1. Что такое сообщество передвижников? Какие художники в него входили? В чем состояла эстестическая задача передвижников?
Передвижниками называют Товарищество передвижных художественных выставок.
Это творческое объединение российских художников, ярко проявившее себя в последней трети XIX в.
Участники Товарищества (передвижники) противопоставляли своё творчество представителям официального академизма. Организуя передвижные выставки в различных городах, они вели просветительскую деятельность.
В число передвижников входили
· Василий Перов,
· Алексей Саврасов,
· Иван Шишкин,
· Илья Репин,
· Николай Ге,
· Василий Поленов,
· Виктор и Аполлинарий Васнецовы,
· Василий Суриков,
· Архип Куинджи,
· Исаак Левитан,
· Владимир и Константин Маковские,
· Валентин Серов
· и, конечно, Иван Крамской, предводитель движения.
Передвижники ставили перед собой задачу общественно-эстетического воспитания народных масс и стремились к широкой популяризации своего искусства.
Русские художники передвижники стремились показать в своих работах идейную сторону изобразительного искусства которая ценилась на много выше, чем, эстетическая, поставив перед собой задачу широкой пропаганды изобразительного искусства, целью которой было общественно-эстетическое просвещение народных масс, сближающего с жизнью демократического искусства.
Раскрыть в своих картинах истинную живую жизнь угнетенного крестьянства, страдающих от власти помещиков и богачей, это было основной задачей.
2. Рассмотрите репродукции картин И.Репина: «Иван Грозный и сын его Иван», «Не ждали», «Запорожцы пишут письмо турецкому султану», «Бурлаки на Волге». Расскажите подробнее об одной из них (не более 1 стр.). Сделайте вывод по творчеству Репина. Можно ли сказать, что он писал энциклопедию русской жизни.
В центре огромного полотна (размер усиливает впечатление) две мужские фигуры. Это царь Иван Грозный и царевич, его сын. Но здесь монаршие особы показаны как несчастные люди.
На картине показаны первые минуты после совершения рокового удара. Сколько ужаса и отчаяния теперь в глазах отца, он судорожно зажимает рану ладонью, но кровь не остановить, она струится всё сильнее и сильнее.
На заднем плане темно, основной свет сосредоточен на одежде убитого наследника, на лицах, на красном ковре под ними, который который также немного окровавлен. На переднем плане изоброжён металлический жезл.
Нельзя не обратить внимание, на выражения их лиц — исступленного, с расширенными, остановившимися глазами у Грозного и бледного, скорбного, с печатью смерти у сына — и в не менее выразительные тела.
В этой картине очень силён психологизм, переживания и эмоции. Возникает ощущение, что монарх вот вот закричит, сбегутся слуги, начнётся раздаваться говор, болтовня, суета. Запракинутый стул, изоброжённый в правой части, только подчёркивает всю эмоциональную обстановку.
При всём этом, на картине довольно таки много красного. Кровь, ковры, подушечка возле стула, оттенок одежды царевича, и даже обои. Всё так или иначе отливается красным. И при всём этом очень выразительным становится окошко, расположенное на заднем плане, с его белым дневным светом. Оно, как будто, немного разбавляет все эти красные оттенки. Немного контрастирует на заднем затемнённом фоне.
Если подвести небольшой итог описательной части, то в данном произведении очень лаконично сочетаются как исторические мотивы, так и психологизм, высокое эмоциональное переживание. В этом чувственном великолепии и колорите, в той красоте, которая передана в одежде царевича, его зеленых сапогах, в сбитых коврах на полу выражается творческое увлечение, радость художника перед красотой мира. Но это же придает картине ее общечеловеческое звучание, ее силу большой и возвышающей душу трагедии шекспировского масштаба. Ее содержание далеко выходит за пределы непосредственного сюжета, что только добаляет ей великолепия.
Таким образом, можно сделать вывод, что в данном произведении Репин раскрывает историческую тему с более психологической стороны, нежели событийной. Он уверенно развивает это направление, направление исторической драмы. Он изображает правителя, не как это положено в академической живописи, со всем величием и роскошью, а наоборот, в более бытовом плане. Он рисует его “живым” человеком, полным противоречий и страстей. Да, он правда писал энциклопедию русской жизни. Его творчество находит своё отражение в движении эмоций, жизненных образов и вызываемых ими переживаний, при этом сохраняя в своей основе исторический сюжет. Уже только по этому основанию его с полной уверенностью можно назвать “энциклопедистом”.
3. Кто из художников-передвижников писал русские пейзажи? Рассмотрите репродукции картин И.Левитана: «Март», «Над вечным покоем», «Большая вода». Можно ли назвать его пейзажи квинтэссенцией русскости и почему? Почему пейзажи Левитана- это пейзажи-настроения? Какие чувства они порождают?
Своего наибольшего развития пейзажная живопись достигла в работах художников-передвижников: И. И. Шишкина, В. Д. Поленова, И.И. Левитана, А. К. Саврасова, В. А.Серова, А. Куинджи.
Можно ли назвать работы Левитана квинтессенцией русскости? Несомненно! Но сложно объяснить почему. От них прям веет самобытностью. Особенно от картины “Март”. Нарисованные им пейзажи до боли знакомы абсолютно каждому русскому человеку, да и вообще для всех тех, кому Россия является исторической родиной. Всё это как бы интуитивно ощущается хорошо знакомым и родным. И это не спроста. Ведь подобные пейзажи мы много раз видели и в кинематографе, рисовали в своём воображении, читая русских классиков, а порой встречали и воочию.
В его картинах отражается особенное настроение. Пейзаж для Левитана был не просто лирической картиной. Через пейзаж художник говорил о жизни, и о смерти, о радости и о грусти. Через них он выражал состояние русской души, национального склада характера.
Пейзаж настроения передавался художником на холсте цветовых отношения, вызванные в природе освещением, временем суток и состоянием воздуха. Эти нюансы также вносили ощутимый вклад в создаваемую атмосферу.
4. Рассмотрите репродукции картин В.Перова: «Проповедь в селе», «Крестный ход», «Тройка». Почему художника называет Достоевским и Тургеневым русской живописи? В чем он видел главную задачу своего искусства?
Получил он такую оценку из-за того, что героями его жанровых работ были изнемогающие крестьяне, замученные дети, или родственники усопших...
Ничего подобного в русской живописи до тех пор не было видано, и даже в наши дни эта темная, невзрачная картина производит очень сильное удручающее впечатление. Видно, художник был вполне захвачен сюжетом, вполне отдался задаче — представить современникам ужасающее по своей правде отражение русской народной жизни.
Перов близко увидел жизнь крепостных крестьян, их угнетение, полное бесправие, безысходное горе и нужду, царившие в русской деревне. Жизнь крестьян нашла широкое отражение в творчестве Перова. С самого начала самостоятельной творческой деятельности Перов стал на путь социальной сатиры, получившей в его искусстве широкое развитие.
5. Рассмотрите репродукции картин А. Куинджи: «Украинская ночь»; «Ночь над Днепром». Что вы можете сказать о цвете в его картинах? Согласны ли вы с тем, что его пейзажи наполнены философским смыслом? Какие философские мысли они порождают?
Всем известно, что интересовался мнением ученых о взаимовлиянии различных цветов и других особенностях восприятия их человеческим глазом и использовал научные теории в живописи. От того, катины выполнены в тёмных тонах, что исключет какую либо нагрузку на глаза. Основополагающим элементом является лунный свет, который немного разабавляет тёмные тона. А мазки чёрной краски на более светлом фоне создают некий перелив, объём. Он играет со светом, что делает картины более впечатляющими, реалистичными.
Формой мысли Куинджи является созерцание. А потому его живопись не требует дополнительной (или изначальной) концептуализации, как, например, полотна Малевича. Она не нуждается ни в чем извне. Ни в словесных описаниях и сопутствующих смыслах, ни в подогреве интереса к личной жизни автора. Куинджи – созерцатель и приглашает нас к созерцанию.
6. Рассмотрите репродукции картин В.Серова: «Девочка с персиками», «Девушка, освященная светом». Сравните картины Серова с картинами-импрессионистов. Есть ли сходство и в чем? Почему картину «Девочка с персиками» называют самым лучшим детским портретом?
Первоначально формируясь под руководством Репина в традиции русского реализма, в ранний период своего творчества, Серов обращается к импрессионизму. Зная о французском импрессионизме, только, по словам своего учителя Поленова, он обращается к этому живописному методу. В его этюдах проявляется выразительность и артистичность мазка.
Главный «герой» импрессионистического метода – свет, заполняет все пространство картины. Он играет разноцветными бликами на всех предметах - одежде девочки, скатерти, стульях. Теплый розоватый цвет блузы обогащается множеством рефлексов. Бархатистые персики и теплые нежные оттенки лица девочки, перекликаются с золотистыми листьями за окном. Серов кладет мазки кисти так, что создается ощущение трепетного, подвижного изображения. Как и импрессионисты, художник смог перенести на полотно не только свежесть своего первого впечатления, но и состояние его души в данный момент..
Немного позднее, художник создает еще одну картину, где слышатся отзвуки французского импрессионизма. Это – «Девушка, освещенная солнцем».
На лице героини, весело играют солнечные блики. Нежные пастельные цвета подчеркивает скромность девушки.Ее белая блуза словно переливается в сложных цветовых рефлексах. Дерево, к которому прислонилась девушка, прекрасно оттеняет ее молодость. Солнце пронизывает всю эту картину и бросает яркие пятна на пустынную дорожку. Серов словно стремится передать взаимосвязь света, пространства и света человеческой души.
Как и на полотнах импрессионистов, в картине Серова видна быстрая игра мазков кисти, что подтверждает родство с вышеупомянутыми.
Почему её считают лучшей? Так это потому, чт она отражает всю детскую радость и живость ребёнка. Но помимо этого присутсвует и выражение самого девичьего лица, чистого и слегка загадочного, живого, но чуть серьёзного, что подсказывает, что перед нами уже не маленький ребёнок, но взрослеющая и уже слегка подражающая взрослым девочка. Этот неуловимый психологизм и является той чертой, которая вызывала восторг у всех критиков данной картины.
7. Рассмотрите картину Н.Ге «Голгофа». Сравните Христа, изображенного на ней с Христом в картине В.Иванова «Явление Христа народу» и с Христом на картине Крамского «Христос в пустыне». Почему прочтением образа Христа Николаем Ге – это предтеча экзистенциализма? Сравните «Голгофу» Н.Ге с «Криком» Э.Мунка.
Сравнение образа Христа:
1) Н.Ге «Голгофа» В центре картины — Христос и два разбойника. Каждый персонаж картины наделён своими чертами характера. Сына Божьего одолевает отчаянье, он заламывает себе руки. Его глаза закрыты, а голова невольно откинулась назад.
Из-за спины Иисуса выглядывает преступник со связанными руками. Он приоткрыл рот, а глаза сами собой расширились от ужаса. Справа стоит юноша, в прошлом разбойник, теперь — мученик, который печально отвернулся. Невольно замечаешь, как автор противопоставляет своих персонажей. Все фигуры неподвижны, будто замерли в ожидании неизбежности.
Слева, в поле зрения возникает деспотичная рука, которая подаёт сигнал к началу казни. Фигура Иисуса излучает безнадёжность, он предчувствует долгую и мучительную смерть. У его ног уже положили крест.
Николай Ге предельно точно показал, как Христа предали и отправили на позорную казнь. Художник всем своим естеством понимал, что Сына Божьего казнили несправедливо. Задача, которую автор поставил перед собой, донести до зрителя, что Христос, своим поступком, искупил грехи всего рода людского и подарил человечеству шанс на спасение, пожертвовав своей жизнью.
2) Центральной фигурой картины Ивана Крамского «Христос в пустыне» является Иисус Христос, сидящий среди каменных руин. Задумчивый взгляд говорит о нелегких думах, терзающих и беспокоящих его. Он сидит босой, со скрещенными пальцами рук. Вся его фигура, все его жесты говорят о большой внутренней сосредоточенности сына Божьего. Тёмные волосы Христа почти сливаются с его тёмным одеянием — пурпурным балахоном и чёрным дорожным плащом.
Замок рук и лицо Христа, находящиеся на одной оси круга, — зрительные и смысловые центры картины. Зона наибольшего «напряжения», эпицентр свершившейся драмы мысли и чувства, свершившейся победы человеческого духа, воли, разума над хаосом, злом, пороком. Христос Крамского — символ вселенского значения этой победы и напоминание об ее огромной цене.
3) Иванов “Явление Христа народу”.
Главная его цель — заглянуть в глубины человеческой души, показать, какова реакция конкретных людей на приход Спасителя.
Парадокс в том, что фигура Спасителя небольшая, но при этом центральная, притягивающая. Такой эффект достигается тем, что художник отделяет фигуру Спасителя от основной массы изображенных людей.
Привлекает внимание зрителя к фигуре Христа и само построение композиции, движение взгляда по кругу.
Спаситель на картине Иванова погружен в свои собственные раздумья, ни на кого не смотрит, ни на что не обращает внимание. Это единственный образ в картине, который никак не взаимодействует с окружающим пространством. Такое визуально-пространственное отделение подчеркивается внутренней отрешенностью.
Почему прочтением образа Христа Николаем Ге – это предтеча экзистенциализма?
В картине «Голгофа» художник выступает предтечей экспрессионизма, ввиду того, что он непохож на того Ге, которым он был в начале его творческого пути.
В его работах стала наблюдаться экспрессия, выразительность, чувственность. Он нащупывал этот путь, реализовывал в эскизах, чтобы позднее применить в больших работах. Ге полагал, что нужно искать «живую форму», в которой живое содержание было бы слито с живой формой. «Голгофа», судя по всему, его наиболее удовлетворяла, потому что в одном из своих писем он говорит, что «нашел то, что искал, нашел ту форму, которая поистине живая».
Видимо поэтому многие из его работ считают неоконченными, хотя для себя он считал свои работы оконченными и завершенными.
Сравнение «Голгофы» Н.Ге с «Криком» Э.Мунка
| «Голгофа» Н.Ге | «Крик» Э.Мунка |
| «Голгофа» окончена в 1893-м, Николай Ге, не пережив внезапного удара, умрёт летом 1894-го. Его картина долго оставалась непонятой: её считали неоконченной, натужно-вымученной, одновременно и недостаточно реалистичной, и – как-то уж чересчур. «Голгофа» никак не хотела вписываться в контекст русского искусства XIX века, с его гораздо более традиционными трактовками образа Спасителя – от «Явления Христа народу» Иванова до «Христа и грешницы» Поленова и «Христа в пустыне» Крамского. Только ближе к концу ХХ века придёт осознание, что это прямое предвосхищение экспрессионизма. Неописуемое воздействие на зрителя «Голгофы» сам Ге трактовал не хуже профессиональных теоретиков: «Картина не слово. Она даёт одну минуту, и в этой минуте должно быть всё, а нет этого – нет картины». Не с реалистическими картинами нужно ставить в один ряд «Голгофу» – гораздо родственное она написанному ровно в том же 1893-м году «Крику» Эдварда Мунка. Плюс ко всему, основанием для сравнения картины Мунка и Ге может служить безмолвный крик Христа («Боже мой! Боже мой! Для чего Ты меня оставил?..» – в Евангелии Христос произносит эти слова перед тем как испустить дух на кресте, а на картине эти слова определяют момент, по-видимому, предшествующий водружению на крест). Причём оба центральных героя схватились за голову, что также добавляет сходства. (Чуть более подробно данная картина описана выше). | Красное, огненно горячее небо. Искажение пространства, ломка линий, несогласование цветов, уничтожение перспективы. Нерушимо ровным остается лишь мост, на котором стоят герои картины. Он противопоставлен тому хаосу, в который погружается мир. Мост - барьер, отделяющий человека от природы. Защищенные цивилизацией, люди разучились чувствовать, видеть и слышать. Две равнодушные фигуры вдали, никак не реагирующие на происходящее вокруг, только подчеркивают трагизм сюжета. Помещенная в центр композиции фигура отчаянно кричащего человека, притягивает внимание зрителя в первую очередь. На обезличенном до примитива лице читается отчаяние и ужас, граничащие с безумием. Автору удалось скупыми средствами передать мощнейшие человеческие эмоции. В глазах страдание, широко открытый рот делает сам крик пронзительным и реально ощутимым. Поднятые руки, закрывающие уши, говорят о рефлекторном желании человека убежать от себя самого, прекратить этот приступ страха и безнадежности. Одиночество главного героя, его хрупкость и уязвимость, наполняют всю работу особым трагизмом и энергетикой. Колорит работы прост, даже скуп. Фактически два цвета - красный и синий, а также смешение двух этих цветов - и создают всю работу. Замысловатые, нереальные изгибы линий в изображении центральной фигуры и природы наполняют композицию энергией и драматизмом. |
Проведя небольшой анализ произведений и сравнив их, в качестве вывода можно заключить, что обе картины излучают более менее похожие настроения. Лейтмотивом являются муки, страдания, изображённые на лицах центральных персонажей. Тем самым, авторы хотели донести до зрителей, что в мире чтото не так. Происходит что-то ужасное, повергающее людей в шок и вызывающее ужас. Обе картины буквально выстраданы и стоили своим творцам неверотных усилий. Одни легенды “Крика”, овеяные плотной пеленой мистицизма и необъяснимых, уже могут сказать о многом. Ясным становится одно, обе картины эмоционально насыщенны и способны вызывать сильные эмоции.
8. Рассмотрите репродукцию картины Врубеля «Демон». Можно ли сказать, что на картине изображено вселенское одиночество? Можно ли сказать, что данная картина является автопортретом самого Врубеля? Данную картину называют предвосхищением кубизма. Какие основания есть так полагать?
Можно ли сказать, что на картине изображено вселенское одиночество?
Скорее не одиночество, а скорбь. Скорбь по давно покинутому дому. Создаётся ощущение, будто бы он обречён провести остаток вечности на земле. Будто бы н прикован каменными глыбами к этому миру, и в этом как бы проявляется его жертвенность.
Можно ли сказать, что данная картина является автопортретом самого Врубеля?
Хотя образ демона и прослеивается на протяжении довольно таки длительного периода его творчества, но этот образ скорее отражает состояние совремнной ему культуры и общества. Душевные терзания и противоречия, заключённые в образе созерцательности и отрешённости. Как раз в двух последних проявлениях и может, от части, проявляься и личность самого автора.
Данную картину называют предвосхищением кубизма. Какие основания есть так полагать?
Современники Врубеля сомневались, что «Демон» относится к живописи. Настолько его работа была необычно написана.
Художник работал частично мастихином (металлическая лопатка для удаления лишней краски), нанося изображение дробно. Поверхность похожа на калейдоскоп или кристалл.
Такая техника вызревала у мастера долго. Его сестра Анна вспоминала, что Врубель интересовался в гимназии выращиванием кристаллов.
А в молодости он обучался у художника Павла Чистякова. Тот учил разделять пространство на грани, выискивая объем. Врубель с восторгом перенял этот метод, так как он хорошо сочетался с его замыслами. Этот факт, уже мог наметить первые предпосылки для возникновения нового направления.