Линии контура
Когда мы удовлетворены наброском, можно переходить к отработке контуров. Контуры - это механическая работа и для нее нужно соблюдать определенные правила. Например, существуют различные виды линий, с их помощью можно задать стилистику рисунка. Конечно, в большинстве случаев, стиль зависит от изначальных набросков, но линиями различного характера можно подчеркнуть желаемое или добавить дополнительные свойства рисунку.
Если картинка цветная - цвет контуров не должен быть черным: картинка воспринимается зрителем более органично, если контур имеет цвет самого объекта. Естественно, не обязательно подбирать цвета изначально. Помните, что цвет контуров можно изменить уже после нанесения цвета.
Одна из самых распространенных и грубых ошибок – это сохранение одного и того же плана на каждом кадре. Одна и та же точка съемкиутомляет читателя, «камера» должна менять свое положение – это добавляет динамики даже в самые скучные моменты. Варьируйте ракурс и планы, пусть персонажи совершают действия и меняют положение в кадре во время диалогов, а не просто жестикулируют.
Тонкости жанра
- Как сделать событие, например убийство, лучше/интереснее?
- Ответ: не показывать его. Знаю, звучит неразумно,но это так: действие за кадром на самом деле рисует в воображении зритель, и делает это так, как ему лично нравится, а не так, как это решил показать художник. Поэтому событие переживается сильнее. Это довольно распространённый приём, им пользуются в кино и сериалах.
Заканчивать страницу принято «крюком » (кадр-крюк). Что такое крюк? Это причина перевернуть страницу, это вопрос без ответа или незавершенное действие. Последняя панель на странице должна заставить зрителя задаться вопросом: «Что будет дальше?» Повод может быть совершенно мелким: это неважно для истории, но важно для удержания внимания зрителя. Грамотное использование крюка заставит читателя прочитать комикс залпом, что усилит эффект от прочитанного. Не всегда есть возможность добавлять крюк на каждой странице, но того и не требуется. К тому же, поначалу специальное продумывание этого момента утомляет автора и можно наделать довольно неприятных очевидных штампов.
ИНТЕРЕСНОЕ
Откуда режиссер знает, как именно снимать ту или иную сцену? В работе ему помогают раскадровки – наборы картинок, в которых все детали происходящего продуманы и прорисованы заранее. Вооружившись таким «комиксом» как шпаргалкой, постановщик и оператор должны лишь постараться перенести его на экран без заметных искажений.
Хотя визуально раскадровка (от англ. storyboard – букв. «рассказ на доске») действительно похожа на комикс, в ее основе лежат все же не комиксы, а мультфильмы.
Первопроходцем сторибординга стал Уолт Дисней. Свои первые работы легендарный аниматор рисовал без раскадровок, но со временем понял, что делает слишком много ошибок в планировании сюжета, и перерисовка некоторых сцен «с нуля» дорого ему обходится. До конца 20-х годов на студии Диснея, как и везде, использовались обычные эскизы-зарисовки. Однако этот метод, обкатанный авторами немой анимации и театральными режиссерами (например, Станиславским и Брехтом), страдал одним существенным недостатком: он не давал ощущения достаточного погружения в сюжет.
Однажды аниматор Уэбб Смит, входивший в студийную команду, выступил с креативным предложением. Идея состояла в том, чтобы продумать сцену заранее и зарисовать ее ключевые кадры, которые затем развесить на доске в виде своего рода «диафильма». Диснею рацпредложение понравилось – теперь каждому было понятно, как будет выглядеть сцена целиком, и аниматоры могли работать «в унисон», не консультируясь лишний раз друг с другом. Кроме того, появилась возможность проводить «мозговые штурмы» и коллективно обсуждать, какая последовательность сцен будет лучше всего работать: куда лучше всего помещать флешбэки и в каких местах уместней всего переключать внимание зрителей с одной сюжетной линии на другую. Картинки тасовались и менялись местами на доске, пока не достигался идеальный результат.
Это разложение истории на кадры, названное «раскадровкой» и впервые, как считается, опробованное в мультфильме 1928 года «Безумный самолет», было удобно тем, что позволяло на раннем этапе выделить ошибки и плохо работающие идеи и переделать их. Начав с превизуализации отдельных сцен, казавшихся Диснею наиболее сложными, автор Микки Мауса скоро пришел к выводу, что еще лучше «прорабатывать» таким образом весь мультфильм целиком – это не только дополнительно ускорит работу над ним, но и повысит общее качество продукта. Первым короткометражным мультфильмом, целиком зарисованным в виде такого «комикса», стали «Три поросенка», потом эта практика стала на студии обязательной – Дисней даже учредил отдельный департамент для «раскадровщиков», решив, что разделение труда позволит каждому художнику заниматься своим делом более эффективно. Вскоре новшество переняли конкуренты в лице компании УолтераЛанца, а к концу 30-х без раскадровок уже не обходилась работа ни одной голливудской анимационной студии. Более того – режиссеры игрового кино смекнули, что им сторибординг тоже мог бы быть весьма полезен: метод с успехом был применен на производстве «Унесенных ветром» и с тех пор стал полноправным элементом кинопроцесса.
Раскадровки стали использоваться также в рекламном бизнесе, позволяя заказчикам видеороликов представить себе общий визуальный план будущего видео. Зарисовкой сюжетов своих книг стали заниматься даже писатели: от перетасовки сцен и глав интересность и эффектность сюжета возрастали, к тому же любое событие было описать проще, когда автор визуально представлял себе локацию и расположение на ней персонажей в разные моменты времени. (В этом, конечно, нет ничего странного: когда художник Пикассо впервые увидел наскальную живопись древних людей, где сцены охоты было собраны в последовательность раскадровок, то со смешком признал, что "современники не изобрели ничего принципиально нового", они лишь отряхнули от пыли идеи своих предшественников).
В кино же новинка стала в последующие годы вещью поистине незаменимой – уже хотя бы потому, что она позволяла выявить все потенциальные проблемы и технические сложности на этапе планирования. Художник рисовал раскадровку под присмотром режиссера, стараясь передать его видение каждой сцены. Затем в дело вступал оператор и критиковал те моменты, которые, на его взгляд, было технически невозможно воплотить (например, большой размер камер не всегда позволял втиснуть их в то или иное пространство). Сцена перерисовывалась до тех пор, пока результат не начинал выглядеть достижимым – позже, на съемках, его оставалось только перенести на пленку. Впрочем, бывало и так, что режиссер упорно настаивал на «невозможных» ракурсах, и оператору приходилось напрячься, чтобы придумать, как их снять. Например, так поступил Орсон Уэллс, когда делал «Гражданина Кейна», и путем многочисленных экспериментов его идеи все-таки удалось реализовать.
Раскадровка может иметь разный вид: от детально прорисованных, наполненных деталями кадров до грубо-схематичных набросков в духе «палка, палка, огуречик, вот и вышел человечек» (такими палочками, например, изображает людей в своих раскадровках Мартин Скорсезе, и операторы оценивают его работу весьма высоко: она вполне передает смысл каждого кадра и при этом оставляет камерамэнам достаточную свободу для творчества).
Кадрам-рисункам присваиваются порядковые номера. В соответствии с нуждами режиссера ведется и расход бумаги: детальный рисунок может занимать целый лист, менее детальные – выстроиться на листе в колонку, а если автору достаточно совсем примитивной визуализации, то кадрики могут располагаться в три колонки и иметь соответствующий уменьшенный размер. Но в любом случае рядом с картинкой всегда оставляется место для описания действий персонажей или произносимых ими слов, чтобы раскадровку можно было читать в виде комикса.
Если снимается реклама, бывает достаточно повесить на локации щит или поставить стенд, на который раскадровка лепится скотчем. На производстве же кинофильмов раскадровок получается столько, что гораздо удобней распечатывать их и сшивать в виде книги.
Впрочем, режиссер сам набрасывает раскадровки прямо на полях сценария – этих малюсеньких картинок величиной не больше ногтя (за что они получили название «иконок») ему и оператору часто оказывается достаточно для дальнейшей работы, и более профессиональные художники к делу не привлекаются. С другой стороны, постановщики, для которых очень важна визуальная составляющая и стиль будущей ленты, готовы идти гораздо дальше, нанимая профессионалов из мира комиксов – так, например, братья Вачовски попросили сделать раскадровки для своей «Матрицы» иллюстратора ДжефаДэрроу, славящегося запредельной детализацией всех своих графических романов. Дэрроу не просто перенес сценарий на бумагу, но и придумал визуальные концепции для многих локаций и персонажей, поскольку сами авторы подчас не имели понятия, как все это должно выглядеть. Сегодня странички из тех раскадровок периодически всплывают на интернет-аукционах и стоят немалых денег, поскольку на бумаге они существуют в весьма ограниченном количестве экземпляров и в виде комикса никогда не издавались.
С другой стороны, такие фильмы, как «Город грехов» и «Хранители», неплохо сэкономили на сторибординге, поскольку их режиссеры посчитали, что лежащие в основе сюжетов одноименные графические романы сами по себе являются идеальными раскадровками.
Сториборды хороши тем, что заранее прописывают «правила игры» для каждой сцены: углы съемки, композиция, освещение, движения персонажей в кадре (дополнительно обозначаемые стрелочками) – все это снимает необходимость объяснять каждому участнику киногруппы режиссерский замысел и исключает разночтения.
Вместе с тем хотя раскадровка – достаточно эффектное визуальное воплощение сценария, это все же пока еще не кино. Фильммейкеры всегда искали способы сделать сториборды более «живыми», и технический прогресс периодически подбрасывал им такие возможности. В 40-е годы идея раскадровок получила развитие в т.н. «аниматиках» – сценах, смонтированных из рисованных кадров, на которые накладывалась музыка и даже живые диалоги, записанные заранее. Это не только позволяло потенциальному инвестору погрузиться более полно в «настроение» будущей ленты, но и самим авторам давало возможность оценить, насколько хорошо и удачно визуальные элементы работают в связке со звуковыми.
Давно замечено, что добавление звука делает любое изображение гораздо выразительней – поэтому аниматики с саундтреком обрели в Голливуде широкую популярность. Конечно, это не тот звук, который зритель в итоге услышит в фильме. «Черновые» диалоги (т.н. scratchsound) записываются в студии в чисто презентационных целях, для этой работы не принято привлекать знаменитостей, и персонажей часто озвучивают студийные работники либо их родственники и друзья. Раскадровки для анимационных проектов нередко рисуются еще до написания сценария, и только если студия одобрит идею, происходит наем скриптрайтера, а на этапе постпродакшена к делу привлекаются и реальные кинозвезды, переозвучивающие диалоги. При этом не всегда переделывается весь саундтрек: если студийный работник, озвучивший кого-то из второстепенных персонажей, неплохо справился с задачей, его реплики могут оставить, а его самого даже впишут в титры. Любопытно, к слову, что изобретателем аниматиков стал опять же не кто иной, как Дисней – именно он первым придумал снимать раскадровки на камеру Leica и подкладывать под них саундтрек (поэтому первые годы аниматики были известны как Leicareels – букв. «лейкины катушки»).
https://cdn.media.film.ru/sites/default/files/trailers/9129751/Leica-Reel.mp4
Технические детали вроде фокусного расстояния объектива или параметров и длительности кадра могут прописываться текстом сбоку или прямо внутри изображений, равно как и короткие диалоги. Наконец, сториборды упрощают жизнь благодарным монтажерам, собирающим картину воедино.
Как ни странно, для изготовления раскадровок даже необязательно уметь рисовать. На фоне официальных концепт-артов, где детально разрабатываются дизайн героев и декораций, художества сторибордов часто смотрятся так, что их авторов «хочется обнять и плакать». Встречаются, конечно, и красивые, но с большей вероятностью можно нарваться на живопись сродни наскальной.
Все-таки это чертежи, и они решают не эстетические, а практические задачи. К тому же не так уж редко — особенно на небогатых проектах — за них отвечает сам режиссер или оператор, который, возможно, и не малевал ничего со школы. Впрочем, если сториборд используется для поиска финансирования, то лучше все же нанять профессионала, чтобы он придал ему удобоваримый вид.
Российские режиссеры — в силу личных предпочтений или экономии — зачастую формируют сториборд сами. Например, прославленный Александр Митта так наставляет начинающих коллег: «Главное — жесткая раскадровка! Первые картины прорисовывал по три раза — при написании сценария, разработке плана работы и перед съемкой. До сих пор делаю фильмы по этой схеме».
Разделяют эту позицию многие отечественные классики.
По сторибордам Георгия Данелии или Андрея Кончаловского можно было бы учить профессии студентов режиссерских факультетов. Правда, последний признается, что давно ограничивается раскадровками только самых сложных сцен. Например, Троянская битва в мини-сериале 1997 года «Одиссей».
Сергей Эйзенштейн на занятиях со студентами превращал в своего рода раскадровки даже анализ живописи, разбивая знаменитые картины на кадры разной крупности, которые распределялись в заданном драматургическом порядке.
Сториборды в более-менее современном виде популяризировала в 1930-е студия Уолта Диснея. Автору гэгов Уэббу Смиту нравилось не расписывать шутки словами, а делать наброски и рисовать последовательность сцен на разных бумажках. Его привычка развешивать свои творения на стенах к моменту съемок «Белоснежки и семи гномов» окончательно заразила всех сотрудников.
Вскоре все помещения были завалены переносными пробковыми досками с пришпиленными рисунками, а выставление работ на всеобщее обозрение сопровождалось бенефисами самого Диснея. Художники кучковались вокруг великого аниматора и, разинув рты, наблюдали, как он в лицах проигрывает сюжет мультфильма и манеру поведения каждого персонажа. Так складывался единый визуальный стиль, а присутствующие понимали, что от них требуется.
Прекрасная практика и по сей день живет в Pixar, только отжигает перед коллегами уже не большой начальник, а художник, ответственный за конкретный сегмент. Коллективное обсуждение и мозговой штурм помогают найти оптимальное решение для сцены, а доски позволяют быстро менять изображения. Манипуляции с их очередностью способны привести к мощным эффектам, будоражащим зрительское воображение. В частности, флешбэки в кино часто появляются в результате сортировки сторибордов вне хронологического порядка, чтобы усилить интригу и напряжение.
Анимация — дорогое удовольствие, где нет права на ошибку, а планирование через раскадровки жизненно необходимо. «Мы не можем делать несколько дублей, — разводит руками креативный глава Pixar и DisneyAnimation Джон Лассетер.— У нас один шанс сделать каждую сцену. Мы быстро уходим от сценария и монтируем фильм еще до начала продакшна с помощью сторибордов».
Пионер компьютерной анимации божится, что никогда не запустит в производство материал, который плохо работает, и лучше 30 раз его перелопатит. Ведь паршивую историю не спасет даже качественное исполнение. Сториборд полнометражного пиксаровского мультфильма насчитывает более 4000 кадров. С учетом зарисовок, не прошедших отбор, их количество каждый раз переваливает за 20 000. Рекорд принадлежит «ВАЛЛ•И» — 98 713! У бедняги затянулся подготовительный период.
Выбранные в раскадровке планы также подсказывают художнику-постановщику, какие участки декораций необходимо отстроить и не заморачиваться с теми, что все равно не попадут в кадр.
«Я всегда работаю так: сначала придумываю маленькие, величиной с почтовую марку, рисуночки, в которых мог бы конспективно изложить ход событий, развитие, развязку. Это позволяет увидеть фильм в целом, разработать первоначальную концепцию монтажа, композицию кадров, мизансцены», — пишет Федор Хитрук в книге «Профессия — аниматор».
Схожим образом действуют и в Голливуде, где миниатюрные раскадровки раздаются всей съемочной группе. Нередко ими дело и ограничивается, а для постановок позатейливее делаются уже более изощренные и крупные образцы. Другие фильмы прибегают к сторибордам только для осмысления отдельных мудреных сцен. Некоторые самонадеянные авторы и вовсе обходятся без них.