Творчество Уильима Хогарта.

Хогарт принадлежал времени, когда новые буржуазные законы, нормы поведения и морали укоренялись, сталкиваясь с привилегиями и предрассудками, унаследованными от феодального прошлого. Торжествовало при этом самое хищное стяжательство, не брезгавшее ни старыми, ни новыми способами обогащения. С удивительной быстротой скапливались ценности в руках паразитической верхушки общества, а с другой стороны, шло обнищание народных масс. Стремление осмыслить современную английскую действительность вплоть до самых основных ее противоречий привело Хогарта к замечательным реалистическим завоеваниям, сблизило английскую живопись в его лице с передовой английской литературой и театром первой половины 18 века. Уильям Хогарт родился и вырос в бедной семье типографского корректора в Лондоне. Мальчиком он поступил учеником в мастерскую ювелира и гравера по серебру. В конце 20-х годов 18 века он начал свои занятия в художественной школе Джеймса Торнгилла. С 1730 года начинается самостоятельное творчество Хогарта [19]. В то время, когда Хогарт вступил на сцену художественной жизни, ведущая роль в ней еще принадлежала иностранным художникам. Среди богатых собирателей ценились картины фламандских или итальянских мастеров. В его искусстве, сформировавшемся под воздействием рисунков Калло и сатирических сценок голландских живописцев, в частности Стена, рано начали проявляться индивидуальные черты. Важную часть творчества Хогарта составляют его живописные и гравированные циклы. В большинстве случаев в основе цикла лежат серии картин маслом, написанные Хогартом. После эти картины воспроизводились в гравюре самим художником. В 1731 году Хогарт создал свой первый цикл из шести листов — «Жизнь продажной женщины». Серия раскрывает самое дно английского общества. Хогарт взял сюжет для своих полотен из реальной жизни, рассказав историю крестьянской девушки Мэри Хэкабаут, которая, приехав в Лондон, знакомится со старой сводней, теткой Нидхем. Мэри становится содержанкой и постепенно скатывается на самое дно лондонской жизни. Каждая из шести картин представляет отдельный эпизод из жизни девушки: приезд в Лондон и знакомство со сводней, посещение дома своего покровителя, арест Мэри и печальный конец ее жизни. Хогарт вносит в полотна множество деталей, имеющих отношение к развитию сюжетной линии: например, гусь в корзине девушки свидетельствует о том, что она недавно оставила родную деревню. К сожалению, эти произведения Хогарта сгорели во время пожара, случившегося в 1755 г., но история Мэри сохранилась в гравюрах, сделанных Хогартом со своих полотен. Живописец сделал их для того, чтобы разоблачить порочность нравов своей эпохи. Гравюры очень быстро нашли покупателей, и художник получил необходимые средства к существованию. В 1735 году за ним последовали восемь листов цикла «Карьера мота». Цикл рассказывает о внезапно разбогатевшем юноше, который получил наследство и растратил его в кутежах, а затем попал в дом умалишенных. Через десять лет, в расцвете своего творчества, Хогарт создает наиболее известный из циклов — «Модный брак», состоящий из шести листов (Лондон, Национальная галерея). Картины рассказывают о женитьбе промотавшего состояние графа на дочери богатого английского купца. Теперь муж в кутежах тратит состояние своей богатой жены, которая от безделья заводит любовную интрижку. Кончается история трагично: граф погибает от ножа любовника своей жены, последний попадает на виселицу, а графиня заканчивает жизнь самоубийством. Хогарт очень последовательно рисует все эпизоды этой трагедии. Первое полотно изображает момент подписания брачного контракта, второе — утро в доме супружеской четы. Новоиспеченная молодая жена сидит в гостиной, потягиваясь после долгого сна, и не обращает совершенно никакого внимания на своего супруга, который растянулся в кресле: вероятно, он только что вернулся с ночного кутежа. На полу в беспорядке валяются музыкальные инструменты, нотная тетрадь, игральные карты — все указывает на вчерашнее бурное веселье шумной компании. Слуга лениво поднимает брошенные на пол стулья, а управляющий возмущенно покидает комнату с одним оплаченным и с пачкой неоплаченных счетов в руке [5.с.238] Хогарт очень тщательно прорисовывает все детали, давая зрителю возможность увидеть именно то, что он хочет донести до ума и сердца последнего. В такой же манере исполнены и остальные картины серии «Модный брак». Большую роль играет мягкий колорит полотен, золотистые, серебристо-серые, розовые оттенки которого позволяют художнику передать внешнее благополучие жизни аристократа. Затем следует цикл гравюр «Жизнь подмастерья», или «Прилежание и леность», наименее удачный из всех. В 1755 году появляется последний из циклов — «Парламентские выборы», составленный из четырех листов, отличающихся замечательной сатирической остротой. Каждый из циклов — это развернутое драматическое повествование о человеческих судьбах. Каждая из картин в сериях Хогарта самостоя­тельна и изображает узловой момент всей истории, но несколько деталей связывают его с предыдущими событиями и последующими. Хогарт, неоднократно подчеркивая связь его композиций с принципами театрального искусства, говорил, что он подходит к изображению ситуации и к характеристике действия как режиссер. Он дает в лучших своих работах многостороннее психологическое раскрытие индивидуальных образов и метко и остро показывает социальную среду и типические обстоятельства английской жизни. Все это в полной мере заключается в гравюрах циклов. Однако сохранившиеся картины дают основание считать, что живописные оригиналы, так же как и подготовительные рисунки, несут в себе еще большее богатство и силу художественной выразительности. В гравюрах Хогарта нравоучительная тенденция в выступает на первый план. В картинах особенно ощутимы полнота восприятия жизни, меткость характеристик, оригинальность живописных приемов. В некоторых своих произведениях Хогарт поднимается до обличительного характера. Его сатира становится беспощадно острой в гравюре «Водочная улица» (1751), наполненной людьми, находящимися на «дне» Лондона, обреченными на нищету, теряющими человеческий облик в результате тяжелых условий жизни. В серии «Парламентские выборы» Хогарт смело обнажает продажность и лживую демагогию английской государственной системы. В картине «Марш в Финчли» (1750) он показывает английскую армию так, как ее никогда не показывал ни один официальный художник [5.с.238]. Другую важную сторону творчества Хогарта составляют его портреты. В них художник высоко поднимает значение человеческой личности независимо от ее социального положения. Он выступает как гуманист и демократ, как замечательный мастер реалистической портретной живописи. В его портретах нет ни следа светской идеализации и декоративной обстановки, которые характерных для портретов работы большинства его современников. Все в них служит раскрытию характера модели. Аксессуары сведены до минимума. Гибкая, разнообразная художественная манера каждый раз меняется соответственно задаче изображения и особенностям изображенного лица. Замечательной уравновешенностью отличаются «Автопортрет с собакой» и коллективный портрет «Слуги», написанные в 40-е годы. В тот же период созданы и легкий, гармоничный и поэтический «Портрет сестры художника Анны» и превосходный портрет «Продавщица креветок» [20]. Последняя работа изображает девушку из народа, краснощекую и синеглазую рыбачку. Портрет написан в широкой свободной манере. Хорошо переданы солнечный свет и воздушная среда, тени, скользящие по свежей коже. Быстрая, бойкая живопись остро подчеркивает характер модели, создает впечатление непосредственности наблюдения, не лишая образ законченности и глубины портретной характеристики. Хогарт был первым ху­дожником английского Просвещения и первым же живописцем - просветите­лем в Европе. Справедливо считается, что до Хогарта в Англии не было великой живописи, и что Хогарт стал ее первым представителем, создав­шим новым пластическим языком как в живописи, так и в графике острые социальные сатиры, пред­вещающие рождение кри­тического реализма XIX столетия. Большое влияние Хогарт имел на графику второй поло­вины XVIII века. Таким образом, творчество Хогарта сыграло важную роль в развитии английского искусства. Его произведения явились реалистическим отражением современной жизни различных слоев английского общества и были проникнуты активными критическими мыслями в духе прогрессивных идей того времени. Картины и гравюры Хогарта отличались высоким мастерством драматического повествования, новаторской самобытностью и оригинальностью художественного решения [5.с.239]. Он активно боролся за утверждение реализма и идей гражданственности в искусстве, отстаивая ведущее место бытового жанра в живописи. В написанном им теоретическом трактате «Анализ красоты» художник выдвигал положения демократической эстетики реализма против официальной художественной теории академического преподавания. Он резко осуждал бездушие шаблонных светских портретов. Отстаивая бытовую живопись, основанную на непосредственном наблюдении и раскрывающую сущность жизненных явлений, Хогарт писал: «В этих композициях те сюжеты, которые одинаково развлекают и развивают ум, естественно, наиболее общественно полезны и должны быть поэтому поставлены выше всего». Искусство Хогарта оказало значительное влияние на европейскую бытовую реалистическую живопись 19 века. Гравюры Хогарта оказали мощное влияние на развитие немецкой бытовой живописи в середине 19 века. Развитие в Англии обличительного бытового жанра обрывается после смерти Хогарта так же внезапно, как оно началось. Еще при жизни У. Хогарта в английском обществе зрело желание создать профессиональное художественное учебное заведение, с постоянным выставочным помещением и музеем. И в скором времени был подписан устав Академии художеств. Президентом Королевской Академии был выбран Джошуа Рейнолдс.

2.2. Теоретик искусства - Джошуа Рейнолдс

В 1768 г. была основана Королевская Академия художеств - национальная художественная школа и центр творческой и теоретической работы в области пластических искусств. Британская Академия родилась как итог новой общественной жизни искусства, как итог первых публичных выставок и их обсуждения в печати, первых попыток создать объединения художников - профессионалов (Общество искусств, 1754; Общество художников Великобритании, 1760, и др.).[1.с.456] Но Академия была открыта с условием, что она будет находиться под покровительством короля (и по сегодняшний день она именуется Королевской). Покровительство двора придало этому начинанию внешний блеск, однако очень часто консервативные вкусы коронованных патронов Академии неблагоприятным образом сказывались на искусстве. Но все же создание Академии было важным моментом в истории английского искусства. Академические собрания и выставки, первая из которых состоялась в 1769 г., явились тем местом где художники могли высказываться полнее, чем того требовали двор или запросы частного заказчика, где творческие проблемы ставились и решались более широко. Именно так понимал роль и значение Академии первый ее президент — Джошуа Рейнольдс. Смыслом всей деятельности Рейнольдса было утвердить в английском искусстве высокий и вместе с тем связанный с национальной действительностью идеал. Джошуа Рейнольдс (1723—1792) был сыном пастора. В доме отца, в родном Плимптоне, будущий художник пристрастился к книгам, интерес к которым помог ему стать в дальнейшем образованным человеком. В семнадцать лет Рейнольдс поступил в учение к Хэдсону. Проведя у него в Лондоне два с половиной года, Рейнольдс вернулся домой. К 1750—1752 гг. относится поездка Рейнольдса в Италию; возвращаясь обратно через Францию, он проводит месяц в Париже. Обосновавшись с 1753 г. в Лондоне, Рейнольдс становится самым известным портретистом британской столицы [19]. В доме Рейнолдса на Лейчестер Сквер собиралось блестящее и очень пестрое общество: представители самых разных политических течений, служители церкви, придворные, военные, светские дамы, моряки, послы, актеры, члены королевской семьи, иногда люди прямо с улицы, и всем им, как свидетельствуют историки, Рейнолдс оказывал любезный прием. Всем, кроме художников Т. Гейнсборо и Дж. Ромнея, в которых видел своих соперников. Свои мысли об искусстве Рейнолдс изложил в знаменитых «Речах», которые он ежегодно произносил перед слушателями Академии художеств в Лондоне. Они многократно издавались отдельной книгой и стали важным вкладом в классическую эстетику эпохи Просвещения, в значительной степени повлияли на формирование художественного вкуса современного ему английского общества. В своей эстетике Рейнолдс защищает строгое академическое преподавание и настаивает не только на изучении старых мастеров, но и на постоянном обращении к натуре. Приверженец классических традиций, почитатель античности и Высокого Возрождения, он в то же время был близким другом Стерна, одного из главных представителей сентиментализма в Англии, искавшего «дорогу к сердцу». Рейнолдс сам в одной из своих речей провозгласил первенство в искусстве воображения и чувства. Его портретам часто присуща та двойственность, которая ощущается в его теории [1.с.457]. Отступая от установившихся еще с XVII века традиций парадного портрета с пышным декором и идеализацией модели, Рейнолдс стремился подчеркнуть, прежде всего, личные достоинства человека, при этом сохраняя взволнованно-торжественный стиль, свойственный его портретам. И в картинах и в портретах Рейнольдса человеческая фигура, лицо, руки моделированы всегда красиво и сильно, чему научился он у Тициана, итальянцов 17 в. и Ван Дейка. Вместе с тем движение, жест становятся постепенно у Рейнольдса все более характерными, присущими только определенной модели. К своим моделям художник относился достаточно сдержанно (его портреты всегда холодноваты) и в то же время старался в меру им польстить, находя в каждом что-то наиболее выигрышное. Большинство изображаемых выглядят респектабельно, но не напыщенно, и все аристократичны, даже если это представители буржуазной или артистической богемы. Рейнольдс особенно любит использовать в своих картинах золотисто-красные краски; они господствуют в его картинах, сопоставленные с отдельными пятнами синего, голубого или зеленого, оттеняющими общий горячий тон его полотен (например, красный занавес в «Венере с амуром» и голубая лента на ее плече). Живописец не мельчит красочный строй полотна ради сохранения всех деталей; пейзажные фоны и драпировки он набрасывает широко, бегло. Зато с особым увлечением и живостью передает он, то густым пастозным мазком, то прибегая к лессировкам [4.с. 461]. На портретах Рейнолдса достаточно часто появляются люди новых, буржуазных профессий, часто в домашнем быту, за работой или книгой, в кругу семьи, в общении с детьми, в простом темном сукне вместо бархата и шелка. Выбирая для портрета тот или иной стиль, художник учитывал, прежде всего, характер и род деятельности модели. Так, адмирала Хизфилда художник представил на фоне поля битвы с клубящимся дымом и багровым закатом (1787— 1788 гг.). Известных литераторов и актёров Рейнолдс окружал аллегорическими фигурами, а порой, следуя традиции классицизма, изображал в виде античных или исторических персонажей (например, «Сара Сиддонс в виде музы трагедии»). «С середины 1770-х годов начинается наиболее плодотворный период творчества Рейнолдса, – пишет Бродский. – К нему относится величественный портрет знаменитой актрисы "Сара Сиддонс в образе Музы трагедии" (1783–1784) с аллегорическими фигурами и построением, напоминающим сивилл Микеланджело, столь любимого Рейнолдсом. "Портрет адмирала лорда Хитфилда" (1787–1788) с наибольшей силой представляет реалистическую сторону творчества Рейнолдса. Адмирал изображен на укреплениях Гибралтара, обороной которого он успешно руководил. Он крепко сжимает в руках ключ от ворот крепости. Очень правдиво написано художником грубое лицо с маленькими пронзительными серыми глазами, тяжелым красным носом и квадратным британским подбородком, с кожей, обожженной солнцем и обветренной бурями мировых океанов [4.с.462]. В этот же период созданы некоторые из лучших женских и детских образов Рейнолдса. В них есть известный оттенок сентиментальности, характерный для культуры конца XVIII столетия. Рейнолдс прекрасно передает обаяние здорового, счастливого детства. Таковы, например, портреты "Миссис Хор с ребенком" и "Возраст невинности" (1788). Не забыта художником и традиционная любовь англичан к животным, которые особенно часто встречаются в детских портретах, как, например, в изображении леди Каролины Монтегю. В этих детских образах чувствуется расчетливость режиссера, который обдумал каждое движение своих маленьких подопечных. Истинным шедевром, по признанию самого Рейнолдса, стала «Девочка с земляникой» - решенный глубоко психологически портрет его племянницы Оффи Палмер. Рейнолдс превратил её портрет в некое подобие жанровой сценки: девочка, оказавшись в лесу, увидела что-то необычное и испугалась, в её взгляде сложно переплелись страх и любопытство. Лицо, написанное в нежных, почти пастельных тонах, привлекает чистотой и особым, детским обаянием. По стилю этот портрет близок к традициям рококо, но наполнен живым и открытым чувством в духе наступившей эпохи сентиментализма (от франц. sentiment — «чувство»). Это течение в литературе и искусстве европейских стран второй половины XVIII — начала XIX в. Его сторонники считали главным в природе человека не разум, а чувства и утверждали ценность человеческой личности независимо от сословия [6. С.345] Кроме портретов Рейнольдс писал мифологические и аллегорические картины («Смерть Дидоны», «Кимон и Ифигения»). В 1786–1788 годах по заказу Екатерины II он создал большую картину «Младенец Геракл, удушающий змей». Картина, прославляющая победы России, – одна из лучших в этом жанре. В 1788–1789 годах художник пишет для князя Потемкина картину, прославляющую великодушие полководца, изобразив Сципиона Африканского, который возвращает дочь побежденного царя ее жениху. Европейской известности художника способствовали также его поездки на континент. В 1768 году Рейнольдс вновь побывал в Париже, в 1781 году съездил в Нидерланды и Германию, а в 1783 году – во Фландрию (Антверпен и Брюссель). Таким образом, портретист Джошуа Рейнолдс был первым среди английских мастеров, кто учился в Италии, путешествовал по Голландии, Фландрии, Германии и Франции. Блестящее художественное образование, превосходное знание основных направлений современного искусства позволили ему свободно соединить в своём творчестве черты разных стилей. Рейнолдс искренне заботился о процветании национальной школы живописи. Он начал восстанавливать в Лондоне Королевскую академию искусств (открытая в 1711г., она позднее распалась) и стал её первым президентом. Современникам он запомнился не только как художник, но и как замечательный оратор и педагог (его речи на заседаниях академии издавались и переводились на другие языки). Именно благодаря Рейнолдсу английские мастера почувствовали себя причастными к европейской традиции и осознали неповторимое значение своего творчества. Джошуа Рейнолдс творил более 40 лет, имел множество поклонников и немало друзей, но всегда оставался одинок. С молодости он плохо слышал, а с 1789 года начал терять зрение. Биографы рассказывают, что, когда художник перестал видеть одним глазом, он положил кисть на мольберт и спокойно заметил с мужеством, которое ему никогда не изменяло: «Всему на свете есть конец, пришел и мой конец»[19]. В 1790 году Джошуа Рейнолдс сказал прощальную речь студентам Академии, а в 1792 году он был торжественно похоронен в лондонском соборе св. Павла, навсегда оставшись гордостью английской живописи.