Искусство Испании в XVII веке




XVII столетие — Золотой век испанского искусства. Самый известный мастер этого периода — Диего Веласкес, но одновременно с ним творили другие художники, в картинах которых раскрываются разные грани испанской живописи.


Особенности искусства Испании в XVII веке
В Испании не было Возрождения

Испанская живопись «перепрыгнула» из Средних веков прямо в Новое время. До конца XV века испанцы были заняты Реконкистой — борьбой с мусульманскими захватчиками, оккупировавшими Иберийский полуостров. Поэтому Испания уделяла развитию культуры меньше времени, чем, к примеру, Италия.

Главным заказчиком живописи была церковь
Испанское католичество всегда было окружено «врагами». Сначала оно боролось с распространением ислама, а затем — с Реформацией: это религиозное движение захватило Европу в XVI веке и привело к поражению католичества в Германии, Нидерландах, Швейцарии и не только. Внешняя угроза заставила католиков активнее привлекать верующих и прославлять свою религию — в том числе через искусство. Они хотели, чтобы архитектура, скульптура и живопись в Испании были не хуже, чем в папском Риме.

Франсиско Сурбаран
1598–1664

Сурбаран — один из главных церковных живописцев XVII века. Это мастер монашеской тишины, духовного портрета и торжественного натюрморта. Он использовал караваджистские приёмы для раскрытия темы христианской добродетели. Религиозность в его полотнах спокойна и сосредоточенна, художник избегает жестокости и ярких эмоций.

 

Франсиско Сурбаран. Мученичество святого Серапиона, 1628, Хартфорд, Уодсворт Атенум

Это видно в «Мученичестве святого Серапиона». Согласно житию, пираты избили и пытали святого, а затем бросили его в море, но Сурбаран не показывает сцен мученичества и даже не изображает ран. Художник фокусирует внимание зрителя на ритмичном движении драпировок рясы — на картине царит смертельное спокойствие.

Сурбаран никогда не выезжал из Испании, но был знаком с современным европейским искусством. Он многое позаимствовал у итальянца Караваджо: например, контрастную светотень и живое, как бы случайное построение композиции.

Франсиско Сурбаран. Похороны святого Бонавентуры, 1629, Париж, Лувр

Эти приёмы Сурбаран демонстрирует в работе «Похороны святого Бонавентуры». Художник смело сочетает красный и белый цвет с золотом, не боится кадрировать фигуры. При этом сцена остаётся торжественной и величественной. Лик святого Бонавентуры — воплощение смерти в представлении Сурбарана. В этом изображении художник балансирует между реализмом и духовностью образа, сохраняет интерес к простоте настоящего и не забывает о необходимости условности и стилизации.

Натюрморты Сурбарана тоже торжественны: предметы расставлены, словно ритуальные объекты. Кажется, что до цветов и фруктов можно дотронуться — настолько реалистично они выписаны.

Каждый натюрморт наполнен христианскими смыслами и аллюзиями. Например, в «Натюрморте с лимонами, апельсинами и розой» изображены три предмета — это образ Святой Троицы, который легко считывали испанские зрители XVII века. Цветы розы и апельсина символизируют непорочность Богоматери.

Бартоломе Мурильо
1617–1682

В отличие от произведений Сурбарана, работах Мурильо нет высокодуховной силы и пафоса. Он предпочёл писать более «земные» и даже игривые образы.

 


Бартоломе Мурильо. Святое семейство с птичкой, около 1650, Мадрид, Прадо

Чаще всего это сцены из жизни Святого семейства. Святые изображены так, будто это обычные люди, которых художник застал за повседневными делами. Так Мурильо обращает внимание на человечность библейских сюжетов и делает героев писания ближе и понятнее для современников.

 

Бартоломе Мурильо. Автопортрет, 1668–1670, Лондон, Национальная галерея

Мурильо — мастер «обманок» и заигрываний со зрителем, которые были очень популярны в эпоху Барокко. В автопортрете художник представляет себя довольно серьёзно: портрет окружает строгая рама, текст под ней «выгравирован» на картуше, композицию обрамляет ордерная архитектура. При этом рука художника выходит за пределы рамы: это стирает границу между живописным произведением и реальностью.

 

Бартоломе Мурильо. Две женщины у окна, 1655–1660, Вашингтон, Национальная галерея искусства

В работе «Две женщины у окна» Мурильо тоже заигрывает со зрителем. Мы привыкли, что картина — объект, который мы изучаем и разглядываем. Художник превращает «объект» в действующее лицо. Девушки не просто смотрят на нас: они живо нами интересуются, и, судя по жестам, находят нас забавными. Такого точно не ожидаешь от «ненастоящего» изображения!

Рядом с полотнами Сурбарана работы Мурильо могут показаться лёгкими и простодушными. Мурильо придерживался другой линии барочного искусства и предпочитал пафосу и торжественности игру, обман зрения и театральность. Он обращался к простым человеческим чувствам — умилению, любопытству — при помощи передовых художественных средств.

Хусепе Рибера
1591–1652

Рибера одним из первых испанских мастеров отправился в Рим. Там он увидел работы Караваджо и стал использовать его приёмы: театрализованное освещение, нестандартные ракурсы, натуралистичность.

 


Хусепе Рибера. Аполлон и Марсий, 1637. Неаполь, Национальные Музей и Галерея Каподимонте

Всё это есть в работе «Аполлон и Марсий». По сюжету мифа сатир Марсий состязался с Аполлоном в игре на флейте и проиграл. За дерзость Аполлон подвесил сатира на дереве и содрал с него кожу — этот момент изображён на полотне. Плоть Марсия вскрыта, его лицо искажено криком, мышцы напряжены. Сатир подвешен вниз головой, показан в неклассической позе. Освещение резкое, как в картинах Караваджо.

Хусепе Рибера. Мученичество святого Варфоломея, около 1639, Мадрид, Прадо

В XVII веке в живописи стали популярны сцены мученичества святых. Такие сюжеты писал и Рибера, например, «Мученичество святого Варфоломея». Как и Марсий из мифа, апостол Варфоломей был освежёван: на картине изображён момент, предшествующий казни. В этой работе Рибера тоже натуралистично прописывает страдания героя, использует резкий свет и нестандартные ракурсы. Композиция раскрывает религиозный подтекст картины: фигура святого устремлена вверх, и его движение к смерти превращается в движение к небесам. Той же цели служит колорит: чистый цвет неба противопоставлен грязным оттенкам земного мира.

 

Хусепе Рибера. Хромоножка, 1652, Париж, Лувр

Рибера прожил в Италии почти всю жизнь, но часто обращался к темам и сюжетам испанского искусства. «Хромоножка» восходит к испанской традиции портретов придворных шутов и карликов. Но Рибера видит в модели не курьез или порождение порока, а воплощение подлинной жизни.

Хусепе Рибера — мастер экспрессивных и драматических композиций, он умело использовал современные ему средства итальянской живописи и караваджизма. Из испанской традиции он позаимствовал особый интерес к страданию, натурализму и человеческому телу.

 

Хосе де Рибера
Святая Инесса и ангел, укрывающий её покрывалом. 1641

 



Поделиться:




Поиск по сайту

©2015-2024 poisk-ru.ru
Все права принадлежать их авторам. Данный сайт не претендует на авторства, а предоставляет бесплатное использование.
Дата создания страницы: 2020-12-27 Нарушение авторских прав и Нарушение персональных данных


Поиск по сайту: