса. Хай-тек - символическое отражение века "высоких технологий" ракетно-космических объектов в архитектуре крупных общественных зданий. В известной мере Хай-тек является последним в ХХ в. этапом эстетического освоения новых технических форм, начатого конструктивистами 20-х гг. и продолженного структуралистами в 60-х. Высокотехнологичный оригинальный насыщенный замыслом и идеей стиль. Многие выделяют и различные стили Азии.
Японский минимализм Получил очень широкое распространение в современном мире. Стиль крайне экономичный, чистый и прямолинейный. Этот стиль аскетичен и строг, но простота линий и четкость исполнения лишь добавляют ему ясности и красоты.
Этнический стиль Стиль предполагающий заимствование и цитирование элементов исконного народного стиля. Может быть этнический Африканский, Скандинавский, Русский... стили интерьеров. Например можно воссоздать в помещении интерьер русской избы, или африканского бунгало.
Какой стиль нравится вам? Что близко вам по духу? Решайте сами. Каждый стиль индивидуален, как и каждый человек. И их намного больше чем кажется. А может вы, станете тем, кто создаст новый?
История ювелирного дизайна От ритуала к моде
Ювелирное дело - одно из многогранных проявлений художественной деятельности человека, один из видов народного творчества. В основе техники ювелирного дела лежат ручные, известные еще в глубокой древности, приемы обработки материалов, за многовековую историю затем многократно усовершенствованные. Многие ювелирные изделия являются одновременно носителями определенных материальных ценностей и произведениями высокого искусства. Ювелирное же искусство в целом часть культуры народов, часть истории различных эпох и общественных систем, начиная с древнейших времен и вплоть до наших дней.
Историю создания прообраза ювелирных изделий можно проследить еще со времен до нашей эры. 20 000 лет назад люди использовали в качестве так называемых теперь нательных украшений необработанные природные материалы (янтарь, камни, кость); вероятно, уже тогда человек осознанно придавал важное значение красоте и испытывал удовольствие, украшая себя. Но в тяжелой борьбе за выживание, в процессе столкновения с силами природы ему приходилось ограничиваться жизненно необходимым, а поэтому то, что мы сегодня называем украшениями, выполняло в то далекое время и свою вполне определенную дополнительную функцию: цепочки из костей, клыков и когтей добытых зверей считались чудодейственными талисманами для охотников, а всевозможные амулеты - оберегами от влияния необъяснимых сил природы и злых духов.
Дальнейшее развитие ювелирное дело получило в Древней Греции; особенно в период, названный впоследствии «Золотым веком» классического искусства древних греков. Особенности стиля художественной школы ювелиров тех лет можно проследить на примере двух дисковидных подвесок (кулонов), найденных в кургане Куль-Оба: в центре золотого диска каждой подвески - женская голова в пышном шлеме с изображенными на нем сфинксами и совы - символа мудрости, спутницы богини Афины.
Ювелирам Древней Греции известны были многие способы обработки металлов: ковка, литье (в том числе по выплавляемым моделям), чеканка (в том числе выколотка изнутри), гравировка и резьба, а также техника филиграни, эмалирования. Ювелирные изделия древних греков предстают уже более сложными конструктивно, более яркими в декоре, более затейливыми по форме. В моде были филигранные, декорированные эмалью и зернью ожерелья: гибкие, легкие, гармонирующие со свободно падающими складками одежды, подчеркивающие естественные формы тела.
В изменении стиля ювелирного искусства античного периода сыграли свою роль походы Александра Македонского, когда греки близко познакомились с искусством стран Востока, оказав в свою очередь заметное влияние на искусство так называемых «варваров» - скифов и сарматов, а также жителей почти всей Западной Европы.
Изделия средневековых мастеров производят впечатление перегруженности яркими выпуклых форм камнями (рубином, изумрудом, сапфиром, жемчугом), но встречаются экземпляры, украшенные такими самоцветами, как горный хрусталь, топаз, аметист, гранат. И привозные, и местные камни шлифовались вручную и без изменений естественной формы кристалла или галечной породы.
Личные украшения жителей средневековой Европы почти не сохранились до нашего времени. Диктуемая церковью доктрина аскетизма - отрицание радостей земного существования - выразились в предельной простоте костюма, скрывавшего очертания тела, в сокращении количества украшений.
В XIII в. количество драгоценностей на костюмах светских и церковных феодалов возрастает. Художественная простота форм и наивная яркость изделий начала века уступает место рафинированности изысканных драгоценностей развитого феодализма. В моду входят пряжки, ожерелья, широкие пояса, усыпанные жемчугом и камнями в высоких ажурных гнездах. Основание оправ часто делают ограненным, что усиливает игру камней. Перстни носили и мужчины и женщины.
Время бриллиантов и цветов. На рубеже XVII и XVIII вв. в уже сложившемся облике европейских ювелирных украшений появляется новый элемент - алмаз, ограненный особым способом и названный бриллиантом, в переводе - «сверкающий». Светоносный бриллиант становится основным акцентом изделия, его достоинства ярче выявляются в сочетании с цветными камнями и общей легкостью конструкции.
Лучшее изделие XVIII в., в котором использованы бриллианты в их наиболее выигрышном виде, - корона Екатерины II. Она имеет форму раскрытого ореха, увенчанного огромным красным камнем и крестом. Ажурная сетка из бриллиантов заполняет всю поверхность полушаровых сторон короны, ниже которых расположен более массивный обруч. Посередине между створками помещена гирлянда из крупных полупрозрачных алмазов неправильной формы; колючее сияние мелких бриллиантов оттеняется мягким светом 78 жемчужин, размещенных по краю полушариев. Каждый ограненный камень оправлен в серебро; рубин весом около 400 карат охвачен изящными ажурными завитками из мелких алмазов. Венчающий корону крест кажется невесомым, хотя размеры алмазов велики. Всего же в короне использовано около 5000 камней-самоцветов.
Важным элементом формообразования ювелирных изделий XVIII в. были мотивы цветочных композиций. Это были довольно сложные украшения, целиком составленные из цветов и листьев, которые выполнены из драгоценных камней, золота, серебра.
Некоторые украшения-букеты подобраны из ярких и сочных по цвету камней: аметистовые тюльпаны, рубиновые розы, аквамариновые ромашки, бирюзовые незабудки. Среди изумрудных листьев можно рассмотреть гранатовую гусеницу, бабочку с агатовыми прозрачными крылышками, мушку из халцедона. Букеты привлекают свежим, неповторимым разнообразием каменных цветов.
Ювелиры XVIII в. в своих работах широко использовали приемы литья и чеканки, ручной и машинной гравировки, применяли матовое и блестящее золото, а также золото зеленого, желтого и красного цвета, эмали, перламутр, гравированный и гладкий, с локальными накладками и мозаичный.
Ювелирное искусство в России. В истории развития ювелирного дела России важнейшими являются следующие этапы: ювелирное искусство Киевской Руси, ювелирное дело на Руси в XVI-XVII вв., ювелирные украшения XVIII, XIX вв., ювелирное дело в советский период.
Ювелиры Киевской Руси славились изделиями из золота с эмалью выемчатой и перегородчатой. Для этого времени характерны такие изделия, как колты, которые подвешивались с двух сторон к женскому головному убору, бармы - драгоценные оплечья, украшенные изображениями религиозного характера, полые серьги в виде полумесяца, гривны - шейные украшения в виде обруча, подвески из скрученных золотых нитей, бусы всевозможных видов. Успешно применялись чернь, зернь, эмаль, скань (филигрань), чеканка, резьба, позолота. Основной мотив орнаментации изделий - явно стилизованные растительные формы.
Подобный стиль орнаментации, но уже более точно отражающий живую природу, сохранился и в ювелирных изделиях Руси XVI, XVII вв., хотя в их размерах, декоре ярко отразились изменения условий жизни и быта русских людей: изделия стали демократичнее и в значительно большей степени, чем раньше, отображали характерные черты своего времени (значительно меньше вычурности в рисунке, лаконичнее и яснее его замысел и содержание).
Начало советского периода ювелирного производства относится к 1923 г., когда при Наркомфине было организовано Московское товарищество, в сферу деятельности которого входили изготовление и сбыт ювелирных изделий.
50-70-е годы явились временем бурного развития ювелирной промышленности. Некогда кустарные и полукустарные промыслы и мастерские были реконструированы, расширены, а во многих случаях просто отстроены заново. Теперь это мощные промышленные предприятия с механизированными процессами производства, способные выпускать ювелирные изделия практически в неограниченном количестве.
В наше время дизайнеры все больше следуют западной моде, обманчиво считается что все что можно – уже придумано. Существует лишь малый процент ювелиров, готовых на эксперимент в области дизайна и внедрения новых технологий в ювелирную промышленность.
Дизайн: Этапы становления
Дизайнеры или их предшественники существовали еще в эпоху седой древности. Целый ряд исследователей истории дизайна думают, определяя дизайн как род человеческой деятельности, извечно присущий человеческому обществу. По мнению ученых, уже первобытный человек, трудясь над обработкой своих каменных орудий и стараясь предать им наиболее совершенную форму, в какой-то мере занимался дизайном. Они считают, что дизайнерами были и древнеегипетские мастера-мебельщики, впервые создавшие многие виды мебели, существующие поныне (стул, стол, кровать шкаф), и древнегреческие гончары — творцы совершенных по форме керамических сосудов, и ремесленники эпохи Возрождения — медники, ювелиры, краснодеревщики, многие из которых были истинными художниками, и, наконец, все народные мастера разных времен и народов, создававшие гармоничную предметную среду, в которой человек существовал на протяжении своего многовекового развития. Приверженцы названной теории считают современный дизайн лишь неким количественным скачком в развитии извечно присущей человеку деятельности по формированию эстетически ценного вещного мира.
Однако существует и другая точка зрения, в соответствии с которой весь предыдущий процесс развития предметной среды человека — это лишь предыстория современного дизайна, который представляет собой нечто качественно новое, коренным образом отличающееся от предметного формообразования прошлого. Характерными особенностями современной дизайнерской деятельности приверженцы названной теории считают, во-первых, работу современного дизайнера в условиях массового промышленного производства, в то время как в прошлые времена художник, занимавшийся предметным формообразованием, имел дело о кустарным, единичным иди мелкосерийным, производством, во-вторых, превращение художника из индивидуального творца в члена большого коллектива, работающего над созданием изделия, и в-третьих, образование тесного союза между художником (дизайнером) и предпринимателем, занимающимся производством и сбытом товара.
В нашу задачу не входит критический анализ этих двух концепций, каждая из которых имеет как сильные, так и слабые стороны. Скажем только, что независимо от того, считать ли дизайн совершенно новым, характерным только для нашего времени явлением в развитии материально-художественной культуры или извечно присущим человеку видом деятельности, несомненно, что именно в XX столетии этот род деятельности пережил в своем становлении и развитии ряд важнейших этапов.
Одним из первых решающих событий в истории дизайна XX века является создание в 1907 году в Германии производственного союза «Веркбунд», который объединил художников, архитекторов, промышленников и коммерсантов. Основными задачами союза были реорганизация ремесленного производства на индустриальной основе и создание совершенных образцов изделий для промышленного производства. Идейный вдохновитель германского «Веркбунда» архитектор и дизайнер Герман Мутезиус провозгласил необходимость использования в формообразовании промышленных изделий принципа «эстетического функционализма», в соответствии с которым внешняя форма предмета вытекает из его функции, устройства, технологии. Значение германского «Веркбунда» для становления дизайна заключалось в том, что он, объединив людей разных профессий, участвующих в создании и сбыте промышленной продукции, направил их усилия на создание изделий, отвечающих новым требованиям производства и потребления.
Другим важным событием в истории дизайна, относящимся также к началу XX столетия, является деятельность немецкого дизайнера Петера Беренса во Всеобщей электрической компании (АЭГ), занимавшейся производством электроламп, электроприборов, электромоторов и т. д. и поставлявшей свои изделия чуть ли не во все цивилизованные страны мира. Заняв пост художественного директора компании, П.Беренс подчинил создание формы всей продукции фирмы разработанному им новому для того времени принципу стилеобразования. Дизайнер отказался от использования на изделиях каких-либо внешних украшений, декора, формы объектов строились на основе геометрических элементов — кубов, цилиндров, шестигранников и т. д. Этот выбор объяснялся тем, что такие формы в наибольшей степени отражали нарождающиеся новые эстетические идеалы машинного века и в наибольшей степени согласовывались с новыми, промышленными технологиями производства. Изделия АЭГ, расходясь массовыми тиражами по всему миру, способствовали распространению в разных странах новой промышленной эстетики. Стиль работы П. Беренса, которого по праву называют среди пионеров мирового дизайна, нашел много последователей как в Германии, так и за ее пределами.
Следующий важный этап в истории дизайна XX века тоже связан с Германией. В 1919 году в Веймаре была создана художественно-промышленная школа, получившая название «Баухауз» (что в переводе с немецкого буквально означает «Строительный дом»). Создание «Баухауза» явилось знаменательным событием для развития дизайна не только потому, что это было учебное заведение совершенно нового типа, поставившее своей целью подготовку художников для промышленности, но также и потому что в стенах «Баухауза» разрабатывалась концепция предметного формообразования, во многом легшая в основу идеологии современного дизайнерского проектирования. Директором школы являлся ее организатор, ученик П.Беренса, выдающийся архитектор Вальтер Гропиус. Среди преподавателей же были виднейшие деятели культуры начала века, такие как архитекторы Миc ван дер Роэ, Ганнес Майер, Марсель Брейер, художники Василий Кандинский, Пауль Клее, Пит Мондриан и др. «Баухауз» стал в то время методическим центром всего западного дизайна. Дизайнеры-приверженцы школы «Баухауз» считали возможным с помощью формирования гармоничной предметной среды создать и гармоничный в социальном отношении мир, воспитать совершенного человека будущего. Эта теория, конечно, была утопичной, однако, завладев в то время умами многих художников промышленности, она способствовала закладыванию в основу формировавшегося тогда дизайна гуманистических, прогрессивных идей, что дало ему возможность развиться в деятельность, направленную на реальные нужды и потребности человека.
Деятельность пионеров западного дизайна начала прошлого столетия заложила теоретические и практические основы современного дизайнерского проектирования. Однако первые два десятилетия XX века все же можно назвать неким инкубационным периодом развития дизайна, так как он, зрея и набирая силы в определенных довольно тесных кругах представителей новой профессии, вое же не вышел еще по-настоящему на мировую арену массового промышленного производства. Это произошло только после всеобщего экономического кризиса, который разразился в западном капиталистическом мире в 1929 году. Кризис на товарном рынке Запад проявился в значительном перепроизводстве товаров наряду с резким падением покупательского спроса на них. Многие предприятия терпели крах, не будучи в силах продать произведенную продукцию. Закон конкурентной борьбы в это время приобрел особенно острый характер, и в торговой войне победителем выходил только тот, кто предлагал товары с более высоким уровнем потребительских свойств. Красивые и удобные предметы, спроектированные хорошими дизайнерами, тут оказались в лидерах. Профессиональные способности дизайнеров проявились и в совершенствовании рекламы, которая, в свою очередь, способствовала продвижений эстетически качественных изделий на товарном рынке. Именно во время всеобщего экономического кризиса основная масса западных промышленников поняла, что для решения серьезных проблем сбыта продукции их предприятий необходимо участие дизайнеров /переставила слово из конца предложения/ в проектировании изделий. Сущность лозунга, кинутого американским дизайнером Р.Лоуи: «Безобразие плохо продается,» — в годы кризиса каждый фабрикант ощутил «на своей шкуре». Поэтому-то дизайнер в это время становится чуть ли не самой популярной фигурой в мире западного бизнеса. Как раз тогда начинают действовать ставшие известными во всем мире дизайнерские фирмы Генри Дрейфуса, Раймонда Лоуи, Уолтера Тиига и др. Начиная со времени всеобщего экономического кризиса, когда в значительной степени именно дизайн дал возможность многим предприятиям выйти из «штопора», эта деятельность становится всеобще признанной и уважаемой в капиталистической промышленной сфере, дизайн прочно и бесповоротно входит в западную индустрию.