РУССКОЕ ИСКУССТВО ПЕРВОЙ ПОЛОВИНЫ19 ВЕКА.
| Студентки 2 курса группы Б Направления подготовки 54.03.01 «Дизайн» Пульной А. Г. Руководитель: ст. преп. Данильян Л.В. Национальная шкала__________________ Количество баллов ___________________ Члены комиссии ______ ______________ ______ ______________ ______ _______________ |
г. Донецк-2019 год
Орест Адамович Кипренский
(1782 - 1836)
Орест Адамович Кипренский — гениальный русский художник- портретист, исторический живописец и график, представитель романтизма, человек сложной и интересной судьбы. Кипренский Орест родился в 1782 году, 24 марта. Его мать, крепостная крестьянка по происхождению, родила сына от помещика Дьяконова, а чуть позже вышла замуж за Швальбе Адама. Фамилия Кипренский является выдуманной. Орест был внебрачным сыном Дьяконова, но несмотря на это помещик всячески заботился о ребенке. В 6 лет Орест стал вольным человеком и был определен Дьяконовым в художественную академию Петербурга. Уже в начале своего учебного пути Кипренский был отмечен как одаренный мальчик. Он много раз получал всевозможные медали за композиционные эскизы и штудии. В. С. Дмитриев, гувернер и преподаватель Академии художеств в то время, отмечал, что Ореста отличало от сверстников чуткое восприятие цветовой гаммы. Он рисовал непринужденно, легко. Частенько мальчика можно было застать даже за пением. Кипренский был способным, живым и темпераментным. Он успешно проучился 15 лет, окончив Академию с золотой медалью. Это давало право медалисту на поездку за границу, но воспользоваться им художник смог намного позже из-за военных действий.
Художник жил и работал по несколько лет в Москве, Твери и Санкт-Петербурге, пока в 1828 года не поселился в Италии. Здесь он женился на итальянке, и даже необходимость поменять вероисповедание и стать католиком его не остановила от решительного шага.
В раннем творческом периоде Орест Адамович Кипренский обращал внимание на работы Левицкого и Угрюмова. Он также отражал романтическое восприятие образов, когда рисовал портреты участников Отечественной войны. Ему была присуща легкая романтическая манера рисования, он работал размеренно и спокойно, ловя тонкие нотки оттенков и чувственные движения вокруг.
В 1816 году художник Кипренский начал путешествовать по разным странам, рисовать свои картины, которые пользовались успехом в Италии, Германии, Швейцарии. Впервые его талант был признан в Европе. Поворотным моментом в творчестве стала поездка в Италию. Портреты Кипренского приобрели определенность форм, образов, классическую манеру письма.
Будущность и профиль работы художника обусловило его обучение в Академии художеств по классу исторической живописи у известного мастера-портретиста Угрюмова. Хотя можно утверждать, что задатки гениального мастера камерного и парадного портрета у него были еще в детстве. В возрасте всего 12 лет он написал портрет своего приемного отца Швальбе в такой виртуозной технике, что картину принимали за работу самого Рембрандта.
Но во «взрослых» работах художника прослеживается явный отход от изображения «в подражание Рембрандту». Его зрелые работы более воздушные, часто используют яркие и нежные краски, в них больше реализма и одухотворенности, нежели трагизма. Одним из самых известных работ Кипренского стал портрет гусара Дениса Давыдова, героя Отечественной войны 1812 года. За него мастер заслуженно получил почетное звание академика.
За свою очень короткую жизнь художник создал яркую галерею выразительных и запоминающихся портретов, среди которых и портрет великого поэта А.С. Пушкина. Скончался художник в любимой им Италии, не пережив тяжелого воспаления легких, в 1836 году. Памятник на его могиле поставили благодарные русские художники, проживавшие в этой стране.
«Автопортрет с кистями за ухом»
1808, холст, масло, 46х36.5. Государственная Третьяковская галерея.
Его автор – Орест Адамович Кипренский являлся лучшим русским портретистом первой половины XIX века. На картине – один из нескольких противоречивых и взаимоисключающих образов художника, запечатленных им самим же в веренице автопортретов. Личность и творчество Ореста Адамовича, к слову сказать, до сих пор во многом полнится интригующими и загадочными подробностями.
Яркий представитель романтизма, он добился небывалых высот мастерства и успеха, именно как портретист. Кипренский искал в этом жанре новые возможности. Воплощая и зарисовывая внешние и внутренние движения моделей, мастер неустанно открывал новые художественные приемы и решения. Его портреты стали своеобразной исторической летописью общества, восторгающие размахом индивидуальных характеристик, образов и проницательности Кипренского, всегда доподлинно, феноменально и самобытно передающие суть изображенных особ.
С его собственными автопортретами дело обстоит намного сложнее и до сих пор порождает споры среди искусствоведов. Каждый из полотен представляет то или иное изменение во внешнем и внутреннем облике Кипренского. «Автопортрет с кистями за ухом», пожалуй, можно отнести к самовосхвалению творческого призвания, как живописца. Смелые световые контрасты, уверенная и динамичная манера исполнения, сочность и теплота цветовой гаммы. Этот портрет дышит неуемной энергией, раскованностью и убежденностью в своих силах. Глаза молодого художника горят азартом, губы сжаты в нетерпении, а за ухом дерзко и с долей мальчишеского озорства воткнуты кисти.
Ведущую роль здесь играет сложная игра светотени и непривычные цветовые эффекты. Скудность деталей, мало цветовых вариаций – лишь посредством света и тени автопортрет будто пронзает холст. Вылепленные из мрака черты лица озарены и обласканы теплым светом. Кипренский предстает перед нами вначале творческого пути – полный энтузиазма и надежд.
«Автопортрет»
1828, холст, масло, 49 × 42,7. Государственная Третьяковская галерея.
Перед нами человек с волевым лицом. Одет он в восточный полосатый халат. Лицо оттенено ярко-белым воротником.
Мазки настолько великолепны, что поверхность кажется зеркальной. Зрителю хочется обратить внимание на все тонкости этого портрета, рассмотреть мельчайшие особенности оттенков и понять роль каждой детали.
Художник смотрит прямо на нас. Скорее всего, он изобразил себя в тот момент, когда он творит. Во всех чертах лица читается невероятная работа мысли. Кипренский предпочел изобразить себя в домашней обстановке. Он предстает перед нами немного щеголеватым.
Живописец очень мастерски написал глаза. Мы видим, что они немного красноватые. Это взгляд человека, который невероятно устал. Он как будто хочет о чем-то спросить. В складках его губ замерла дежурная улыбка, которая почему-то кажется немного жалкой.
Это исповедь усталого труженика. Можно ощутить, что он сам боится той притупленности, которая явственно читается не только в его глазах, но и во всем лице. В портрете проступают черты тревоги и какого-то непонятного беспокойства. Кипренский передает их максимально определенно с психологической точки зрения.
Если в более ранних автопортретах художника можно было ощутить романтическую напряженность, здесь она полностью исчезает. Во всех чертах сквозит какое-то разочарование. Кипренский знал, что он может улавливать движения жизни и зорко всматриваться в нее. Здесь, он как бы полностью прощает жизнь за то, что она настолько сурова.
В это время художник испытывал глубочайшую депрессию. Зрители могут прочесть на автопортрете даже определенный страх художника. Старания живописца не были оценены по достоинству. Зрители могут прочесть в глазах героя горечь живописца по поводу того, что его не хотят понять.
«А. К. Швальбе»
1804, Дерево, масло, 78,2 × 64,1. Государственный Русский музей.
Полотно считается одним из ранних и лучших произведений художника. На холсте изображен отчим мастера – много повидавший на своем веку, хмурый, уверенный в себе старец, запечатленный выразительно, выпукло, как на картинах Рембрандта. Слегка взлохмаченные волосы, энергичные переходы светотени и емкие интенсивные мазки подчеркивают оригинальность характера персонажа. Мастерство исполнения дало основание критикам утверждать, что это работа одного из старых мастеров, они даже приписывали авторство Рубенсу или Ван Дейку.
Художнику этот портрет был настолько дорог, что он не разлучался с ним и везде возил с собой.
Секрет картины заключается в том, что трудно угадать, к какому социальному слою относится персонаж. Этот персонаж не соотносится ни с каким временем и обществом. Автор полностью проникнут драматизмом эмоций, завладевших натурщиком. Непринужденная, насыщенная живопись, подчеркнутая соединением интенсивного коричневого и охристо-золотистого колорита, а также способ подсвечивания свидетельствуют об анализе художником творений фламандских мастеров.
Кряжистый несгибаемый пожилой мужчина изображен анфас – смотрящим прямо на зрителя. Его мощные плечи прикрыты меховой шубой. Портрет обрезает изображение человека по грудь, оставляя в поле холста увесистую внушительную руку, удерживающую массивную трость с начищенным до блеска металлическим набалдашником. Теплый золотистый свет акцентирует внимание на лице, подчеркнутом внизу, на шее, изящно завязанным белоснежным шарфом.
На лице выделяются пронзительные мудрые черные глаза, напористый, пристальный и неумолимый взгляд которых прикован к зрителям, словно заглядывая им в души. Седина в небрежно причесанных волосах, четко очерченные широкие брови красивого рисунка, мужественно стиснутый рот – все это характеризует натуру активную, бесстрашную. Однако если приглядеться старательнее, можно уловить следы заботы, напряжения и печали в этих широко распахнутых глазах. Старческая обвисшая кожа на шее, не скрытая щегольским платком, неухоженный вид прически подчеркивают незащищенность человека, прожившего трудную жизнь.
Портрет изумляет своей безыскусностью, непосредственностью и в то же время любовным и уважительным отношением художника к герою, умением подчеркнуть своеобразие личности, выдвинув на первый план значение внутреннего мира.
«Портрет А. С. Пушкина»
1827, холст, масло, 64,8 × 56,3. Государственная Третьяковская галерея.
Александра Сергеевича Пушкина заслуженно называют Солнцем Русской поэзии. И именно таким мы видим его на потрете работы Ореста Кипренского. Этот художник имел славу одного из лучших портретистов, и именно потому ему Антон Дельвиг заказал изобразить своего друга – великого поэта А.С. Пушкина.
Современники находили, что потрет вполне реалистичен. Поэт изображён в сюртуке и накинутом на одно плечо плаще. Именно так тогда и одевались молодые люди по моде. Но освещение на картине подобрано так, что наиболее чётко выделяется не одежда, а голова Пушкина. Его лицо словно светится, оно отмечено печатью вдохновения. Кажется, что поэт обдумывает новое стихотворение.
В то же время в лице поэта ощущается тревога, это заметно по напряжённо сжатым губам. Взгляд поэта скорее грустный, в нём не прочитаешь безмятежности. Но во всей позе присутствует покорность и спокойствие. Это видно по скрещенным на груди изящным рукам.
Невозможно не заметить в углу портрета фигурку музы. У бронзовой статуэтки в руках лира. Это именно та муза, о которой Пушкин не единожды упоминал в стихах. Кипренский этим хотел показать, что поэт и его вдохновение – не разлучаются никогда.
Поскольку портрет был написан ещё при жизни гения, то остались и сведения о том, как оценил его сам поэт. Пушкин находил, что художник приукрасил его облик. Однако талант истинного портретиста состоит не в том, чтобы передать все черты лица с фотографической точностью, а в том, чтобы изобразить духовный мир человека. Поэтому спустя долгие века и годы мы видим, насколько одухотворён Пушкин, как сияет озарением его лицо. Кипренский донёс до потомков именно то, что мы должны знать о великом русском поэте. Ведь судить о том, как выглядел Пушкин, мы можем только по его портретам. Остальное – в стихах и прозе гения.
.
«Бедная Лиза»
1827, холст, масло. 45 × 39. Государственная Третьяковская галерея.
Написан по одноименной повести Карамзина. Также прослеживается четкая связь с жизнью самого живописца.
Художник был настоящим психологом, который создавал великолепные портреты женщин. Он смог передать женскую душу. Все его героини обязательно о чем-то грустят, мечтают. Они самоотверженно любят, но при этом полностью замкнуты в самих себе и никогда не показывают своих чувств.
Перед нами портрет, который Кипренский написал в 1827 году. Многие увидели, что художник здесь проявил себя здесь большим мастером, чем сам Карамзин. Писатель изображает героиню сентиментально. У художника ощущается романтизм. В процессе работы над этим полотном, Кипренский вспоминал свою горячо любимую мать. Вся ее жизнь оказалась разбитой, а любовь исковерканной.
Кипренский видел те причины, которые стали пагубными для девушки. Его мать стала невинной жертвой законов крепостного времени.
Мы видим девушку, которая тоскует и печалится. Она юна и миловидна. В глазах ее мольба. Она смотрит на того человека, расставание с которым ей предстоит. В руках она держит цветок красного цвета, символизирующий любовь.
Кипренский просто не мог по-другому изобразить крестьянку. Ее чувства ни для кого не имеют значения. Ее любовь просто не имеет будущего. Виной всему стало неравенство социального характера, которое царит в мире. Кипренский знал, что при создании известного литературного образа он укоряет общество в этой несправедливости.
Свои полотном он вызывает слезы в душах тех, кто сострадает этой прекрасной девушке. Публика восторженно приняла лишь живописную силу этого портрета. Но к идее неравенства в обществе она осталась равнодушной. Современники предпочли попросту не заметить эту глубокую мысль автора. Кипренский остро ощущал это непонимание и понимал, что одинок.
«В. А. Жуковский»
1816, холст, масло, 66 × 59. Государственная Третьяковская галерея.
Исследователи говорят о том, что картина эта не была завершена. Заказчик попросил специально не дописывать левую руку. Это было сделано для того, чтобы передать вдохновение и творческий порыв.
Живописец изображает Жуковского на излюбленном фоне. Мы видим таинственную ночь, разрушенную башню, сказочный силуэт. Поэт смотрит куда-то вперед, но при этом чувствуется его погруженность в собственные мысли.
Кипренский изображает поэта в позе, которая выдает в нем мечтателя, который стремится, во что бы то ни стало уловить чудесную музыку различных сфер. Жуковский стоит над привычной жизнью. Он был связан с чудесным. Это можно почувствовать, если детально рассматривать портрет Кипренского. Создается впечатление, что поэт слушает сказочные голоса самой природы. Кажется, что все тайны этого причудливого мира подвластны только ему.
На этой картине преобладают коричневые и пастельные тона. Художник выделяет лицо Жуковского. Оно словно озарено солнцем. Весь портрет впечатляет не буйством красок, а силой передачи характера поэта и его мыслей. Художнику удалось понять этого человека и создать по-настоящему одухотворенную картину. Полотно настолько живо и глубоко, что остается лишь удивляться такому мастерству Кипренского.
Мы можем почувствовать, что художнику очень нравилось писать этот портрет. В свою грандиозную по силе работу он вложил невероятный талант и подлинное мастерство. При этом видно, что живописец испытывал симпатию к Жуковскому. Самому поэту картина тоже очень понравилась. Благодаря картине Кипренского, мы можем представить не только, как выглядел Жуковский, но и понять многие его произведения.
«Е. В. Давыдов»
1809, холст, масло, 162 × 116. Государственный Русский музей.
Орест Адамович Кипренский нарисовал портрет Давыдова в 1809 году, когда войны с Наполеоном только начинались. Эта картина – отражение господствовавшего в то время поэтического культа храброго и сильного героя, готового душу отдать за Родину. Портрет ассоциируется с Денисом Давыдовым по причине его известности, хотя из подписи следует, что это Е.В. Давыдов, менее известный брат поэта.
Само произведение представляет собой парадный портрет молодого и лихого гусара в чине полковника. Он нарисован в полный рост, его поза небрежна и несколько картинна. Его костюм — красный лейб-гусарский мундир, белые рейтузы и низкие сапоги. Кивер снят с головы и лежит слева от гусара, а сабля используется вместо опоры.
Краски, которыми выписан его костюм, мрачный предгрозовой пейзаж, на фоне которого стоит гусар, только усиливают впечатление от персонажа картины – это храбрый воин, человек долга и романтический мечтатель. Лицо гусара мужественное и одухотворенное. В отличие от военных портретов других живописцев, Кипренский не сосредотачивается на бранной удали персонажа, а уделяет основное внимание раскрытию его личности.
По поводу этого портрета искусствоведы и по сей день ломают копья, кто же в действительности изображен на ней – знаменитый Денис Давыдов или же его двоюродный брат Евграф, который также был одним из героев войны 1812 года. И у той, и другой версии есть свои сторонники. В пользу первой версии говорит тот факт, что сыновья Дениса Давыдова называли это произведение портретом своего отца и просили у академии искусств позволения его сфотографировать.
Некоторые из исследователей высказывают мнение, что изображенный на картине гусар является собирательным образом русского офицера тех лет, героя того бурного времени, каким, собственно, и был Денис Давыдов.
«Графиня Е. П. Растопчина»
1809, холст, масло, 77 × 61. Государственная Третьяковская галерея.
«Портрет Растопчиной» — парный с портретом её мужа, и являет ему своеобразную противоположность. Муж госпожи Растопчиной был человеком суетливым, говорливым, шумным человеком. Он был коллекционером и литератором, на некоторый срок избирался в качестве московского губернатора, и являл собой душу компании, легкого на подъем и веселого. Его жена, напротив, была не слишком говорлива и больше любила слушать внутреннюю тишину, чем людские разговоры.
На картине её суть, её тихая, кроткая натура передана просто великолепно. Непритязательный темный фон не привлекает внимания. Простое домашнее платье женщины не отвлекает от её лица, которое, как пеной, окружено кружевами на блузе и чепчике. Оно уже не очень молодо, это лицо. Светлая кожа, темные, внимательные глаза, чуть вздернутый нос, губы, на которых нет улыбки — Растопчина вряд ли привлекала табуны молодых поклонников, но ей это и не было нужно.
За отсутствием внешней красоты скрывается духовный свет, из-за которого лицо выглядит одухотворенным и прекрасным. Внутренняя гармания с самой собой видна во взгляде, в позе. Словно встрепенувшись на зов- позвал ли её человек, или же что-то, скрывающееся в её душе? — она слегка тянется вперед.
Также в её слегка поджатых губах, в глазах, которые смотрят доверчиво, открыто, видна готовность к страданию. К Истории с большой буквы. К чему-то, что может случиться. Некий потенциал, талант актрисы или певицы, может быть, а, возможно, просто способность к глубокому, чистому, нравственному чувству наполняет её скрытым трепетом. Готовностью откликнуться на верную ноту.
Возможно, именно такая нота и разбудила её однажды. Во время путешествий по Германии с мужем, Растопчина приняла католическую веру. Вероятно, она нашла в ней именно тот надрыв, ту правильность, к которой смогла приложить силы своей души.
«А. А. Челищев»
1808- нач. 1809, дерево, масло, 48 × 38. Государственная Третьяковская галерея.
Это одна из самых лучших картин Ореста Адамовича Кипренского. Благодаря этому бесценному труду, автор работы основал романтическое течение. Шедевр был создан в 1809 году. Годом ранее художник только приступил к написанию работы. Ещё молодой, но достаточно известный в своих кругах живописец взялся за написание портрета мальчика 12 лет. В начале следующего года картина была представлена публике, и она оценила её по достоинству.
Именно Орест Адамович в своём произведение смог полноценно изобразить детский образ. Многие художники также создавали портреты детей, но все они были изображены старше. Кипренский же смог передать не только точный возраст мальчика, но и всю его глубину детской души. Успех ждёт не только автора, но и его натурщика. Мальчик поступит в Пажеский корпус, будет принимать участие в войне, но всё это потом.
На полотне изображён наивный мальчишка, который, как и все его сверстники, хочет как можно скорее стать взрослым мужчиной.
Мальчик, изображённый на портрете, излучает спокойствие. Доброту и умиротворение. Он покорил сердца многих зрителей своей наивностью. Его большие, тёмные глаза светятся любовью к окружающему миру. Пухлые, алые губы вот-вот расплывутся в улыбке. У парнишки густые, тёмные, взъерошенные волосы и круглое, миловидное личико. Если долго смотреть на портрет, то сразу можно представить картину: мальчик очень устал позировать и при малейшей возможности сорвётся с места и убежит играть с такими же мальчуганами, как и он сам.
Если взглянуть на картину пристально, то можно увидеть в глазах мальчика мечты, но они уже не детские, как были до этого. Это мечты о будущем. Мальчик не совсем наивный, как это может показаться вначале, он умный и образованный, с сильным, волевым характером. Его образ загадочен и непредсказуем в одночасье.
«Девочка в маковом венке с гвоздикой в руке (Мариучча)»
1819, холст, масло, 42,5 × 40,9. Государственная Третьяковская галерея.
Портрет написан в первой половине 19-го века, а если быть точнее – до 20-го года. Работа имела на разных выставках и по сей день имеет несколько названий, самое известное из которых – «Девочка в маковом венке с гвоздикой в руке (Мариучча)».
Полотно написано так реалистично и так красиво, что, когда оно выставлялось в итальянском городе, местные эксперты не верили, что девочка изображена русским художником, дескать, русские не могут такое чудо сотворить.
В самом известном названии картины, озвученном выше, в скобках обозначено имя Мариучча. Кто же это? Это итальянская девочка Анна-Мария, мать которой была натурщицей и имела с художником не только профессиональные связи.
Однажды модель обнаружили мёртвой. Одним из подозреваемых оказался несчастный художник. На последнего началась сильнейшая травля, распространившаяся от Италии до Франции. Орест скитался и прятался, предварительно попросив поселить сиротку в монастырь.
Через некоторое время, когда Анне-Марии было уже семнадцать лет, художник, которому было под пятьдесят, женился на ней. Она его не любила, хотя ценила его заботу и работу (в том числе её собственный детский портрет). Он её обожал и занимался не тем художеством, к которому был призван; занимался этим лишь для того, чтобы в семье было много денег, чтобы обеспечить супругу и задарить её шикарными дарами. От такой нелёгкой жизни мастер стал пить запоями и вскоре скончался.
После смерти супруга вдова продала его картины, даже этот чудесный портрет (Мариучча сидит, повернув любопытное личико к нам, зрителям: она задала какой-то вопрос и ожидает на него ответа), не захотев оставить его себе в память о муже (что доказывает её нелюбовь к последнему).
«Дмитрий Донской на Куликовом поле»
1805, холст, масло, 118 × 167. Государственный Русский музей.
В 1805 году перед художником ставится задача написать большое программное произведение на тему Великого Князя Дмитрия Донского, представленного в битве с Мамаем, когда после одержания победы Князь погибает среди своих воинов в роще. Художник, тогда еще студент, прекрасно справляется с заданием и получает за картину золотую медаль первого достоинства, что потом позволило ему много работать за границей.
Сюжеты отечественной истории всегда были частью программы получения художественного образования. Кипренский изображает сцену в лучших традициях итальянской и фламандской школ живописи – масштабно, колоритно и динамично.
Великий Князь, чья фигура располагается немного слева от центра, вскидывает руки в небо в молитвенном движении и благодарит Небеса за предоставленную победу над врагом. Вокруг Дмитрия Донского собрались его воины, участники кровавого сражения.
На их лицах читается удивление и радость от вести о том, что их предводитель жив. На заднем плане виден пейзаж – важная часть классической картины – и темные тучи на небе звучат в унисон с настроением картины.
Колорит произведения играет одну из важнейших ролей. Гармония ярких тонов, кроваво-красные и изумрудно-зеленые оттенки сочетаются в неведомой игре цвета. Резкие движения героев, четкая драпировка их одежд, привлекающие глаз тона и, конечно, грамотно сгруппированная композиция – все это помогает воспринимать картину, как одно четкое действо, сошедшее со сцены представление.
Кипренский создал классическое, сделанное в лучших академических традициях, произведение и по праву был награжден за него.
Василий Андреевич Тропинин
(1776 - 1857)
Василий Андреевич Тропинин родился 30 марта 1776 года, с. Ропино, Новгородская губерния — 3 мая 1857, Москва) — русский живописец, мастер романтического и реалистического портретов. В. А. Тропинин. Василий Андреевич Тропинин родился 1 апреля 1776 года в селе Ропино губернии в семье крепостного, Андрея Ивановича, принадлежавшего графу Антону Сергеевичу Миниху. Дочь графа вышла замуж за выдающегося военачальника И. М. Моркова, и село Тропинина, и он сам, стали собственностью Моркова. Другие крепостные его ненавидели, так как его отец был старостой, но Василий никогда не жаловался на избиения и издевательства крепостных, в том числе за то, что он с детства рисовал людей и обнаруживал их характерные черты в своих рисунках.
В 1798 году Василий был отдан в обучение к кондитеру в Петербург, так как кондитерское дело тоже требовало способностей изображать фигуры людей и животных. После его обучения кондитерскому делу двоюродный брат графа Моркова убедил отдать юношу вольнослушателем в петербургскую Академию художеств. Здесь он занимался у С. С. Щукина. Но когда Василий дважды занял первое место в конкурсах Академии и по сложившейся в Академии традиции должен был получить вольную, вместо этого он в 1804 году был отозван в новое имение графа Моркова — подольскую деревню Кукавку в Украине — и стал одновременно слугой, пастухом, архитектором и художником графа. За него вышла замуж вольная поселенка, а муж и жена должны были иметь по закону равный статус, но вместо предоставления свободы Тропинину граф записал в свои крепостные его жену, вечными крепостными Маркова и его наследников должны были стать и их дети. Но Тропинин как добрый человек в своих мемуарах писал, что он благодарен хозяину, так как Украина сделала его большим художником.
У него появился сын — Арсений. До 1821 года жил в основном на Украине, где много писал с натуры, затем переселился в Москву вместе с семейством Морковых.
В 1823 году в возрасте 47 лет художник наконец получает свободу — под влиянием новых веяний граф безвозмездно отпускает его на волю. Через некоторое время свободными становятся и его близкие. В сентябре 1823 года он представляет Совету Петербургской Академии художеств картины «Кружевница», «Нищий старик» и «Портрет художника Е. О. Скотникова» и получает звание назначенного художника. В 1824 году за «Портрет К. А. Леберехта» ему присваивают звание академика.
Первые работы художника относят к романтизму. Будучи в Санкт-Петербурге, он находился в среде горожан, мелких и средних помещиков, с которых позже и стал писать портреты, что привело его к реализму.
Автор, в отличие от романтических портретистов, старался подчеркнуть качества героев. Но в то же время он симпатизировал им, что выливалось в изображении внутренней привлекательности. С этой же целью Тропинин пытался не показывать явную социальную принадлежность людей.
Такие работы художника, как «Кружевница», «Гитарист» и др. относятся к «портрету-типу». Тропинин изображал конкретного человека, а через него старался показать все типичное для данного круга людей.
С 1833 года Тропинин на общественных началах занимается с учениками открывшегося в Москве публичного художественного класса (впоследствии Московское училище живописи, ваяния и зодчества). В 1843 году его избирают почётным членом Московского художественного общества.
Всего Тропинин создал более трёх тысяч портретов. Он скончался 3 (15) мая 1857 года в Москве. Похоронен на московском Ваганьковском кладбище.
В 1969 году в Москве был открыт «Музей В. А. Тропинина и московских художников его времени».
«Автопортрет»
1844, 106×84.5, холст, масло. Румянцевский музей.
На картине художник изобразил себя в мастерской с палитрой и кистями в одной руке и муштабелем в другой. Из окна видна панорама Кремля. В Москве живописец провел большую часть жизни – и в то время, когда был крепостным графа И.И. Моркова, и после получения вольной. С 1824 года он снимал небольшую квартиру на втором этаже частного дома на Ленивке близ Каменного моста. Просторный зал, служивший гостиной, и примыкавшая к нему комната были обращены окнами на Кремль.
Живописец часто писал свои модели одетыми «по-домашнему», так же изобразил он и себя. Трактовка модели как частного лица, повышенное внимание к обыденной жизни были характерны для той эпохи, когда многие утратили надежды на социальное и политическое переустройство России, замкнулись в сфере частных интересов. Это одно из наиболее известных поздних произведений В.А. Тропинина, которое органично входит в его серию портретов москвичей.
«Автопортрет на фоне Кремля», написанный в 1844 году, повторялся художником дважды: первое авторское повторение хранится в Третьяковской галерее, второе – в Радищевском музее. Раньше эта работа принадлежала сыну Тропинина – Арсению. В 1870 она была куплена по подписке для Румянцевского музея. Поступление. В 1921 из Московского Публичного и Румянцевского музеев.
« П. А. Булахов»
1823, холст, масло, 66×54.Государственная Третьяковская галерея. Москва.
Данная работа Василия Тропинина считается одной из лучших в его творчестве. Здесь мы видим портрет знаменитого русского оперного певца Петра Александровича Булахова. Певец дебютировал на сцене всего за два года до написания портрета. Тропинин довольно быстро подружился с мужчиной и решил запечатлеть его образ на холсте.
Считается, что труднее всего изображать самого простого человека, в его привычном окружении. Мы видим, что Булахов сидит в кресле и позирует художнику. Мужчина свободно облокотился правой рукой на подлокотник кресла.
Он не одет в парадный костюм, не ждет гостей. На нем обычная домашняя одежда – темно-синий халат с теплой меховой накидкой, а на шее повязан белый шарф, из-под которого выбивается белоснежный воротник сорочки. У Булахова темные кудрявые волосы, которые явно молодят его, придают юношеский азарт. Глаза выразительные, немного смешливые и озорные.
Художники всегда любят изображать малозаметные, но очень важные детали на своих работах. На этой картине, в самом низу, изображена небольшая зеленая книга, которую держит в руке Булахов. Держит некрепко, двумя пальцами, будто сейчас же ее случайно уронит. Книжка показывает, что знаменитый оперный певец был умным, начитанным человеком, но его врожденное озорство с годами не угасло.
Цветовая гамма работы приглушенная, использованы темные цвета: черный, темно-синий, коричневый. Возможно, художник старался передать домашнюю, немного интимную обстановку. Здесь не нужно прятаться или претворяться, можно быть самим собой. За спиной Булахова изображен лишь однотонный, темный фон. Нет ни дорогого убранства, ни картин в позолоте.
«Девочка с куклой»
1841, холст, масло. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.
Тропинин является одним из тех художников, на творчество которого повлияли веяния такого течения как сентиментализм. Это направление предполагало отражать в произведениях культ природы и искренние эмоции и человеческие чувства. Художник вдохновлялся природой и верил, что настоящая муза – именно природа, которая может научить человека смотреть на вещи другими глазами. Художника всегда привлекали неподдельные чувства и чистая душа, поэтому все чаще и чаще героями его картины становились дети. Именно в детях художник видел источник вдохновения и создания прекрасного.
Тропинин видел всю эту красоту у детей, изображая их с птицами, различными игрушками и музыкальными инструментами. И одним из таких теплых и душевных картин является «Девочка с куклой», передающая зрителю уютную обстановку и ребенка, в руках которого игрушка. Художник намеренно использует такую технику и отвлекает внимание зрителя от характера ребенка, создавая обобщенный образ детей. Известный русский художник Тропинин изобразил ребенка, которые наслаждается моментом и радостью от игры с куклой. Смотря на эту картину, на лице появляется улыбка от того, насколько это произведение теплое, живое и лучезарное. Зритель может наслаждаться прекрасной и милой сценой, во время которой проявляется характер ребенка.
На картине художник показал прекрасную маленькую девочку, в руках у которой кукла, а на заднем фоне виднеются остальные игрушки прекрасной малышки. Теплота и домашняя обстановка – вот цель, которой добивался художник и очень успешно.
«Гитарист»
1823, холст, масло. 86,5 x 69,5. Национальная галерея Армении, Ереван.
На картине мы видим молодого парня 18-20 лет с белоснежной, но слегка румяной на щеках, кожей, волнистыми волосами и аккуратными усиками. Поставив несложный аккорд, он наигрывает легкий мотив. По положению его головы можно предположить, что во время игры он на несколько секунд отвлекся от инструмента, чтобы посмотреть на слушателя. Этот парень, скорее всего, из знатной семьи, о чем мы догадываемся по чертам лица, нежным пальцам и его одежде.
Не удивительно, кстати, что на гитаристе надет именно халат, который мы можем заметить на многих картинах Тропинина. Он небрежно накинут на так же небрежно расстегнутую на верхних пуговицах и манжетах рубашку. Такая одежда выражает неспешность и размеренность Московской жизни, а также легкости и свободы мысли, которые присущи этому человеку. Стоит обратить внимание и на инструмент. Мастерски сделанная гитара, колки которой позолочены, а дека и обечайка сделаны из цельного дерева, скорее всего стоит довольно много, что еще раз подтверждает социальное положение музыканта на картине.
Картины с образом гитариста чрезвычайно нравились не только публике, но и самому автору. По этой причине, в разные годы им было написано