1. Западноевропейская культура. ХХ век. Культурная революция.
В XX веке научно-технический прогресс неузнаваемо преобразил человеческое общество. В первой половине столетия возникло массовое (поточное) производство, которое заполнило прилавки магазинов так называемым ширпотребом — предметами широкого потребления, которые отличались невысоким качеством и низкими, доступными всем ценами. Началась широкомасштабная стандартизация производства и потребления, вкусы и предпочтения людей все больше дезиндивидуализировались. На историческую сцену вышел массовый потребитель, массовый автомобиль, массовое сознание, наконец, массовая культура.
Главная же идея, к которой приходит культура Западной Европы второй половины XX века, и которая, вероятно, будет доминировать в культурной парадигме XXI века — это ценность всякой культуры, равноправность существования и развития этих культур, если они несут в себе гуманистические ориентиры.
Для культуры Западной Европы второй половины XX века важна идея плюрализма культур. В многообразии культурных традиций видится достоинство и высшая ценность ее существования.
Культура Западной Европы второй половины XX века подвела человечество к осознанию необходимости преодоления евроцентристских подходов, колониальных по сути принципов отношения к культурам разных народов. На повестку дня встал вопрос осознания многоцентричности культуры, представляющей широчайший спектр разных культур. Многоцветие культур — это величайшая ценность человечества.
Культурная революция - движение по изменению массового сознания. Примерами являются культурные революции в СССР 20-30 гг, Китае конец 60-х, на западе также конец 60-х.
Происходит смена ценностных моделей. Разрушение христианских ценностей (отношения между полами, к детям) и смена их новой парадигмой, образцом нового сознания.
В конце 60-х студенческая революция во Франции, появление молодежных движений.
Еще один пример, 2-й Ватиканский Собор, отказ от латыни, так католичество становится более модернистической религией.
Переход от индустриального к постиндустриальному обществу
Во второй половине столетия развитые страны все активнее отказывались от конвейеров, из моды вышло стандартное потребление, стали популярными индивидуальность и непохожесть людей, предпочтительными ценностями считались политический плюрализм, культурное многообразие. Экономика от серийного, поточного производства перешла к мелкосерийному и индивидуальному, по соседству с крупными транснациональными корпорациями расцвел малый бизнес и венчурные фирмы, от громоздких бюрократических структур предприятия и учреждения перешли к гибким матричным организациям.
Наступила эпоха безлюдного производства. Главными героями стали «белые воротнички» — работники, занятые в автоматизированном производстве, научных и прикладных разработках, а также в сфере информации. Возникла особая форма занятых — «компьютерные надомники», которые нажимают на клавиши сверхточных машин и оперируют огромными потоками информации.
Таким образом, первая и вторая половина XX века — две качественно различающиеся социокультурные эпохи. В первой половине произошли две мировые войны, во второй — ни одной. Ядерная опасность, нависшая над всей планетой, заставила ощутить хрупкость человеческого существования, привела к формированию не виданного доселе типа мировоззрения, который называют планетарным мышлением. В его основе лежат вполне объективные процессы — переход наиболее развитых стран в 70-е годы из эпохи индустриального общества в постиндустриальную эпоху, которую также именуют «кибернетическим» и «информационным обществом». Персональные компьютеры, автоматическая обработка текста, кабельное телевидение, видеодиски и записывающие устройства шагнули из научных лабораторий в повседневный быт людей.
Каждый год информация в мире удваивается и утраивается, появляются все новые информационные каналы.
XX век называют самым динамичным за всю историю человечества. Процессы обновления, или модернизации, затронули все страны мира и каждого человека в отдельности. Ученые придумали теорию модернизации, а художники — новый стиль в искусстве, названный модернизмом.
Модернизм и постмодернизм
Модернизм характеризует преимущественно культуру первой половины XX века, зрелое индустриальное общество, где главенствуют рационализм, урбанизация, «искусство для искусства», а постмодернизм обозначает совершенно новую культурную ситуацию, сложившуюся во второй половине и в конце XX столетия в постиндустриальных странах. Ей присущи такие черты, как отход от рационалистических схем, отказ от догмы единого для всех стран капиталистического пути развития, признание плюрализма, разнообразия культур, единение с природой и защита окружающей среды, планетарное мышление и др. Постмодернизм возник в 70-е годы и представляет собой полную противоположность модернизму с его требованиями функциональности как всего объекта, так и его частей.
Постмодернизм — исторически новый тип культуры, который проявляется в философии, науке, искусстве. Его основополагающим принципом является свободное сочетание выразительных средств, а также плюрализм идей, мнений, точек зрения и конкретный гуманизм. В науке это проявляется в применении конкурирующих примеров, низвержении иерархии методов научного познания, признании их принципиальной плюралистичности, в установке на взаимодополняемость прикладного, рационально-спекулятивного и религиозно-мифологического знания.
В истолковании природы общества постмодернистское мышление устанавливает (взамен господствовавшей структурно-функциональной модели) модель анархо-синдикалистеской множественности «самоотнесенных» сознаний и общественных организмов. Формируется новый «персоноцентристский» этнос, отстаивающий принципиальную равноправность (и равноценность) индивида, социальной группы, общества в целом. В художественной культуре происходит отказ от канонизации единого эстетического стандарта, устанавливается плюрализм эстетических ценностей, художественных методов и стилей.
КРАТКО о течениях:
Понятие модернизма характеризует преимущественно культуру первой половины XX века, зрелое индустриальное общество, где главенствовали рационализм, урбанизация, «искусство для искусства», а понятие «постмодернизм» обозначает совершенно новую культурную ситуацию, сложившуюся во второй половине XX столетия в постиндустриальных странах. Ей присущи такие черты, как отход от рационалистических схем, отказ от догмы единого для всех стран капиталистического пути развития, признание плюрализма, разнообразия культур, единение с природой и защита окружающей среды, планетарное мышление и др.
Модернизм (авангардизм)связан с отходом культуры от реализма, с провозглашением независимости искусства от действительности.
Экспрессионизмпровозгласил единственной реальностью субъективный мир человека, выражение которого стало главной целью искусства.
Кубизм (термин «кубизм» был впервые использован в 1911 году) это авангардистское течение (П. Пикассо, Ж. Брак, X. Грис, Ф. Пикабиа, М. Дюшан, Р. Делоне, Ф. Леже и др.) выдвинуло на первый план формальные эксперименты — конструирование объемной формы на плоскости, выявление простых устойчивых геометрических форм (куб, конус, цилиндр), разложение сложных форм на простые. Отличительное свойство кубизма — максимально возможное разрушение законов перспективы, начатое еще импрессионистами. Предмет определяется не по его положению в пространстве, а по тому, в какой степени его можно представить с разных точек зрения.
Футуризм — отрицание традиционной культуры культивировал эстетику урбанизма и машинной индустрии.
Дадаизм— авангардистское литературно-художественное течение в 1916—1922 годах. Дадаизм выразил себя в скандальных выходках — заборных каракулях, псевдочертежах, комбинациях случайных предметов. Антивоенное, антинационалистическое, антиконформистское течение, дадаизм был направлен против всего на свете, даже против себя. Само название «дада» не имеет никакого смысла.
Сюрреализм— одно из ведущих направлений в искусстве XX века, провозгласившее источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом — разрыв логических связей, замененных свободными ассоциациями: «Красота — это случайная встреча швейной машинки и зонтика на анатомическом столе».
ПОДРОБНО о течениях (для желающих)
Модернизм. «Модерн»
Рассмотрим культурную ситуацию первой половины XX века, которая складывалась под знаком модернизма. Его искусствоведы понимают двояко — в широком и узком смысле. В первом он обозначает всю совокупность художественных течений, школ и направлений начала XX века, выразивших отход от культурных ценностей XVIII—XIX веков и провозгласивших новые подходы и ценности. Фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, абстракционизм, дадаизм, сюрреализм — таков далеко неполный список направлений художественного поиска в начале XX века.
В узком смысле модерн обозначает только одно направление в искусстве. В таком случае его название берут в кавычки. «Модерн» (фр. moderne — новейший, современный, ар нуво, югендстиль) — стилевое направление в европейском и американском искусстве конца XIX — начала XX века. Новое направление распространилось по всей Европе и в первую очередь за-тронуло архитектуру и декоративное искусство. Представители «модерна» использовали новые технико-конструктивные средства, свободную планировку, своеобразный архитектурный декор для создания необычных, подчеркнуто индивидуализированных зданий (X. Ван дер Велде в Бельгии, Й. Ольбрих в Австрии, А. Гауди в Испании, Ч.Р. Макинтош в Шотландии, Ф.О. Шехтель в России). В Италии его называли растительным стилем или «либерти», в Великобритании — стилем «модерн», в Испании — модернизмом, в Бельгии — стилем Велде, в Австрии — сецессионом, в Германии — югендстилем. Стиль «модерн» возник как реакция на эклектизм и безжизненное копирование исторических стилей прошлого. Для модерна характерны гибкие текучие линии, стилизованный растительный узор. Эксцентричный декоративный стиль использовался для отделки крупных магазинов, которые в это время начинают строиться в больших городах Европы и Америки, и всемирных выставок, символизируя таким образом процветание и могущество торговли.
Когда говорят о широком значении модернизма, то употребляют также термин «авангардизм». Иными словами, упомянутые течения можно именовать либо модернистскими, либо авангардистскими. Авангардизм (авангард) — собирательное название для тех художественных тенденций, которые являются более радикальными, чем художественный стиль «модерн». У этого термина, в отличие от модернизма, одно значение.
Модернизм (авангардизм) связан с отходом культуры от реализма, с провозглашением независимости искусства от действительности. Выступления художников-модернистов принимали зачастую форму анархического эстетического бунта против установившихся традиций и канонов в искусстве. Авангард обозначал идущих впереди всех, т. е. экспериментирующих с художественным материалом, создающих новые, ни на что не похожие стиль, язык, содержание в изобразительном искусстве. Революции и войны, в которые втягивается весь мир, не препятствуют экспериментам и поискам нового. Происходит пересмотр прежних представлений о красоте, цвете и пространстве. Париж становится местом паломничества для художников со всего мира. Вкус к резкой, разрушительной деформации оказался знаменем нового века.
Фовизм
Первую треть XX века называют периодом художественной революции. Одну из них произвело появление фовизма (от фр. fauve — дикий). Ироничное прозвище «диких» критика дала молодымживописцам, чьи картины, в несколько агрессивной цветовой гамме, были выставлены в парижском Осеннем салоне 1905 году. Новое течение во французской живописи просуществовало недолго — с 1905 по 1907 год. Оно объединило в своих рядах достаточно крупных мастеров, А. Матисса, А. Марке, Ж. Руо, А. Дерена, Р. Дюфи,. М. Вламинка. Пронзительные цвета, притягивающие этих художников, отталкивали одних и, напротив, привлекали других, вызвав волну подражаний.
Экспрессионизм
Экспрессионизм (от лат. expressio — выражение), просуществовавший дольше фовизма (первая четверть XX в.), возник, как и фовизм, в 1905 году, но охватил и литературу, и изобразительное искусство. Наиболее ярко он проявил себя в культуре Германии и Австрии (писатели Г. Кайзер, и В. Газенклевер в Германии, Ф. Верфель в Австрии, художники Э. Нольде, Ф. Марк, П. Клее в Германии, О. Кокошка в Австрии, австрийские композиторы А. Шенберг, А. Берг, немецкие кинорежиссеры Ф.В. Мурнау, Р. Вине, П. Лени). Единственной реальностью экспрессионизм провозгласил субъективный мир человека, выражение которого стало главной целью искусства. Экспрессионизм стремился передать напряженность человеческих эмоций, гротескную изломанность, иррациональность образов. К экспрессионизму стали впоследствии относить несколько художественных группировок.
Первой была основанная в Дрездене художником Эрнстом Людвигом Кирхнером (1880—1938) группа «Мост». Он создавал произведения, где динамичное, «пульсирующее» пространство сочетается с резкими, нервными контрастами цвета. В кругу экспрессионистов были часты религиозные настроения, граничащие с мистикой. В картине Эмиля Нольде (1867—1956) «Поклонение волхвов» огрубленные формы, чудовищные лица, налет чертовщины, следование цветовой символике (синий — цвет бесконечности) возникли из увлечения художника работами средневековых мастеров.
Вторая группа — «Синий всадник» возникла в 1911 году в Мюнхене и просуществовала до 1914 года. Ее главой считают художника Франца Марка (1880— 1916), погибшего в начале Первой мировой войны. Его динамичные, напряженные по колориту мистико-символические картины выражают неприятие действительности, настроения тревоги («Судьба животных», 1913). Члены «Синего всадника» (Ф. Марк, В. Кандинский, П. Клее, А. Макке) разрабатывали проблемы живописно-декоративной и чисто колористической выразительности, тяготели к абстрактным композициям.
Кубизм
Одним из направлений, явившимся своеобразной реакцией на фовизм (наряду с экспрессионизмом), стал возникший во Франции в 1906 году кубизм (фр. cubisme, от cube — куб). Термин «кубизм» был впервые использован в 1911 году. Его родоначальниками явились Жорж Брак (1882—1963) и Пабло Пикассо (1881 —1973). Это авангардистское течение (П. Пикассо, Ж. Брак, X. Грис, Ф. Пикабиа, М. Дюшан, Р. Делоне, Ф. Леже и др.) выдвинуло на первый план формальные эксперименты — конструирование объемной формы на плоскости, выявление простых устойчивых геометрических форм (куб, конус, цилиндр), разложение сложных форм на простые. Отличительное свойство кубизма — максимально возможное разрушение законов перспективы, начатое еще импрессионистами. Предмет определяется не по его положению в пространстве, а по тому, в какой степени его можно представить с разных точек зрения. Кубизм знаменовал радикальный поворот от описания реальности к ее полному пересозданию, геометрические формы призваны были обнажить некие изначальные «прототипы» человеческих фигур, вещей и мира природы.
Первая стадия кубизма (1907—1913) получила название «аналитической». В этот период изображения кубистов дробятся на мелкие плоскости, объемность вообще не принимается в расчет, а объем существует как бы параллельно плоскости изображения. В 1907 г. Пикассо создает композицию «Авиньонские девицы» — большое панно, изображающее сцену в борделе: розовые фигуры персонажей геометризированы, лица написаны в штриховой манере, имитирующей приемы африканских скульпторов. Вызывающе грубая, с нарочито деформированными фигурами, «Авиньонские девицы» произвела сенсацию, поощрив других художников к более смелым экспериментам. Эта картина радикально изменила ход истории искусства XX в. В 1912годупоя-вился коллаж, оказавший большое влияние на развитие всей живописи XX века. Коллаж позволял строить композицию совершенно произвольно.
С 1913 года начинается «синтетическая» стадия, когда появляется большее внимание к цвету, преобладают натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п. — атрибуты, присущие образу жизни художественной богемы начала века. В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имен возлюбленных, названий улиц, кабачков. В «синтетический» период появляется стремление к более гармоничным цветам и уравновешенным композициям.
Постепенно Пикассо отходит от кубизма, с 1914 года у него проявляется интерес к точным контурам и пластическим формам. При этом в творчестве мастера сохраняется тенденция к одновременным поискам в разных направлениях. Так, в середине 20-х годов он испытывает влияние сюрреализма, продолжает активно заниматься скульптурой. В 1937 году Пикассо создает знаменитую «Гернику», посвященную жертвам гражданской войны в Испании.
В 1944 году Пикассо становится членом Французской компартии, в 1950-м он рисует знаменитого «Голубя мира». Позже Пикассо много работает как график, скульптор, керамист. Его творчество оказало громадное влияние на художников всех стран.
Абстракционизм
Разрабатывая принципы кубизма, Пикассо и Брак не дожили до полной абстракции, сохранив, хотя и слабую, связь между живописным изображением и реальными объектами. Их новации довели до логического завершения другие художники — Василий Кандинский (1866—1944), Казимир Малевич (1878—1935) и Питер Мондриан (1872— 1944). Язык их живописи становится совершенно беспредметным. Кандинский заканчивает юридический факультет, его ожидает университетская карьера, но он неожиданно покидает Россию и переезжает в Мюнхен (1896). Первым среди всех он дает теоретическое обоснование нового метода в живописи, ут-верждая, что главная цель искусства заключается в выражении внутреннего мира художника. К этой позиции присоединяются трое немецких живописцев-экспрессионистов (Франц Марк, Август Макке и Пауль Клее), основавших в Мюнхене вместе с Кандинским группу «Синий всадник». Как и Кандинский, К. Малевич отказался от изображения предметного мира, избрав в качестве альтернативы сочетание геометрических форм, которые, по его убеждению, утверждали интеллектуальное превосходство человека над природой. Его супрематические картины «Черный квадрат» (1915), «Белый квадрат на белом фоне» (1918) — зрелое выражение абстракционизма.
Благодаря творчеству русских художников в мировой культуре появился новый вид — абстрактное искусство. Его называют беспредметным и нефигуративным. Сложилось несколько его вариантов: геометрическая абстракция, абстрактный экспрессионизм, информель, ташизм, постживописная абстракция.
Футуризм
Футуризм (от лат. futurum — будущее) — авангардистское направление в европейском искусстве 1910—1920-х годов, преимущественно в Италии и России. Стремясь создать «искусство будущего», футуризм декларировал (в манифестах и художественной практике итальянского поэта Ф.Т. Маринетти, российских кубофутуристов из «Гилеи», участников «Ассоциации эгофутуристов», «Мезонина поэзии», «Центрифуги») отрицание традиционной культуры культивировал эстетику урбанизма и машинной индустрии. В первом «Манифесте футуризма» (1909) Маринетти заявлял, что мчащийся автомобиль производит на него гораздо большее впечатление, чем любая классическая скульптура вроде Ники Самофракийской. Культ машины действительно стал символом итальянских художников. Современная техника, ее динамизм и экспрессия, по мнению художников, бросали вызов образцам и идеалам прошлого. Переняв приемы, отработанные кубистами, художники-футуристы воспевали в своих картинах и скульп-турах динамику и грохот современного индустриального города. Футуристы заложили основу возникновения дадаизма, а их художественная программа перекликалась и с экспериментами русских авангардистов.
Дадаизм
Дадаизм (фр. dadaisme, от dada — конек, деревянная лошадка; детский лепет), как и футуризм, представляет авангардистское литературно-художественное течение в 1916 — 1922 гг. Дадаизм, сложившийся в Швейцарии (А. Бретон, Т. Тцара, Р. Гюльзенбек, М. Янко, М.Дюшан, Ф. Пикабия, М. Эрнст, Ж.Арп), выразил себя в скандальных выходках — заборных каракулях, псев-дочертежах, комбинациях случайных предметов. Антивоенное, антинационалистическое, антиконформистское течение, дадаизм был направлен против всего на свете, даже против себя. Само название «дада» не имело никакого смысла. Дадаист-писатель пронизывал свои не поддающиеся пониманию песни криками и рыданиями. Поэт-дадаист «писал» стихи, вырезая слова из газет, перемешивая их, а затем вытаскивая из общей кучи, не глядя.
После окончания войны многие дадаисты покинули Цюрих. Одни уехали во Францию, другие в Германию. В Кельне Макс Эрнст организовал выставку, попасть на которую можно было, лишь пройдя через общественный туалет (1920). Анархичное и спонтанное по своей сути, течение дадаизма утверждало бессмысленность и бесполезность войны. В 20-е годы дадаизм во Франции слился с сюрреализмом, в Германии — с экспрессионизмом.
Сюрреализм
Сюрреализм (фр. surrealisme, букв. — сверхреализм) — одно из ведущих направлений в искусстве XX века, провозгласившее источником искусства сферу подсознания (инстинкты, сновидения, галлюцинации), а его методом — разрыв логических связей, замененных свободными ассоциациями. Сюрреализм сложился в 20-х годах, развивая дадаизм. С 30-х годов (художники С. Дали, П. Блум, И. Танги) главной чертой сюрреализма стала парадоксальная алогичность соче-тания предметов и явлений, которым виртуозно придается видимая предметно-пластическая достоверность.
Под влиянием идей французского писателя Андре Бретона (1896—1966) внутри группы парижских дадаистов позднее сформировалось новое художественное течение — сюрреализм. В «Манифесте сюрреализма» А. Бретон (1924) утверждал, что личность обретает свободу лишь в интуитивных психических актах, подавляемых обществом. Бретон признает, что многим обязан не только Фрейду и его толкованию сновидений, но и графу Лотреамону, который еще в прошлом веке писал, что «красота — это случайная встреча швейной машинки и зонтика на анатомическом столе». Эта фраза стала девизом сюрреалистов.
Творчество одного из самых ярких представителей сюрреализма испанского живописца Сальвадора Дали (1904— 1989), отмечено безудержной фантазией и виртуозной техникой исполнения. В своих картинах — ((Постоянство памяти» (1931), «Пылающий жираф» (1935), «Предчувствие гражданской войны в Испании» (1936), «Осенний каннибализм» (1936), «Сон, вызванный полетом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» (1944), «Атомная Леда» (1947) и др. — Дали с необычной фантазией соединяет, кажется, несоединимое и создает парадоксальные образы: расплавившиеся часы, телефон-аппарат с трубкой в виде лангуста, диван-губы, рояль, свисающий словно драпировка, и т. п. Обращаясь к сфере подсознательного, интересуясь эротикой, неосуществленными желаниями, игрой воображения, Дали стремится объективировать видения (метод «паранойи»), дать тотальное описание безумия. Использует он и прием «исчезающих образов», которые как бы растворяются в окружающем пространстве. Поми-мо живописи Дали изготовляет многочисленные сюрреалистические объекты (жакет, обшитый стаканами, манекены у рояля и в такси, гипсовые муляжи, варварски раскрашенные или перетянутые веревками и т. п.). Дали всегда отличался причудливой манерой поведения, постоянно меняя экстравагантные костюмы и фасон усов. В 1974 году, вложив все свои средства, Дали построил «Театр-музей Дали», в котором он и погиб во время пожара, пребывая в полном одиночестве и не желая покинуть дом.
Бельгийский художник Рене Магрит (1898—1967), один из крупнейших представителей сюрреализма, в своих картинах нарочито разрушает пропорции, подобно Дали, совмещает несовместимые предметы или вообще выворачивает образы наизнанку — например, русалка изображена у него как существо с ногами человека и телом рыбы. Его оригинальность проявляется в смеси «черного юмора» и традиционного видения предметов. Картины Магрита основаны на эффекте отстранения вещи от ее привычного смысла («Это не трубка», — предупреждает надпись на его композиции 1930 года, где изображена именно курительная трубка). В его образах предметы и персонажи на глазах превращаются в метафоры, не теряя четкой предметной узнаваемости.
Другие художники — X. Миро и И. Танги — экспериментируют с техникой автоматического письма, посредством которого подсознание непосредственно выражает себя на бумаге, или создают фантастические биоморфные формы, иногда довольно пугающие. Испанский живописец, скульптор, график Хуан Миро (1893— 1983) с особенной утонченностью имитировал наивность детского рисунка, обращаясь к алогичным ситуациям и формам («Женщина и птица в лунном свете», 1949). Французский художник-самоучка Ив Танги (1900—1955) завоевал известность своими фантастическими пейзажами, где реальные мотивы океанских далей и берегов сочетаются с миром странных существ и форм, подобных ожившей морской гальке. Произведения Танги представлены в большинстве крупных музеев современного искусства.
2. Культура Западной Европы в Средние века. Художественная культура. (Романика и Готика).
Романика
Термин «романский стиль» ввёл в начале XIX века Арсисс де Комон, для обозначения архитектуры периода XI—XII веков. Основной вид искусства романского стиля — архитектура, преимущественно церковная (каменный храм, монастырские комплексы).
В культовом зодчестве дерево в перекрытиях базилик заменяется камнем. Чтобы нейтрализовать давление свода на стены и распоры, появляются массивные стены и столбы, проемы делаются редкими и узкими. В этот период окончательно складывается тип феодального замка. Он стоит на возвышенном месте, удобном для наблюдения и обороны. Основное жилище сеньора – башня донжон, так же и последнее убежище защитников замка. С 12 века он заселятся только на время осады. В комплекс замка входят также капелла и различные хозяйственные постройки. С развитием торговли и ремесла возрастает роль городов. Они обносятся мощными стенами, укрепляются рвами, у мостов и главных ворот стоит стража. Города растут скученно: дома высятся в несколько этажей, причем верхние нависают над нижними. Но с 12 века начинается регулярная планировка. В центре города размещается главная площадь (рыночная площадь), на которую выходи собор и позднее ратуша. Обычно город заселяется по профессиям: квартал оружейников, аптекарей… По требованию церкви искусство (живопись, скульптура) использовали не только как «евангелие для неграмотных», но и как средство устрашения. Отсюда и новые сюжеты: обязательный страшный суд, апокалипсические видения, страсти христовы, жития святых…
Франция. Больше всего памятников романской архитектуры во Франции. Тут зародились монументальная скульптура и живопись, сложился законченный стиль романской архитектуры. Церкви, построенные в основном на дорогах к святым местам, были огромны по размеру, чтобы вмещать большое число людей. Это трех-пятинефные храмы с тренсептом.
Во Франции романскому стилю были присуще:
· Монументальность композиции – бургундская школа (церковь Клюни в Тулузе); (*)
· Богатство скульптурного декора – школа Пуату (церковь Нотр-Дам в Пуатье – весь западный фасад от портала до верха покрыт скульптурной резьбой);
· Скульптурный декор порталов – школа Прованса (церковь Сен-Трофим в Арле) - маленькие по размерам, однонефные, трехнефные храмы Прованса всегда богато украшены скульптурной резьбой. В портале часто встречаются мотивы классической архитектуры – коринфские капители, античные орнаменты)
· Строгий декор, ясность членений – Нормандская школа (церковь Ла-Трините в Кане). Нормандские храмы лишены всякого декора, имеют хорошо освещенные нефы и высокие башни, а их облик скорее напоминает крепости, чем церкви.
(*) Аббатство Клюни – центр орден бенедиктинцев. Бен. монастыри были центрами латинской образованности, высокого художественного ремесла и книжной миниатюры. Известно. Что клюнийские архитекторы еще в 12 веке стали вводить стрельчатую арку и нервюрный свод. В это время был еще один монашекий орден – орден цистерианцев (он также назывались бернардинами). Но их церкви были попроще бенедиктинских, они осуждали бен. за их страсть к великолепию.
В Германии выделялись:
· Саксонская школа (Церковь св. Михаила в Гильдесгейме)
· Рейнская школа (грандиозные соборы в Шпейере, Майнце, Вормсе).
Немецкие церкви с толстыми стенами, узкими окнами и приземистыми конически завершенными башнями по углам западного фасада и апсидами как с восточной, так и с западной стороны имели суровый и строгий вид и немного походили на крепости. Пожалуй, самый яркий пример – Собор в Вормсе. Обратите внимание на «пояски» под карнизами, они являются своеобразным украшением и немного смягчают общую строгость собора.
В Италии элементы романского стиля развивались в следуюших школах:
· Ломбардская школа – церковь Сант-Амброджо в Милане, соборы в Модене, Парме;
· Тосканская школа – соборный комплекс в Пизе;
В Италии романское искусство развивалось иначе. Ощущается связь с античностью. Отсюда и чувство меры и соразмерности человеку. Итальянские церкви просты в плане, имеют изящные клуатры, отдельно стоящие колокольни и баптистерии, по фасаду часто располагаются аркады.
Лучший пример – соборный комплекс в Пизе (собо, наклонная башня, баптистерий и кладбище). Собор пятинефный с трехнефным трансептом. Внутри возникает ощущение огромного пространства благодаря использованию арок и чередованию белого и чёрного мрамора.
В Испании все сложилось иначе. История испанского средневекового искусства – это история становления молодой художественной культуры, формирующейся в непрестанной борьбе народа за свое освобождение (вспомним Реконкисту). Самым знаменитым строением пожалуй является Собор Сантьяго-де-Компостела (самый крупный в Испании). Сюда стекаются паломники со всего света, тк тут покоятся мощи святого апостола Иакова. Достопримечательность собора – самое большое в мире кадило «ботафумейро» размером с человеческий рост, подвешенное прямо с потолка (его раскачивают 8 служителей в красных одеждах).
Готика
Термин Готика возник в эпоху итальянского Возрождения как выражение пренебрежения к искусству тех варварских племен, которые еще в 5-7вв заселили Западную Римскую империю и с которыми ассоциировался у итальянцев последний период Средневековья. Реабилитировали его только романтики в начале 19в.
Именно 13-15вв являются периодом расцвета средневековой культуры: светской литературы и поэзии (песни труверов, трубадуров, миннезингеров), театрального искусства, музыки (на смену унисону пришло многоголосие церковных хоровых гимнов), миниатюры.
Готическое искусство преимущественно связано с городом: появляются новые типы зданий — биржа, таможня, ратуша...
Готический храм
Тип — базилика. Нервюрный свод (дает возможность перекрывать большие и сложные пространства из-за того, что нервюры сходятся в пучки на опорных столбах. Теперь вся тяжесть свода сконцентрирована на столбах, в романике — на стенах). Аркбутан — наружная каменная полуарка, передающая распор свода главного нефа опорным столбам — контрофорсам, расположенным за пределами основного объема здания. Стрельчатая арка также уменьшает нагрузку на стены: чем она выше и острее, тем меньше распор. Идея — мнооого света (как сказал Зверев, от этой идеи, впустить свет, и пошли все конструктивные изменения). Так как соборы, церкви стали выше, нагрузка на стены минимальная, появились окна, а в окнах — витражи — живопись из кусков стекла (или по стеклу красками) в свинцовой обводке. Готика была полихромной — витражи цветные, стены и скульптуры — все раскрашивалось. Снаружи всем была подчеркнута вертикаль, устремленность ввысь.
Ахритекторы использовали специальные альбомы образцов (как прописи у древнерусских иконописцев и миниатюристов), в них был определенный набор архитектурных и скульптурных деталей. Но чрез эти каноны все равно проступала индивидуальность мастера.