Задания по виртуальным музеям

Духовные основы медицины

Бессмельницина Дарья, 220ая группа

Задание 1.

Египетский зал:

1. С личностью жреца Падиисета (2/2 VII века до н.э.) связаны три антропоморфных деревянных саркофага, алебастровые канопы для хранения мумифицированных внутренностей с крышками в форме голов сыновей бога Хора, деревянный ящик для хранения ушебти, папирусовые свитки с фрагментами Книги мертвых.

2. Поверхности саркофагов покрыты полихромной росписью с изображениями и погребальными текстами – стандартной жертвенной формой и фрагментами из глав Книги мертвых. Данные тексты представляют из себя нечто вроде заклинаний-путеводителей в Загробном мире.

3. Деревянный ящик с изображением шакала, священного животного бога-бальзамировщика Анубиса предназначен для хранения ушебти. Ушебти – антропоморфные статуэтки из камня, дерева, фаянса или терракоты, которые по верованиям египтян должны были работать в загробном мире на полях Осириса за душу умершего. Над этими статуэтками также читались заклинания с перечислением всех работ, которые они должны будут выполнять.

Древняя Греция:

1. К медицине имеет отношение скульптура Гигиея (копия с эллинистической статуи, Древний Рим, I век н.э.) – дочь бога медицины Асклепия, богиня здоровья. В культуре Древней Греции Гигиея изображалась в виде юной девушки, кормящей из чаши змею (данный символ и позволяет определить, что изображена данная богиня). Образ змеи, пьющей из чаши, закрепился, и по сей день считается символом медицины, а само имя богини дало название такой медицинской дисциплине, как гигиена.

2. Статуя Гигиеи, богини здоровья (римская реплика с греческой статуи, V – IV вв. до н.э.). Несмотря на то, что статуя сохранилась не целиком, мы можем увидеть отличительный знак Гигиеи – змею, вероятно тянущуюся к руке с чашей.

3. Петуха в качестве жертвы преподносили исцеленные богу медицины Асклепию (скульптура, Древний Рим, I-II вв. н.э.). Асклепий изображается в виде мужчины, держащего посох, который обвивает змея. В Древнегреческой мифологии считалось, что именно змея натолкнула Асклепия на мысль о возможности воскрешения мертвых (миф гласил, что приглашенный к царю Миносу для воскрешения его сына Асклепий увидел на своем посохе змею и убил ее; однако вскоре появилась вторая змея с травой в пасти, которая воскресила убитую змею), в связи с чем данное животное древние греки почитали, считали хранителем домашнего очага и здоровья в семье, а также символом познания, мудрости и науки.

Итальянское искусство эпохи Возрождения:

1. Полотно Тициана (Тициана Вечеллио, 14(85-90)-1576 гг., Италия) - Святой Себастьян (ок. 1576 г.) – изображает одного из самых почитаемых католических святых. Согласно преданиям, он жил в III в. в Риме и был легионером, однако пал из-за своей веры. На картине Тициана мы можем видеть один из сюжетов жизни святого - император Диоклетиан приказал отвести его за город, привязать и пронзить стрелами. Думая, что он мёртв, палачи оставили его лежать одного, однако ни один из его жизненно важных органов по-видимому не был повреждён стрелами (деталь, не всегда точно учитываемая художниками), и его раны, хоть и глубокие, не были смертельными. Вдова по имени Ирина пришла ночью, чтобы похоронить его, но обнаружила, что он жив, и выходила его. Во второй раз его до смерти забили камнями и бросили в канаву. Христианка Лючия похоронила его в катакомбах на Аппиевой дороге в Риме. Для живописи эпохи Возрождения в целом характерна игра на контрастах цветовых пятен – этот цветовой прием использовал в написании и Тициан. Фигура Себастьяна выглядит очень светлой на фоне темнеющей природы, как будто мягкий свет льется из-под его кожи, как бы указывая на его святость. Несмотря на все страдания, перенесенные Себастьяном и отраженные на его лице гримасой боли, поза святого гордая и величественная; тем самым он как бы говорит всем ненавидящим его – я не сломлен, ведь у меня есть вера. На закате жизни любимыми сюжетами для написания для Тициана были именно религиозными. В 1575 году Венецию охватывает эпидемия чумы, от которой умирает и сам великий художник Возрождения. У меня складывается ощущение, что эта картина – как последняя молитва для старого Тициана, ведь именно Святого Себастьяна почитали как защитника от чумы.

2. Мадонна Литта (Италия, середина 1490-х гг.) кисти Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.) представляет собой олицетворение материнской любви как величайшей ценности. Почему же? Рассмотрим этот момент чуть позже. Сама Мадонна предстает перед нами в виде женщины образцовой красоты эпохи Ренессанса: рыжие волосы с золотистым отливом, тонкие черты лица, полная фигура, загадочное и одухотворенное выражение лица с истинно леонардовской улыбкой. На руках у нее беспокойный младенец, перенявший от матери рыжевато-золотистый цвет волос. Интересно то, как художник выстраивает концепцию свето-теневых отношений: окна с пейзажем и исходящим из них светом находятся за фигурой матери, однако сами Мадонна и младенец освещены как бы спереди, со стороны зрителя (причем свет кажется вполне естественным – ни о каких отблесках свечей или лампад не идет и речи). Что же касается олицетворения материнской любви: видно, что платье Мадонны имело два разреза, удобных для быстрого кормления ребенка грудью, но судя по всему мать хотела отлучить ребенка от груди – разрезы зашиты. Однако шов на правой груди был поспешно разорван, так как ребенок хотел есть. Можно сделать вывод, что мать решила отложить нелегкий процесс отлучения ребенка от грудного вскармливания, потакая желанию своего чада, а это говорит о том, что лишь мать способна давать поблажки своему ребенку из большой любви к нему и ментальной связи с ним.

Голландское искусство XVII в.

1. На своем полотне Стен Ян (1625(6)-1679 гг., Голландия) «Больная и врач» (1660 г.) рассказывает нам довольно интересную историю: врач помогает «больной» оправиться после короткого обморока довольно обычным для того времени способом – запахом подожжённого шерстяного шнура (запах горящей шерсти действительно так себе). Но на деле «больная», несмотря на все модные тенденции того времени, совершенно не выглядит больной – румяная полная девушка явно не склонна к обморочным состояниям. Что же это было? Да все очень просто – всего лишь небольшая уловка для того, чтобы заставить кое кого поволноваться. Судя по всему, барышня («больная») беседовала со своим возлюбленным, чувства которого к ней, к сожалению, угасли. Видимо, небольшая симуляция должна была обернуть ситуацию в сторону «больной», однако даже врач догадывается о небольшой лжи своей пациентки (о состоянии которой он и не очень-то заботится), слушая сплетни от горничной. Картина выполнена в ярких красках, что приковывает взгляд зрителя и погружает его в сюжет.

2. Картина «Деревенский шарлатан (Извлечение камня глупости)» (1620-е гг., Фландрия) кисти Адриана Браувера (1605(6)-1638 гг.) рассказывает нам вполне типичный сюжет голландской живописи XV-XVII вв. В Средневековой Европе медицина в привычном понимании этого слова была далеко не в почете: изучать анатомию человека нельзя, научно обосновывать этот мир нельзя, блюсти гигиену нельзя, говорить что-то против католической церкви нельзя и еще много-много различных абсурдных «нельзя». Но зато можно кое-что другое – быть шарлатаном, ходить по селам и деревням и говорить о неком «камне глупости», который находится в голове и который стоит лишь удалить за скромную плату – и вуаля, вы поумнели. Что ж, незнание анатомии – явно большое горе, ведь данные «лечилы» покалечили множество людей. На данном полотне мы видим знахаря-шарлатана, который режет голову бедолаги-пациента на живую (понятие наркоза в то время еще не существовало, поэтому облегчали боль большой дозой вина per os). Болен ли «больной» - ну если считать глупость болезнью, то явно да. Но, к великому сожалению, она не лечится удалением каких бы то ни было «камней».

3. Картина Рембрандта Харменса ван Рейна (1606-1669 гг., Голландия) «Возвращение блудного сына» (ок. 1668 г.) является одной из самых глубоких его картин. Еще со времен художественной школы Рембрандт является одним из моих самых любимых художников – его работы потрясают, заставляют задуматься, буквально притягивают взгляд. Чем больше смотришь на его полотна, тем больше деталей открываются, тем больше ты его понимаешь. Так и с его последней картиной «Возвращение блудного сына». Свет на картине выстроен таким образом, что зритель переводит взгляд от самых светлых ее участков (первоплановых) к более темным. На первом плане для нас лицо отца: хоть сын и покинул его когда-то давно, лицо отца источает благоговейный свет, теплоту, ласку – он любит своего сына, он ждал его возвращения, он единственный во всем огромном мире рад ему. Далее мы переводим взгляд фигуру самого блудного сына: его лицо от нас скрыто и обращено к груди отца. По его одеяниям мы можем понять, что жизнь явно не пощадила его: его левый ботинок слетел с ноги, а правый весь стоптан и держится на честном слове; одежда превращена в лохмотья, он обрит налысо (в то время так обривали только заключенных или каторжников). Судя по всему, семья зажиточная, так что одежда создает контраст между отцом и сыном. Все свои деньги он промотал в поисках жизненных удовольствий, плотских утех – и вот у него не осталось совершенно ничего. «Блудный сын» кается перед своим отцом, молит его о прощении, сам не понимая, что отец его давно простил (а, скорее всего, никогда даже и не испытывал по отношению к нерадивому ребенку гнева). Далее мы видим лица свидетелей воссоединения: возможно – старшие братья (если мы отталкиваемся от сюжета библейской притчи «О блудном сыне» (Лк15:11-32), хотя художник в своей картине во многом отходит от сюжета библейского сказания), а возможно и просто домочадцы. Самое яркое из них – лицо мужчины справа (вероятно, старшего брата) – источает похожие чувства, что и лицо отца, однако все же основное место занимается именно чувством жалости (это отличает его от милосердного и всепрощающего выражения отца). Остальные же домочадцы (нужно очень тщательно приглядываться, чтобы увидеть всех) выражают недоумение подобного отношения отца к сыну и насмехаются над обоими. Стоит упомянуть и параллель, которую престарелый художник проводит между этой картиной и своей жизнью. Он был молод и успешен, женат на любимой женщине, имел кучу детей и постоянные заказы от богатых людей и представителей знати. Однако умерла его любимая Саския, умирали и его дети. Слава ушла, ушло богатство, пришли одиночество, бедность, старость. И вот он, «блудный сын», на пороге смерти готов упасть в объятья всепрощающему и милосердному Отцу Небесному, готов отдать себя на высокий суд.

Буддийское искусство:

1. В центре тангка популярный персонаж буддийской мифологии - бодхисаттва милосердия Авалокитешвара (Тангутское государство Си Ся. конец XII-XIII вв.). Одиннадцать голов Авалокитешвары и восемь рук образовались от сочувствия к несчастьям людей и стремления им помочь. Белая фигура бодхисаттвы изображена на лотосовом троне. Центральный лик показан в фас, остальные составляют пирамидообразную композицию, увенчанную красной головой Будды Амитабхи - владыки рая Сукхавати, в котором могут перерождаться все страдающие живые существа. Руки Авалокитешвары сложены в мудра - символические жесты - или держат атрибуты. Позади бодхисаттвы слева и справа на темно-зеленом фоне, характерном для икон Хара-Хото, выделяются фигуры монахов, написанные в китайской традиции. Над центральной частью тангка в верхнем ряду - пять изображений будд. Авалокитешвара окружен четырьмя разноцветными фигурами Стражей сторон света. Внизу на одном троне сидят слева направо: красный Хаягрива - одно из воплощений Авалокитешвары; белая Ситатапатра, желтая Маричи и Зеленая Тара, родившаяся из слез бодхисаттвы. Икона написана согласно тибетской художественной традиции, хотя ее стиль включает элементы китайского и индийского буддийского искусства. Земным воплощением Авалокитешвары приверженцы ламаизма считают Далай-ламу.

Часть 6:

1. Картина Рембрандта Харменса ван Рейна (1606-1669 гг., Голландия) «Снятие с креста» (1634 г.) – одна из картин расцвета его художественной карьеры. Однако сама картина была выполнена не на заказ, а по личному желанию автора: в полотне отражается многолетнее переосмысление сюжета Евангелие Рембрандтом. Сюжет вполне типичен для голландских художников того времени, однако само художественное исполнение выделяет картину Рембрандта из числа подобных ей. Он ориентируется не на покупателей, а на свое собственное ощущение. Здесь нет ярких красок – только игра света и тени, здесь нет картинных поз и искажающих лица гримас – вся боль, все движения натуральны, и чем больше приглядываешься, тем больше ощущаешь эту боль. Стоит отметить, что здесь в полной мере раскрывается умение художника «чувствовать» эмоции – сказались многолетние тренировки графических набросков лиц бедняков, крестьян, торгашей, детей и стариков, женщин и мужчин разных сословий, разного материального достатка. Довольно часто в картинах с религиозным сюжетом главные объекты образуют треугольник. Это полотно – не исключение. Светлые участки борются с тьмой, накрывшей всю Голгофу и находящихся на ней людей. Вершина треугольника – тело Христа, бережно снимаемое учениками с креста. В этой тьме лишь один источник света – свеча, удерживаемая одним из апостолов, вероятно. Свет от нее особенно ярко выделяет вторую вершину – лицо Богоматери. Но даже теплые отблески пламени не способны скрыть ее измученного серого лица, искаженного болью. Третьей же вершиной треугольника является плащеница, в которую будет завернуто тело Христа. В картине, покрытой мраком боли, страха, потери, смерти, в виде этого треугольника находят место жертвенность, мужество, святость, милосердие (в лице Иисуса, распятого за грехи рода человеческого), любовь (Богоматери к сыну своему), близость Воскрешения (плащеница, из которой Иисус уйдет на порог вечной жизни).

2. Полотно Микеланджело Меризи да Караваджо (1571-1610 гг., Италия) «Юноша с лютней» (1595-96 гг.), кажется, знакомо всем со школьных скамей. Помнится, он был на обложке учебника по музыке за класс 5. Но о музыке ли речь в данной картине? Попробуем понять. Сам Караваджо был человеком крайне вспыльчивым – его крутой нрав усмирить не мог решительно никто, кроме его матери – ее он очень любил, как и она его. Однако и при ее жизни он умудрялся несколько раз оказаться в тюрьме за разбои, пьяные драки. А после ее смерти сдержать экспрессивного молодого человека вовсе и не пытался, что однажды даже привело к убийству и бегству в Венецию. Но картины Караваджо словно отдушина – не имеют ничего общего с его вспыльчивостью. Однако за счет своей экспрессии художник был способен уловить мимолетные эмоции натурщиков. Собственно, картина «Юноша с лютней». На первый взгляд кажется, что это просто красиво выстроенная и незамысловатая композиция – вот натурщик с лютней, вон и ноты лежат перед ним, и скрипка сверху антуража ради, и цветы с фруктами для заполнения стола. Однако стоит присмотреться внимательнее, и начинаешь понимать, о чем эта картина. Первые весенние цветы недолго простоят в вазе: пройдет мгновение – и они завяли. Фрукты же появляются лишь после урожая – позним летом, а ранняя осень уже наступает на них начавшимся тлением природы. И юноша не замер в одной позе – он вот-вот вдохнет и запоет песню о любви, ноты которой лежат перед ним. Однако сруна на его лютне только что лопнула, но он это еще не успел понять. Пройдет мгновение – и он не сможет петь, а лишь уставится на испорченный музыкальный инструмент, и мы никогда не услышым от него песни о любви. Да и сама музыка мимолетна: в то время единственным способом записибыли ноты, но разме способна кучка знаков на бумаге передать чувства и эмоции играющего, его талант и одухотворенность? Пройдет мгновение – и музыка растворится в воздухе, будто ее и не было. Вся картина так и говорит нам: жизнь – тысячи тысяч мгновений, сменяющих друг друга, и ты никогда не переживешь ни одно из них дважды.

Задание 2:

Буддизм:

1. Большая часть буддийской коллекции Государственного музея истории религии связана с традициями Тибето-Монгольского буддизма (одна из двух ветвей Махаяны).

2. На территории России буддизм исповедуют три народа: буряты, калмыки и тывинцы.

3. В начале 20го века на территории Санкт-Петербурга был открыт дацан Гунзэчойнэй

Христианство:

1. Апостол Павел сыграл очень важную роль в становлении христианства как мировой религии, изначально являющейся всего лишь отколом иудаизма. Он, как и другие апостолы, разносит по Римской империи христианское учение в проповедях («без оружия в руках»), и уже к IV в. н.э. христианство становится государственной религией в Римской империи.

2. В музее в основном представлены экспонаты, относящиеся к эпохе государственной религии (Константиновской эпохе, эпохе исторического христианства).

3. V в. – отделение древневосточных (дохолкидонских) церквей (непринятие решения 4го вселенского собора);

XI в. – разделение на Западную (католическую) и Восточную (православную) христианские церкви;

XVI в. – отделение от католической церкви массы протестантских движений;

Ислам:

1. Чисто религиозный столп – исповедание формулы веры: признание абсолютного единобожия (таухит) и признание пророческой миссии Мухаммеда (божество говорит устами человека);

2. В музее хранится один из рукописных экземпляров Османова списка (нач. VIII в.);

3. Преимущественно в исламе развиты искусство каллиграфии и искусство нанесения орнамента. Также стоит отметить декоративно-прикладное искусство (выплескивание естественной потребности человека в творчестве при изготовлении предметов быта и домообустройства). В духовной сфере из-за строгого монатеизма изображение каких-либо живых существ запрещено во избежание идолопоклонничества, однако в быту данного запрета нет (то есть на посуде, картинах, иллюстрациях в нерелигиозных книгах изображение живых существ вполне допустимо).