Дипломная работа
Краткая история развития русской вокальной школы
Выполнил:
Нагишкин Илья Владленович,
студент 4 курса специальности
«Вокальное Искусство»
Проверила:
Кравченко Светлана Николаевна,
преподаватель,,,,,,,,,,
2016 г.
Содержание
Введение…………………………………………………………………………….3
Глава I. Особенности становления и развития русской национальной
школы пения………………………………………………………………………….
1.1. Народная песня…………………………………………………………………
1.2. Церковная музыка……………………………………………………………..
1.3. Вокальное искусство в доклассический период………………………………
1.4. Классический период, концентрический метод М.И. Глинки………………
1.5. Золотой век русского искусства………………………………………………
1.6. Великие русские певцы………………………………………………………….
Глава II. Основные положения русской национальной школы, используемые в классе педагогической практики Томского музыкального колледжа имени
Э.В. Денисова…………………………………………………………………………
2.1.Описание работы с ученицей в рамках пассивной практики…………………..
2.2.Описание работы с ученицей в рамках активной практики………………….
Заключение………………………………………………………………………….
Cписок литературы …………………………………………………..
Введение
Актуальность данной темы велика, так как в последнее время падает интерес к академической манере пения и классической музыке в целом, чем и обоснован выбор темы дипломной работы.
Тема квалификационной дипломной работы посвящена русской национальной школе пения, как одной из величайших и самобытных школ мира, ее истокам, путям развития и становления. Тщательное изучение истории развития теоретических основ отечественной школы, правильное понимание кратких, но весьма содержательных методических указаний Глинки и его последователей помогут молодым певцам и педагогам скорее овладеть надлежащей техникой, усовершенствовать свой голос и правильно развивать голос своих учеников.
Национальная школа пения существует там, где есть профессиональная музыкальная культура, где она достаточно развита, где имеется национальная композиторская школа, когда с ней связана и имеет место профессиональная музыкально-исполнительская культура.
Объект исследования заключается в изучении особенностей русской национальной школы в вокальной практике.
Предмет исследования – использование основных положений русской национальной школы в вокальной практике.
Цель – указать пути и приемы основных положений школы в работе с детскими голосами.
Задача данной квалификационной работы – показать значимость и влияние русской национальной школы пения, как прогрессивной имеющей практическую ценность во всем мировом вокальном искусстве.
Методы исследования: изучение педагогической и музыкальной литературы,наблюдение, анализ и синтез изученного материала.
Глава I. Особенности становления и развития русской национальной школы пения
Рождение и формирование национальной вокальной школы тесно связано с национальной оперой, а значит, с именем М.И.Глинки – основоположником русской музыкальной классики, национальной классической музыкальной школы. Именно в период творчества Михаила Ивановича Глинки сформировались и определились основные черты русской национальной школы пения. Но, говоря о школе, необходимо определить ее истоки. Рассмотрим основные виды русской национальной школы пения.
1.1. НАРОДНАЯ ПЕСНЯ
Русская вокальная школа глубоко уходит своими корнями в народную песню, которая всегда играла основополагающую роль и являлась неиссякаемым источником вдохновения. В песнях народ искал утешение, черпал силы для борьбы за лучшее будущее, она была выражением души, надежд и чаяний русского человека. Русская песня чрезвычайно разнохарактерна, круг ее образов широк. От интимно-лирических до гротесковых. Особой любовью пользовались протяжные лирические песни, недаром говорят: «Песня длинна, как большая дорога, она такая же ровная, широкая, мудрая, когда слушаешь ее, то забываешь, день на земле или ночь, а сердце растет и хочет разорваться от полноты каких-то необычных чувств, от великой немой любви к людям на земле». Идущие от певучего русского языка широкие протяжные мелодии песни требовали:
· кантиленой манеры исполнения;
· ровности и красоты тембра;
· большого дыхания;
· задушевности и глубины исполнения, в котором основополагающее значение придавалось слову. Именно слово являлось ведущим, определяя характер мелодии.
Гротесковые, игровые песни внесли в национальную школу пения:
· декламационный стиль, и как его разновидность – речитатив, получивший развитие в творчестве А.С.Даргомыжского и доведенный до совершенства М.П.Мусоргским;
· четкую дикцию;
· актерское воплощение исполняемого.
Все эти перечисленные приемы впоследствии войдут в основу русской национальной школы пения.
1.2. ЦЕРКОВНАЯ МУЗЫКА
Вторым источником для школы пения является церковная музыка, которая существовала на Руси как а капельно-вокальная, так как применение инструментов не допускалось.
По сведениям летописи Князь Владимир, при котором утвердилось христианство на Руси, привез с собой в Киев не только митрополита, епископов, священников, но и певцов, регентов и учителей церковного пения. В церковной музыке полностью исключалась форсировка звука. Еще VI Вселенский гобор предписывал, чтобы поющие «не употребляли» бесчисленных воплей, не вынуждали из себя неистового крика». Одним из важнейший требований было ясное, четкое произношение, что вырабатывало хорошую дикцию. С древнейших времен в церковном пении применялись принципы кантиленного исполнения, так как на каждый слог приходилось обычно по несколько звуков, а спокойный характер мелодии располагал к широкой легатной манере пения. Все эти перечисленные положения также легли в основу национальной вокальной школы.
1.3. ВОКАЛЬНОЕ ИСКУССТВО В ДОКЛАССИЧЕСКИЙ ПЕРИОД
Первобытное песнетворчество и связанные с ним обряды (сначала культового, а затем и бытового характера) явились зародышем музыкально-драматического искусства, так называемых оперок. Это были произведения, где музыка, театр, пантомимы тесно связаны и переплетены.
Возникновение первых опер русских композиторов происходило в сложной обстановке. Придворные круги всячески насаждали искусство из-за границы. При дворах царствовали итальянские и французские «маэстро», певцы и учителя пения, вот почему вокально-театральная музыка доглинкинского периода часто сочинялась в стиле итальянских и французских комических опер, но уже в этих первых музыкальных спектаклях усматриваются и национальные черты. Введение фольклорного материала, особенно в таких спектаклях, как «Мельник, колдун, обманщик и сват» (до сего времени не установлено, кто же является автором этого произведения: Е.Фомин или М.Соколовский). Песня Филимона написана в духе плясовой, а ария Анюты – типичная народная песня, состоящая из двух контрастных частей. То же можно сказать и об операх Д.Бортнянского «Сын-соперник» и Волкова «Танюша». Все эти оперки выводили на сцену простых людей, крестьян, простолюдинов. Сюжеты зачастую написаны были на фольклорной основе и сочинялись прогрессивными русскими писателями Сумароковым, Княжным, Крыловым. К некоторым операм либретто писала сама Екатерина II. Например, опера на ее текст «Федул с детьми», спектакль построенный на фольклорной основе с хороводами, плясками, на русские темы «Утушка луговая», «Белолица круглолица». Этот период выдвигает таких русских композиторов, произведения которых дошли до наших дней. Многие из них получили образование за границей. Это и Д.Борнянский, и Е.Фомин, обучавшиеся и признанные почетными академиками в Италии, это и М.Березовский, и М.Соколовский. Появляются первые профессиональные певцы: Елизавета Уранова, Авдотья Волкова, Яков Воробьев, Владимир Самойлов.
Обучение музыки и пению стало обязательным требованием воспитания того периода. Посещение театров для дворян было обязательным. В развитие вокальной музыки большой вклад внесли появившиеся крепостные театры, актерами которых были крепостные крестьяне, многие из них получали довольно высокое профессиональное образование. Они должны были уметь петь, играть на инструменте, танцевать. Многие из них обучались за границей. Как пример высокого профессионализма крепостных певцов можно привести имя крепостной Прасковьи Жемчуговой, будущей жены Графа Шереметьева.
Песенное творчество в России было представлено такими композиторами, как Г.Теплов, Ф.Дубянский, С.Козловский, Соколовский. Особое место в русской вокальной музыке занимает творчество А.Н.Верстовского. Его опера «Аскольдова могила», которая имеет уже сложившуюся форму оперного спектакля и, по свидетельству А.Серова, составила эпоху в области русской музыки, многие оперные эпизоды являются популярными и в наше время. Это и хор «Ах, подруженьки», и песня Торопки «Аскольдова могила» является как бы переходным мостиком к классической музыкальной драме-опере М.Глинки «Иван Сусанин».
1.4. КЛАССИЧЕСКИЙ ПЕРИОД, КОНЦЕНТРИЧЕСКИЙ МЕТОД ГЛИНКИ.
В ряду великих композиторов, составляющих славу и гордость российской музыки сияет имя М.И.Глинки – основоположника русской классической музыки. С ним связано определение русской оперы как самостоятельного жанра. Вокальное искусство Глинки представляет сплав народной музыки, ранней русской оперы и гибкой итальянской кантилены. Все эти элементы переплавились в совершенный классический стиль.
М.Глинка сам был замечательным певцом, с хорошим, довольно сильным голосом, великолепно владеющим различными исполнительскими стилями. Он учился пению у таких педагогов, как А.Надзари, Ж.Менвиль. Во время своей поездки в Италию Глинка изучил различные методы преподавания, ознакомился с пением многих лучших певцов этого времени. По возвращении в Россию он начинает давать уроки пения, часто выступает в концертах. При этом его пение производило такое сильное впечатление, что В.Стасов писал: «Кто не слышал, как поет свои романсы Глинка, тот их не знает». Исполнение его отличалось большой выразительностью и техническим совершенством. Среди учеников были знаменитые певцы того времени: Д.Леонова, О.Петров, А.Петрова-Воробьева.
Опираясь на традиции русской народной песни, церковной музыки, на достижение ранней русской вокальной музыки и взяв прогрессивное и ценное в европейской вокальной школе, Глинка создал свой метод, получивший название «Концентрический». Этот метод и лег в основу русской национальной школы пения, которая до сего времени является основополагающей в обучении русских певцов. Этот метод предполагает следующие методические положения:
· Развитие голоса от его середины с последующим расширением по диапазону
· Воспроизведение звуков сразу, без «подъездов»
· Округленное, ровное, сглаженное по всему диапазону звучание
· Отрицание форсировки в пении
· Основа пения – кантилена (связное, легатное звуковедение)
· Большая связь слова и музыки, где основополагающим является слово, а музыка гибко следует за ним. Это отличает романсы Глинки, представляя тем самым большую трудность при их исполнении.
Последователем вокальной школы, созданной М.Глинкой, явился А.Варламов.
А.Е.ВАРЛАМОВ.
Александра Егоровича Варламова не случайно называют «вокальным композитором», так как им написано около 150 романсов. Много работая над вокальной музыкой, Варламов, получив хорошее образование, был прекрасным педагогом, популярным учителем пения. В своей методике он придерживался вокальных принципов Глинки. В 1740 году им была издана «Полная школа пения», в которой большое внимание уделяется классификации голосов, регистрам, резонаторам, опертому певческому дыханию, объясняя его как сбереженное, выпущенное только в том количестве, которое необходимо для верного звука. Много внимания Варламов уделяет приемам колоратурной техники.
А.С.ДАРГОМЫЖСКИЙ.
Композитор, исполнитель и вокальной педагог Александр Сергеевич Даргомыжский дополнил основные принципы русской вокальной школы, видоизменив музыкальную форму сочинения для голоса. Он создал жанр сатирико-комического романса, обогатил звучание камерных произведений социально-нравственным характером. Социальная заостренность его искусства требовала большого внимания к тексту. «Хочу, чтобы звук прямо выражал слово» - эти слова композитора, являясь его творческим кредо, заставляли смело экспериментировать в жанре песни и романса. Вокальное творчество Даргомыжского предъявляло певцам требования приблизить правильно оформленный певческий голос к интонации речи, так как широкая кантилена романсов композитора часто переходила в распевный речитатив. В дальнейшем эти эксперименты доведет до совершенства М.Мусоргский, расширив рамки выразительных возможностей.
1.5. ЗОЛОТОЙ ВЕК РУССКОГО ИСКУССТВА.
60-90-е годы XIX века – время, когда вся общественная жизнь демократизировалась. Писатели, музыканты, живописцы этого времени стремятся к пропаганде и созданию истинно народных произведений, возрастает интерес к духовному миру человека, творчество пронизано горячим чувством любви к Родине, народу, русской природе.
Искусство Золотого века получило в России наивысший расцвет и в литературе (И.Тургенев, А.Островский, Ф.Достоевский, М.Салтыков-Щедрин), и в живописи (Перов, И.Репин, И.Левитан, А.Васнецов, К.Коровин, М.Врубель), и в музыке (П.Чайковский, Н.Римский-Корсаков, М.Мусоргский, М.Балакирев, А.Бородин). В России открываются первые консерватории: петербургская (1862) и московская (1866). Но становление и развитие русской музыки проходило в острой борьбе, так как засилие европейской, особенно итальянской музыки было повсеместным. В музыкальных театрах Москвы, Петербурга и многих других городов царили итальянские сезоны. По всей стране разъезжала итальянская антреприза. Русской опере отдавали только один месяц в году. Многие прогрессивные силы России ратовали за пропаганду и поддержку национальной русской музыки. Так, в 60-е годы в Петербурге создается «Русское музыкальное общество», которое возглавил А.Рубинштейн. Возникает кружок петербургских музыкантов, руководителем которого становится пианист, композитор, дирижер М.Балакирев. Многие русские меценаты (например, А.Беляев) устраивали у себя дома кружки, где русские композиторы знакомили слушателей со своими новыми произведениями, получали материальную поддержку. Такие выдающиеся люди, как С.Мамонтов и С.Морозов открыли частные оперные театры, где ставились оперы русских композиторов, пропагандировалась русская музыка.
Театр С.Мамонтова был прогрессивным явлением и очень много внес в развитие русской национальной школы пения. Являясь человеком большой эрудиции и культуры, - певец, режиссер, скульптор – он представлял русскую оперу как синтез музыки, сценического действия и декоративно-оформительского искусства. Мамонтов объединил вокруг себя все самые прогрессивные силы музыкантов, драматургов, живописцев и певцов. Именно ему обязаны своим становление певцы: Н.Забелла-Врубель, Ф.Шаляпин, Е.Цветкова.
Но утверждать, что засилие европейской вокальной музыки несло в себе только отрицательное, тормозящее начало, было бы несправедливым. Многие из гастролирующих певцов были великолепными высокопрофессиональными исполнителями. Это и А.Каталани, и Э.Патти, и А.Мазинни и П.Виардо, называвшая Россию своей второй родиной. Они не только демонстрировали идеальное владение техникой исполнения, но и знакомили русского слушателя с лучшими вокальными произведениями европейской музыки. Все это не могло не влиять на развитие национальной русской вокальной школы. Так новый тип дыхания – нижнерёберный-диафрагматический, который лег в основу искусства дыхания, без которого невозможно было исполнение вокальной музыки П.Чайковского, Н.Римского-Корсакова, М.Мусоргского, был создан и привезен именно итальянскими певцами. Многие из певцов романсов – иностранцев в последствии остались в России и стали педагогами консерваторий: это ученица Г.Гарсиа-Ниссен_Саламон, К.Эверарди, У.Мазетти.
Выдающаяся певица, а затем и педагог Полина Виардо была большим поклонником и пропагандистом музыки русских композиторов. В своих «русских», как она называла, концертах П.Виардо исполняла вокальную музыку Глинки, Даргомыжского, Гурилева, Варламова, Алябьева. Глубоко проникнув в стиль этих произведений, она производила своими выступлениями настоящий фурор. Многие современники с восторгом вспоминают ее концерты.
«Нет, не забыть мне вас, пленительные звуки
Как первых сладких слез любви мне не забыть.
Когда внимал я вам, в груди мирились муки
И снова был готов и верить, и любить»
Л.Плещеев.
Большое значение для дальнейшего развития русской вокальной школы сыграло творчество выдающихся композиторов П.Чайковского, Н.Римского-Корсакова, М.Мусоргского, музыку которых можно с полным основанием назвать не только явлением русского, но и мирового искусства.
П.И.ЧАЙКОВСКИЙ.
Традиции, заложенные в вокальной музыке Глинки и Даргомыжского, получили свое продолжение в творчестве П.Чайковского, которое всегда было направлено к людям. Простота и задушевность делали вокальную музыку доступной и очень популярной. «Я желал бы всеми силами души, чтобы музыка моя расширялась, чтобы увеличивалось число людей, любящих ее, находящих в ней утешение и опору», - писал композитор.
По характеру дарования Чайковский – лирик, драматург-психолог. С его музыкой русская вокальная школа обогатилась следующими положениями:
· Основа пения – кантиленная льющаяся мелодия, очень характерная для вокальной музыки композитора, где ведущее место занимают мелодии широкого дыхания.
· Большая связь слова и музыки, любой эмоциональный подъем в тексте ведет к видоизменению в мелодии.
· Очень гибкая фразировка.
· Большое значение приобретает тембровая окраска голоса (в зависимости от психологического состояния героя тембр певца должен окрашиваться по-разному). Это делает исполнение произведений очень выразительным, глубоко раскрывающим внутренний мир героя.
· Получил большое развитие нижнереберный-диафрагматический тип дыхания, без которого невозможно исполнение глубоко эмоциональной музыки композитора.
Н.А. РИМСКИЙ-КОРСАКОВ.
Композитор был наделен удивительным талантом живописать средствами музыки. Его вокальные произведения как бы излучают свет, тепло, полны красок, лирических настроений. Драматургия развития нетороплива.
Он создатель многочисленных мелодий «широкого дыхания». Для них типична спокойная уравновешенность, плавность движения к кульминации. Использование вокальной музыки Римского-Корсакова требует от исполнителя:
· безупречного владения кантиленой;
· использования красок голоса;
· большого единства музыкального и драматического развития. По этому поводу сам композитор говорил так: «Споешь мелодично, будет драматично»;
· ровного округлого звучания голоса по всему диапазону;
· умения пользоваться колоратурой, но не для демонстрации виртуозности, а для раскрытия образа (особенно сказочных персонажей).
Всем этим требованиям отвечало требование Надежды Забеллы-Врубель, и именно поэтому Римский-Корсаков особенно выделял ее из всех исполнителей.
М.МУСОРГСКИЙ.
М.Мусоргский является одним из самых самобытных русских композиторов. Гневный обличитель общественных пороков, он с беспощадной правдивостью показал страдания русского народа, картины стихийных восстаний.
Одновременно с этим он с удивительной чуткостью передает тончайшие человеческие переживания. Продолжая в вокальной музыке традацию Даргомыжского, он развил и достиг совершенства в мелодекламационной манере исполнения, что помогло раскрыть внутренний мир героя во всех оттенках, особенно в минуты эмоционального накала.
Это стороны творчества Мусоргского легли в основу русской вокальной музыки и определили в русской вокальной школе такие ее положения, как:
· введение речитативных приемов, приближающих правильно оформленный певческий звук и интонации речи, что раздвигает рамки выразительных возможностей;
· способность окраской голоса передать эмоциональное состояние героя и содержание вокального произведения.
1.6. ВЕЛИКИЕ РУССКИЕ ПЕВЦЫ
Русская вокальная школа, полностью сложившаяся к началу ХХ века, вывела на арену таких великих русских певцов, прославивших национальное искусство пения, как Ф.Шаляпин, Л.Собинов, А.Нежданова.
Ф. ШАЛЯПИН.
«Это нечто огромное, изумительное и русское. Малограмотный сапожник, он сквозь терния всяких угнетений взошел на вершину горы весь окурен славой». (М.Горький)
Вышедший из бедной семьи и не получивший систематического образования, Шаляпин стал высокообразованным человеком, владеющим многими языками, знатоком в живописи, литературе. Он воспитал в себе постоянную потребность развивать и пополнять знания. Как он сам говорил: «Я и после успехов продолжал учиться у кого мог». Круг его друзей и знакомств был чрезвычайно широк, это были люди, составляющие гордость нашей отечественной культуры, выдающиеся писатели, музыканты, живописцы.
Нет нужды доказывать, что Шаляпин непревзойденный и величайший певец всех времен и народов. В чем же его феномен? Обладая отличными внешними данными, великолепным голосом и вокальной школой, данной ему профессором Д.А.Усатовым, он имел уникальный дар – умение тембром, интонацией создать вокальный образ. Этот прием доведен им до совершенства. Именно это приводило слушателей в изумление и имело огромную силу воздействия. Великая итальянская певица Тоти даль Монте писала: «О, это был гениальный артист, непревзойденный по дарованию художник оперной сцены. Во всех ролях он был неповторим и грандиозен. Такого впечатления, которое он оставил в роли Б.Годунова, я никогда больше не переживала. Я не спала ночами, все не могла забыть сцену галлюцинации и смерти Бориса. Это была правда».
В правильности интонации, в окраске слова и фразы – сила пения Шаляпина. Именно он изложил подход к опере, которая до его появления больше была похожа на театрализованный концерт. Для Шаляпина всё было важно: и вокальная техника, и драматическая игра, и грим, и декорация.
Именно Шаляпину, его искусству интонирования обязана русская вокальная школа, это качество стало неотъемлемой ее чертой.
Л.В.СОБИНОВ.
Леонида Васильевича Собинова с уважением называли «Певцом русской души». Стиль его пения – соединение безупречного вокально-технического исполнительства с большой драматической осмысленностью.
Значение Собинова в русском вокальном искусстве огромно. Он совершил настоящий переворот в оперном искусстве. Идеальное вокально-техническое исполнение сочеталось в нем с огромной правдивой передачей сложной психологии героя. Он писал: «Чуть духовный мир моего героя изменится, фразу произносишь иначе».
С приходом на сцену Собинова лирические тенора изменили свое отношение к исполняемому репертуару, стали больше внимания уделять интонации, тембровой окраске голоса. Будучи выдающимся певцом, высокообразованным человеком, он стал целой эпохой в истории русского вокального искусства.
Выдающийся русский певец С.Лемешев писал: «Собинов в начале нашего века пел во многих знаменитых театрах мира, не уступая прославленным зарубежным певцам в исполнении зарубежной вокальной музыки. А вот среди зарубежных пока не нашлось такого, который приехал бы к нам и спел в нашей русской опере».
А.В.НЕЖДАНОВА.
Великая певица, профессор Московской консерватории, Антонида Васильевна Нежданова внесла огромный вклад в развитие русского вокального искусства. Неземной звук, благороднейший тембр, великолепный актерский темперамент, богатейшее сценическое мастерство – вот что выдвигает ее в ряд великих русских мастеров, прославивших русскую вокальную школу. Она пела во многих зарубежных оперных театрах. Ею было подготовлено окло 37 оперных партий. Станиславский писал: «Вы прекрасны и почему? ВЫгармоничны, в Вас соединились: серебристый голос удивительной красоты, музыкальность, совершенство техники с вечно молодой душой».
Продолжателями традиций трех великих русских певцов Шаляпина, Собинова и Неждановой были: М.Михайлов, Е.Катульская, М.Максакова, Л.Пирогов, С.Лемешев, В.Давыдова, Н.Обухова; а также наши современники: Е.Нестеренко, Т.Синявская, Е.Образцова, Т.Милашкина, З.Соткилава, В.Атлантов, И.Архипова; это и молодые Д.Хворостовский, В.Чернов, О.Бородина, Л.Казарновская, М.Горчакова. Полученная ими вокальная школа позволяет с успехом исполнять оперный репертуар не только русских, но и западно-европейских композиторов.
Наши певцы достойно показывают себя на многих Международных вокальных конкурсах, демонстрируя хорошую техническую подготовку и яркое сценическое воплощение.