Утрату ценностных ориентиров, характерную для культуры ХХ в., легче всего проследить в изобразительном искусстве. Все авангардистские течения имеют одно общее: они отказывают искусству в прямой изобразительности, отрицают познавательные функции искусства. За отрицанием изобразительных функций неизбежно следует и отрицание самих форм, замена картины или статуи реальным предметом. Отсюда совершенно закономерное появление таких направлений в искусстве, как поп-арт.
Сложности развития художественной культуры ХХ в. ярко прослеживаются на примере искусства Франции. Уже с самого начала ХХ в. обозначился отход от реализма. Родиной фовизма, кубизма, дадаизма, сюрреализма, абстракционизма стала Франция.
В 1905 г. на выставке в Париже Анри Матисс, Жорж Руо, Анде Дерен и несколько других экспонировали свои произведения, которые за резкое противопоставление необыкновенно ярких цветов и нарочитую упрощенность форм критика назвала произведениями «диких» – les fauves, а все направление получило название «фовизм». Самым талантливым из фовистов был Анри Матисс. В поисках повышенной интенсивности яркости и силы цвета, чистого и звучного, пришел к упрощенности форм. Интересуясь чисто формальными задачами, прежде всего живописными, он отказался от сюжетной повествовательности. Предметом его изображений стали самые простые мотивы: пестрые ткани и кресла, цветы, обнаженное и полуобнаженное тело. В его полотнах почти нет объема, пространство лишь намечено. Композиция чаще всего строится на контрасте цветов. Линии рисунка всегда лаконичны и изысканы. Однако упрощенность формы вовсе не исключает передачи метко подмеченных характерных жестов, поз, состояний («Танец», «Музыка» – 1910 г. по заказу московского собирателя новой живописи Щукина П.И.). Цвет основное выразительное средство в полотнах художника. Он раскрывает сложные взаимосвязи цветов, работает над цветовым утонченным сочетанием, особенно в 1920-30-х гг., прослеживается тяготение к монументальному изображению.
Особое место среди французских художников начала ХХ в. занимает Амедео Модильяни. Многое роднит его с Матиссом – лаконизм линии, четкость силуэта, обобщенность формы. Но у него нет монументализма, его образы много камернее, интимнее, линия Модильяни обладает необычайной красотой. Обобщенный рисунок передает хрупкость и изящество женского тела, гибкость, особую характерность мужской позы. Модильяни можно узнать по особому типу лица: близко посаженные глаза, лаконичная линия маленького рта, четкий овал и т.п.
Искусство ХХ в., особенно его начала, знает ряд художников-одиночек, которые не примыкали ни к какому направлению, как например, Морис Утрилло, певец французских улиц, улочек и площадей Монмартра, парижских окрестностей.
Среди авангардных направлений начала ХХ в. одним из самых сложных и противоречивых является экспрессионизм. Как направление оно сложилось в Германии. Его идеолог Кирхнер считал экспрессионизм направлением, специфически свойственным германской нации. Полный отказ от иллюзорного пространства, плоскостная трактовка предметов, несгармонированные сочетания, излюбленные персонажи – проститутки, преступники, душевнобольные – такова мрачная поэтика эмпрессионистов. Для него характерны почти отталкивающая деформация, угнетающий пессимизм, свидетельствующий о растерянности и душевной опустошенности. Драматическую подавленность человека в мире стремились передать такие представители этого направления, как Эдвард Мунк, Отто Дикс и т.д.
Экспрессионизм оказал влияние на многих художников, и влияние его продолжается и в наши дни на мастеров, которые хотят выразить свое неприятие уродливого современного мира, вопль боли, по-своему понимая возможности искусства.
Становление другого направления авангардизма – кубизма – связано с творчеством французских художников Брака и Пикассо. Как и экспрессионисты, кубисты отказались от иллюзорного пространства, от всякого намека на воздушную перспективу, поставив во главу угла строгую, построенность предмета, представленного на плоскости открытым для обзора со всех сторон. Кубисты любили подчеркивать, что они пишут не как видят, а как знают, причем в соответствии с современным развитием естественных наук.
Началом кубизма можно считать появление произведения Пикассо «Авиньонские девушки», в котором еще есть некоторая сюжетность, но нет воздушной перспективы, фигуры деформированы. Композиция строится на нарочито разной моделировке разных частей
Постепенно складываются основы кубизма. Формы предметного мира разрушаются, человеческая фигура превращается в сочетание вогнутых и выгнутых плоскостей, изображение статично (Пикассо «Три женщины»).
Наиболее последовательно кубизм проявился и в творчестве Жоржа Брака. Брак в свои композиции всегда изысканной гаммы серых, желтых, зеленых, коричневых тонов вводит аппликации, подлинные куски бумаги или дерева, внося тем в абстрактную в общем форму элемент реального мира. Например, в его «Арии Баха», плоскостно трактованные черные и коричневые геометрические формы, лишь отдаленно напоминают скрипку, клавиши рояля, ноты, должны передавать зрителю в образах образы музыкальные. Предметность формы здесь еще сохранена, но вскоре она превратиться в изобразительный знак-символ, уточняющий сюжет.
Первым откровенно враждебным реализму направлением стал футуризм. Родина футуризма – Италия, поэтому больше всего футуристов среди итальянских художников: У. Боччони, К. Карра, Дж. Балла, Дж. Северини и др. Они стремились к созданию искусства – апофеоза больших городов и машинной индустрии. В творчестве футуристов натуралистические детали совмещаются с отвлеченными линиями и плоскостями, воспроизведенными на холсте. Предмет разложен на плоскости, движение расчленено на элементы. Деконструктивность, алогичность композиции, дисгармония цвета характерны для футуристических полотен (Боччони «Состояние души», Балла «Выстрел из ружья»).
Наиболее крайняя школа модернизма – абстракционизм, сложился как направление в 10-х гг. ХХ столетия. Одним из основоположников его является Пит Мондриан, который считал, что «чистая пластика создает чистую реальность». Он провозгласил создание универсального образа мира посредством прямоугольников разного цвета, отделенных друг от друга жирной черной линией. Так появились бесчисленные композиции без названия, под номерами или буквами. Мондриан был буквально одержим культом равновесия вертикалей и горизонталей.
Другим основоположником абстракционизма был Василий Кандинский. Его картины представляли собой красочные полотна, в которых бесформенные пятна интенсивного цвета в красивых сочетаниях пересекаются с кривыми или извилистыми линиями, иногда напоминающими иероглифы. Но в них уже нет мрачности Мондриана. В начале 20-х гг. В. Кандинский увлекся так называемым геометрическим абстракционизмом.
Третьим основоположником абстрактной живописи стал Казимир Малевич. Он соединил импрессионистический абстракционизм Кандинского и геометрический абстракционизм Мондриана в изобретенном им супрематизме. Он создал свою собственную систему абстрактной живописи, выраженную им в картине «Черный квадрат», назвав эту систему «динамический супрематизм» (иногда супрематизм называют еще «минимализмом»).
Абстракционизм в скульптуре выразился меньше, чем в живописи. Здесь наблюдаются две тенденции: так называемое «объемное направление» (интерес к соотношению отвлеченных объемов – К. Бранкузи, Г. Арп) и «новое пространство» (решение новых пространственных отношений – Н. Габо, А. Певзнер).
Еще одним модернистским течением стало «искусство дада». Дадаизм – самое хаотичное, пестрое, кратковременное, лишенное всякой программы выступление авангардистов. Дадаисты выставляли на выставках разнообразные коллажи (например, наклеенные на холст опилки, окурки, газеты и т.д.), в которые был как-то даже включен фонтан в виде писсуара. Демонстрация обычно сопровождалась «музыкой» битья в ящики, банки с танцами в мешках. За всем этим «художественным хулиганством» было отрицание всех духовных ценностей, законов морали, этики, религии, утверждение хаоса и произвола, безудержный нигилизм, желание эпатировать, истерическое ниспровержение всех основ нравственности.
Сюрреалистическое направление в искусстве родилось как философия «потерянного поколения». Теория сюрреализма строилась на философии интуитивизма Анри Бергсона (интуиция – единственное средство познания истины, ибо разум здесь бессилен и акт творчества имеет иррациональный, мистический характер), на философии идеализма Вильгельма Дильтея, проповедующего роль фантазии и случайного в искусстве, и на философии Зигмунда Фрейда с его учением о психоанализе, с культом «бессознательного» и с культом полового инстинкта, которые сопутствуют человеку с детства и сублимируются в творческий акт. Именно Фрейда Сюрреалисты считают своим духовным отцом. Провозглашая «свободные ассоциации» в творчестве, сюрреалисты ввели свое основное «правило несоответствия», «соединения несоединимого». Своими предшественниками сюрреалисты объявили испанского архитектора Антонио Гауди, художников Марка Шагала и Джорджо ди Кирико. Первыми сюрреалистами в живописи были Андре Массон (быстрые наброски животных, растений, каких-то фантастических декоративных форм), Хоан Миро (подражание детскому рисунку, мир увиденный как сквозь микроскоп), Марк Эрнст, бывший дадаист, принесший в сюрреализм основной его принцип – «обман глаз», Ив Танги (пейзажи, напоминающие пустыню, оживляемую фантастическими растениями и животными. В картинах сюрреалистов «тяжелое повисает», «твердое растекается», «мягкое костенеет», «прочное разрушается», «безжизненное оживает», а живое гниет и превращается в прах.
В 30-х гг. сюрреализм достигает своей кульминации в творчестве Сальватора Дали. Ранние вещи Дали, уже сюрреалистического толка, очень многословны. Это сказывается даже в названиях: «Остатки автомобиля, дающие рождение слепой лошади, убивающей телефон». В 1936 г. он откликается на события в Испании картиной «Предчувствие гражданской войны». Не менее ужасное действо воплощено в другой картине «Осеннее каннибальство». После Второй мировой войны Дали пишет такие картины как: «Три сфинкса бикини», «Атомный Нерон», «Атомная Леда». В 60-е гг. сюрреализм стал уступать свои позиции новым направлениям авангардизма.
В 1956 г. в Америке возникает новое направление – поп-арт, как реакция на беспредметное искусство и представляет собой коллажи, комбинации из бытовых вещей на холсте. Представители данного направления экспонировали свои произведения, составными частями которых были ведра, лопаты, рваные ботинки, грязные штаны, афиши, части автомобилей, манекены и т.п. (Рой Лихтенберг, Чемберлен, Джеспер Джонс и др., иногда этих художников называют «новые дикие»). Близок к поп-арту боди-арт с демонстрацией самого художника в сопровождении нелепых атрибутов в сочетании с перфомансом – целым театральным представлением.
К середине 60-х гг. поп-арт сдает свои позиции искусству оп-арт – оптическому искусству. Его основоположником считается работавший во Франции Виктор Вазарелли. Смысл оп-арта – в эффектах цвета и света, проведенных через оптические приборы на сложные геометрические конструкции. Под кинетическим искусством подразумеваются «изобретения» с разного рода гудящими, вращающимися и прочими механизмами, композиции с магнитами и т.п. Начало ему было положено в США в 1939 г.: А. Кольбер создал конструкцию из жести и проволоки, приводимую в движение мотором. Наиболее прославленный представитель данного направления - швейцарец Жан Тингели, создатель саморазрушающихся машин в сочетании со световыми эффектами. В кинетическом искусстве и оп-арте зритель может быть автором или соучастником, если он пускает в ход конструкцию и даже заходит вовнутрь. Но художник, который как «высшее существо» призван творить эстетические и моральные, этические ценности, уже перестает существовать, ибо к искусству, которое в образной художественной форме осмысливает и истолковывает жизнь, все это уже отношения не имеет.
На протяжении всего ХХ века живет и развивается искусство, не порывающее с реалистическим видением, заставляющее думать над судьбами мира. Так, например, верной реалистическим традициям остается французская пластика. В начале ХХ века во французской скульптуре появляются 3 выдающихся мастера, объединенные роденовским пониманием формы, особенно его позднего периода, и стремящиеся вернуть скульптуру в русло строгих законов пластики.
Аристид Майоль – его основной материал камень, основная тема – обнаженная женская модель, основная идея творчества – красота и естественность здорового прекрасного тела, сильного и крепкого («Присевшая на корточки», «Иль де Франс», памятник Сезанну и т.д.).
Антуан Бурдель – прямая противоположность Майолю, с его драматизмом и экспрессивностью, интересом к динамике пластических масс («Памятник павшим», «Стреляющий Геракл» и т.д.).
Шарль Деспио – он работал много натуры, внимательно исследовал ее, находя едва уловимые черты в модели, которые делают ее неповторимой. В его портретах отсутствует всякая внешняя эффекиность, их очарование - в одухотворенности, интеллектуальной тонкости («Ева», «Ася» и т.д.).